Quantcast
Channel: Minst En Gång i Veckan
Viewing all 815 articles
Browse latest View live

Idag ser jag fram emot -

$
0
0
 - genrepet av FRUN FRÅN HAVET, på Dramaten.

Fotot Henrik Halvarsson

Regi Sofia JupitherBearbetning Mari Vatne Kjelstadli och Sofia Jupither, Scenografi Erlend Birkeland, Ljusdesign Ellen Ruge, Kostym Erlend Birkeland, Peruk och mask Natalie Pujol, Översättning Klas Östergren, med Eva Röse, Alexander Salzberger, Andreas T Olsson, Johan Holmberg, Magnus Roosmann, Rakel Benér Gajdusek, Bengt Braskered, Electra Hallman

Från deras hemsida: 

För varje val vi gör i livet, väljer vi samtidigt bort något annat. Men tänk om vi får chansen att välja om? Eva Röse återvänder till Dramaten som Ellida i Ibsens klassiker om livskriser, livsval och oavslutade kapitel.
Fyrvaktardottern Ellida har gift sig med änklingen Wangel, en omtänksam läkare, och flyttat in hos honom och hans nästan vuxna döttrar i en småstad. Men Ellida har svårt att hitta sin roll i familjen och känner sig kvävd av småstadslivet. Hon badar i fjorden men längtar efter havet, efter frihet, efter den hon en gång var. Och kanske längtar hon efter mannen hon en gång älskade – han som efter en kort och häftig förälskelse försvann ut på det vida havet.

I Ibsens Frun från havet ställs frågorna om de stora livsvalen på sin spets.

Idag ser jag fram emot -

$
0
0
 - att gå och se Kandidatutbildningen för Mimutbildningens examensföreställning på StDH: 



Från deras hemsida: 

STOCKHOLMS DRAMATISKA HÖGSKOLA

FROZEN SOULS PÅ STDH

Välkommen att ta del av årets examensföreställning i mimskådespeleri; en frustande och rörelsefylld väggmålning i regi av den holländska koreografen Karina Holla!
Stockholms konstnärliga högskola/StDH presenterar stolt årets examensföreställning i mimskådespeleri! Tillsammans med koreografen och regissören Karina Holla, har sex examensstudenter inom mimskådespeleri, skapat en frustande och rörelsefylld väggmålning om civilisation och undergång.
Karina Holla är en av Hollands mest väletablerade scenkonstnärer och hennes gränsöverskridande scenspråk har hyllats världen över. "...det är som att stå vid teaterns big bang", skrev Amelie Björk på Aftonbladet efter att ha sett Another nice mess på Teater Giljotin hösten 2016.
Det här är första gången som Holla regisserar en uppsättning för utbildningen i mimskådespeleri och såhär säger hon om föreställningen.
For me it is about the development of human kind. The history we all wear inside our bodies. The body as a treasure-box, full of memories and stories.

Metamorphosis, the ability to change, the possibility to transform into someone else, into plants and animals makes it possible to have empathy for other living creatures, that is our only hope. We are sharing that with you in these difficult times.
These excellent students will make their bodies sing and speak. Specially for you, life is worth living.
Föreställningen spelade på Dansens Hus 4-6 april och har nypremiär på StDH 19 april och spelar fram till 4 maj.
Varmt välkomna!
Fri entré!

Medverkande

Mimskådespeleriklassen åk 3
Idé, koreografi och regi: Karina Holla
Scenografi: Youlian Tabakov
Musik/ljuddesign: Henk van Riemsdijk
Ljusdesign: Anders ”Shorty”Larsson
Foto: Jonas Jörneberg
Produktionstekniker: Ragnar Fäst och Pedro Martinez
Producent: Katarina Tillberg
Ansvarig lärare Mimskådespeleri, lektor i mimgestaltning: Lena Stefenson

DRÖMMEN OM SVANSJÖN, Genrep, Kungliga Operan föreställning nr 20, 6/4 2017

$
0
0

KOREOGRAFI Pär Isberg, MUSIK Pjotr Tjajkovskij, LIBRETTO Pär Isberg, SCENOGRAFI Lars-Åke Thessman, KOSTYM & MASK Jérôme Kaplan, LJUS Ellen Ruge, DRAMATURG Katarina Aronsson, MED Desislava Stoeva, Luiza Lopes, Nathalie Nordquist, Calum Lowden, Oscar Salomonsson, Dmitry Zagrebin, Vahe Martirosyan, Dawid Kupinski, Arsen Mehrabyan, Sarah-Jane Brodbeck, Daria Ivanova, Emily Slawski, Jenny Nilson, Katariina Edling, Emma Grandin, Pascal Jansson, Andrey Leonovitch, Wolfgang Wengenroth, Kungliga Baletten, Kungliga Hovkapellet, Elever från Kungliga Svenska Balettskolan.

Det här är den fjärde SVANSJÖN jag ser sen jag började blogga. Jag har sett två uppsättningar på Kungliga Operan, den riktiga, svulstiga varianten som bygger på Marius Petipas originalkoreografi, och en moderna variant, skapad av Mats Ek, och så ett gästspel från Sydaftika, på Dansens Hus: DADA MIASILO: SWAN LAKE
Jag har missat Benke Rydmans uppsättning på Dansens Hus, men jag har sett Matthew Bournes suveräna version på DVD och Youtube ett dussintals gånger.

Svansjön måste vara för koreografer vad Hamlet är för regissörer. Jag menar, det verkar som var och en måste få göra sin version. Och jag förstår det. Eller, både och, egentligen, om man nu ska prata om dansverket. Musiken är fantastisk. Historien är lite… vankig. En prins som blir förälskad i en sjöfågel?

Här handlar det istället om en koreograf som ska sätta upp Svansjön, och som väljer en okänd dansös att dansa huvudrollen. Han tilldelar sej själv rollen som prins, eftersom han är förälskad i henne, och delegerar premiärdansören - som vore det naturliga valet för den stora manliga huvudrollen - till den mindre uppgiften som den onde trollkarlen Rothbart. Funktionen av prinsens mamma övertas av den kvinnliga operachefen. Vad som egentligen händer med premiärdansösen är lite oklart. Hon bubblar liksom runt, och dyker upp här och var, och för mej, på något konstigt sätt, blev hon den mest intressanta personen på scenen. Daria Ivanova, som dansade rollen när jag såg föreställningen, kändes ibland som den enda verkliga personen på scenen. Hon var underbart tragisk, utan någon möjlighet att leva ut det. Det var lite som om hennes berättelse hade blivit bortklippt, med bara tillräckligt mycket scentid kvar för att man skulle ana ett fantastiskt djup. 

Dansen är fantastiskt vacker, och scenografi, ljus och kostym är sensationella, men jag blir ofta mer irriterad på när något nästan är fantastiskt. Här faller det på handlingen. På realiseringen. 

Ganska långt in i föreställningen var jag totalt förförd. Det är bara när jag börjar att inte förstå hur rollerna tänker, logiken, spelreglerna, som jag blir lite… oberörd.

Idén är lite charmig, men inte vidare fyndig. Eller, idén kanske är intressant, det är utförandet som blir lite halvdant. Jag hade önskat att man gått längre. Verkligen sett vilka konsekvenser som följer. På nåt sätt fortsätter man att röra sej i en slags orealistisk sagovärld, trots alla markörer på motsatsen. Det är lite som om librettot vore skrivet av någon som har en ganska vag uppfattning om verkligheten på ett teaterhus.

Utmaningen, när man gör en så här radikal, realistisk omtolkning av en klassiker, är att vara konsekvent. Att placera handlingen i modern tid, i en milö som ligger nära grundhistoriens, det vill säga balettvärlden, är nog både befriande och fjättrande, antar jag. Här verkar det som om det har varit svårt att ta ett steg tillbaka och se på verkligheten, som den ser ut för en koreograf på Kungliga Operan, 2017. Vilket är konstigt, eftersom verket har skapats av en koreograf på Kungliga Operan, 2017. 
För om man ska ut och trampa i verkligheten så måste man vara realist. Det är klart att koreografen kan bete sej som han gör, men det skulle också få konsekvenser, och dom vore intressanta att se: Konstnären kontra Verksamheten. Får en koreograf gå över huvudet på premiärdansare och välja en dansös ur corps de ballet? Vad får det för konsekvenser om han gör det? Vad säger facket? Vad säger ledningen? Vilka intriger sätter det igång? Ställer sej huset på dansarens sida, eller börjar man se på honom som en föredetting, nån på väg ut? Har koreografen tillåtelse att själv ta den plats som borde gå till en premiärdansör? Hur ställer sej Kungliga Operan till att en av deras koreografer inleder en romans med en av dess dansare? Hur går snacket på maskavdelningen? Vad skvallras om på kostymavdelningen? Hur blir den unga dansösen bemött? Stiger hennes status, eller vänder man henne ryggen? Och skulle en koreograf som i sina handlingar är så despotisk, finna sej i att en dansare - i det här fallet premiärdansören - så öppet försöker sabotera hans arbete? 

Och det konstiga är att den Svansjön som koreografen i föreställningen sätter upp inte verkar vara speciellt originell. 

Men om man kan bortse från det här - vilket jag tror de flesta kan, det är nog bara jag som hänger upp mej på logiken - så är detta bland det vackraste man kan se på en scen. Kostymerna är sådär underbart ambitiösa som man bara kan framställa om man har ett eget skrädderi. Scenografin ger en magiskt inblick i operan bakom det vi, allmänheten, ser. Och som vanligt, som alltid, är Kungliga Operans dansare bland det vackraste man kan se på en scen, oavsett om dom rör sej eller står still. 


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


SVARTA REVOLUTIONÄRER FALLER INTE FRÅN MÅNEN - FRITT EFTER ASSATA SHAKUR på Teater Tribunalen:

Jag är lite trött på att man använder situationen i USA, då och nu, som en slags global sanning. Att påstå att samma sak som händer där händer överallt. Man gör en slags amerikansk generalisering av vårt land, och av alla människor som bor här. Det blir liksom där man bestämmer hur frågor kring hudfärg ska behandlas, och vi andra, vita och svarta svenskar, har bara att rätta oss. 


GRÅT, på Kägelbanan: 

"”Hinner vi med ett glas till?” säger min kompis Geraldino Bidé. Det är en retorisk fråga. Han menar: vi hinner med ännu ett glas, innan det är dags att gå. Jag är glad att jag har grundat med en stor portion vegetarisk lasagne innan vi kom hit."


JAG HETER BENTE med Kamraterna: 

Det är en finstämd, välspelade föreställning om människor som du och jag. Inga stora, dramatiska utbrott, inga vulkanhetsiga känslor. Bara ett långsamt, obönhörligt förfall.




Idag ser jag fram emot -

$
0
0

KANDIDAT 1 PORTRÄTTERAR KVINNOR, på Operahögskolan. Jag känner inte till något av verken, så jag antar att förutom att skriva om Polar Eclipse Teaters uppsättning av Noel Howards PRIVATE LIVES, så har jag en hel del pluggande framför mej. 

Regi: Wilhelm Carlsson

Jungfrurna
Av: Peter Bengtson
Libretto: Ragnar Lyth
Claire: Tessan-Maria Lehmussaari
Solange: Elisabeth Leyser 
Kronbruden
Av: Ture Rangström
Libretto: August Strindberg
Kersti: Annika Sandberg
Brita: Matilda Sterby
Modern: Mathilda Bryngelsson    
Jordemor: Mathilda Bryngelsson
Tintomara
Av: Lars Johan Werle
Libretto: Leif Söderström
Amanda: Annika Sandberg
Adolfine: Mathilda Bryngelsson    
Falstaff
Av: Giuseppe Verdi
Svensk text: Lars Huldén
Alice: Ella Morin
Nanetta: Therese Andersson
Meg: Elisabeth Leyser 
Quickly: Mathilda Bryngelsson    
Karmelitsystrarna
Av: Francis Poulenc
Svensk text: Göran Järvefeldt
Constanze: Therese Andersson
Blance: Ella Morin
Christina
Av: Hans Gefors
Libretto: Efter Lars Forssells skådespel ”Christina Alexandra”
Christina: Ella Morin

Majsan Dahling: piano, musikalisk instudering, repetitör
Mats Lindberg: kostym
Linda Sandberg: mask
Jimmy Svensson: ljus
Alma Ericson: ljustekniker 

Johan Ilve: scenmästare 

PRIVATE LIVES, Polar Eclipse Theatre, gästspel på Playhouse Teater, föreställning nr 21, 10/4 2017.

$
0
0

Regi: Stefan Marling Med : Chris Killik,  Jo Rideout, Nils Bergstrand, Chloe Bergstrand and Anna Saintout.

För att vara en person som gnäller ganska mycket på att man i Stockholm aldrig sätter upp Joe Orton, Tennessee Williams, Alan Bennett eller Noel Coward, så måste jag erkänna att jag är ganska nonchalant när nån nu äntligen sätter upp något av någon jag vill se. Jag höll nästan på att missa den här uppsättningen, och det var inte för att jag var omedveten om att den var på gång: jag hade bara tankarna någon annanstans. Jag var liksom i London, rent mentalt. 

Vi har börjat åka till London, jag och min kompis Patti-Li Leuk, minst en gång om året. Eller: vi har gjort det i två år, så jag antar att det är en ganska vansklig tradition. Vi bor på St. Giles Hotel, ser så många föreställningar det bara går att klämma in, äter en massa onyttigheter och vandrar runt och tittar på sevärdheter. 

Eftersom vi har skummat det mesta i vår guidebok så har vi börjat utse ställen där vi själva läser på och guidar varandra. Förra gången var våra ämnesområden Charing Cross Road och Shaftesbury Avenue; den här gången skulle vi studera in Soho Square och Leicester Square. 
Hade inte min kompis Bobby Child frågat om vi skulle gå tillsammans så hade jag nog helt missat chansen. Ibland känns det som om jag behöver en praktikant, bara för att lyckas maximera möjligheterna att utnyttja livet.

Jag har läst pjäsen, men hade en ganska vag uppfattning om handlingen, så kvällen innan hade jag legat och tittar på en version av pjäsen på Youtube, med Alec McCowen, Penelope Keith, Polly Adams, och Donald Pickering, men jag hann inte vidare långt. Nånstans inne i andra akten fällde jag ihop datorn och släckte lampan. 

Eftersom nästföljande dag var dagen innan vår Londonresa, och eftersom jag skulle bli tvungen att gå upp halv fyra, eftersom planet gick klockan sju - det kanske var lite onödigt tidigt att åka så dags, men vi hade en matiné att passa - så steg jag upp tidigt, packade en hel del, sökte upp information om föreställningarna vi skulle se i London, teatrarna vi skulle besöka, sammanfattade materialet, skrev ut, och för säkerhet skulle la jag en PDF-fil på min iPad. 
Jag hann till och med växlar lite pengar till pund innan det var dags att dra till Teater Playhouse

När jag satte mej ner för att skriva det här trodde jag att min närmaste kontakt med Noel Coward var ganska många böcker i mitt bibliotek, både av honom och om honom, några mp3-filer av hans musik på min dator, och ett besök på The Noel Coward TheatreSt. Martin’s Lane i London, där jag och min kompis Patti-li Leuk såg HALF A SIXPENCE, för ett halvår sen.
Jag hade totalt glömt bort att för några år sen, 2009, såg jag en uppsättning av hans BLITHE SPIRIT på Shubert Theatre, på Broadway i New York, med Rubert Everett, Christine Ebersole och - trummor, tack - Angela Lansbury. Det var en ganska… ordinär uppsättning, faktiskt, mer en möjlighet för skådespelarna att briljera än en direkt underfundig och fascinerande produktion. 

Polar Eclipse Theatre är en flerspråkig teatergrupp med medlemmar som kommer ifrån, eller har utbildat sej i, flera olika engelskspråkiga länder.  Jag har tidigare sett deras A MIDSUMMER NIGHT’S DREAM, och jag tror att flera av deras medlemmar var med i The Stockholm English Speaking Theatres uppsättning av MUCH ADO ABOUT NOTHING, båda på Parkteatern, men olika somrar.

Innan föreställningen börjar gör hela kompaniet ett slags gästspel ute i teaterbaren. Jag är inte tillräckligt insatt i alla Cowards sånger, men jag antar att det man sjunger komponerats av honom. Det är charmigt, lekfullt framfört, med piano och sång, ackompanjerat av diverse tutor, visslor, slagverk och klockor. En perfekt öppning.

För Noël Howard skrev inte bara pjäser, han var en verklig renässansmänniska, sin tids Lin-Manuel Miranda, skulle man kunna säga;  han var en dramatiker, kompositör, regissör, skådespelare, sångare och författare. När den här pjäsen hade urpremiär, 1930, var Coward redan världsberömd, och en av världens högst välbetalda författare. Han hade varit något av en enfant terrible, med uppmärksammade pjäser om nymfomani och drogmissbruk, men nu var han lite av societets gullunge.

Pjäsen handlar om Elyot och Amanda, som har skiljt sej, gift om sej, och som nu upptäcker att dom tillsammans med sina nya partners har tagit in på samma hotell i den franska staden Deauville, vid Engelska kanalen. Dom upptäcker också att dom fortfarande älskar varandra, så dom flyr, där och då, till en lägenhet som Amanda har i Paris. Där börjar deras gamla mönster av gräl och kärlekfull försoning, och när deras både respektive plötsligt dyker upp, så packar paret sina pinaler och drar vidare.
Så enkel är handlingen. Jag lovar. 

Det är svårt, idag, att tänka att denna pjäs ansågs utmana den goda smaken, men kärleksscenen i andra akten, som de facto utspelade sej mellan två personer som var gifta på annat håll, även om de först varit gifta med varandra, stötte på problem hos Lord Chamberlain, som hade hand om teatercensuren, och Coward var tvungen att gå till hovet och spela upp valda scener ur pjäsen och försäkra att allt skulle skötas i god ton. 
Pjäsen hade också premiär sju år innan en ny lag gjorde skilsmässor enklare: innan dess hade till exempel bara män, inte kvinnor, kunnat skilja sej av den enkla anledningen att partnern varit otrogen. 

Det är säkert svårt att göra Coward utan rökrock och cigarettmunstycke, cocktailglas och silkiga, diagonalskurna aftonklännigar, lite som att sätta upp en scenversion av teveserien Dynasty utan högt hår och axelvaddar, men jag önskar att man hade försökt. Kostym, rekvisita och scenografi, trots att den är ambitiös, distraherar, mer än den tillför. Kanske är det egentligen så att det behövs mer av allt, men sånt kostar för mycket för en fri grupp, och jag skulle föredra en mer nedskalad, avskalad version. En stiliserad uppsättning, där människorna, med replik och dramatik, kom i centrum. 

Men det är roligt och rappt, sofistikerat och distinkt. Ursprungspjäsen, som är ganska pratig, är rejält nedstruken. Föreställningen är nedbantad, men inte undernärd, och personalen är mer än kompetent. Jag sitter som oftast och fnissar och kluckar, för det här härligt att se dessa utomordentligt agerade utspel, från vansinnesutbrott till självupptaget lidande. Känslotopparna liksom sköljer över oss, som vågor, och det är få stunder av stiltje. Jag glömde till och med bort att jag skulle ut och resa, och det var inte förrän jag kom hem och såg resväskan ligga uppfläkt på vardagsrumsgolvet, som jag insåg att jag vid den här tiden kommande dag redan skulle ha sett musikalen THE LIFE på Southwark Playhouse, och nu, vid niotiden, nog satt inne i salongen på The Criterion Theatre och njöt av THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY. 
Men innan dess hade jag en hel del att plugga på om Leicester Square. 
Tack gode gud för Wikipedia.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


DRÖMMEN SOM SVANSJÖN, ett genrep, på Kunliga Operan: 

Svansjön måste vara för koreografer vad Hamlet är för regissörer. Jag menar, det verkar som var och en måste få göra sin version. Och jag förstår det. Eller, både och, egentligen, om man nu ska prata om dansverket. Musiken är fantastisk. Historien är lite… vankig. En prins som blir förälskad i en sjöfågel?

Låter det intressant? Här är resten: 


SVARTA REVOLUTIONÄRER FALLER INTE FRÅN MÅNEN - FRITT EFTER ASSATA SHAKUR på Teater Tribunalen:

Jag är lite trött på att man använder situationen i USA, då och nu, som en slags global sanning. Att påstå att samma sak som händer där händer överallt. Man gör en slags amerikansk generalisering av vårt land, och av alla människor som bor här. Det blir liksom där man bestämmer hur frågor kring hudfärg ska behandlas, och vi andra, vita och svarta svenskar, har bara att rätta oss. 


GRÅT, på Kägelbanan: 

"”Hinner vi med ett glas till?” säger min kompis Geraldino Bidé. Det är en retorisk fråga. Han menar: vi hinner med ännu ett glas, innan det är dags att gå. Jag är glad att jag har grundat med en stor portion vegetarisk lasagne innan vi kom hit."




SparaSparaSparaSpara

Idag ser jag fram emot -

$
0
0
- kvällens genrep av RÖVARE, StDH:s examensföreställning i skådespeleri: 


Från deras hemsida: 

RÖVARE
StDH presenterar stolt årets examensföreställning i skådespeleri: Rövare - en grym och blodig berättelse om våld, makt och rätt, i regi av Jens Ohlin.
"Fy fan för vårt lönnfeta århundrade!"
I en kraftig bearbetning av Friedrich Schillers Rövare, återstår det spår vi tycker är mest intressant: brödraparet von Moor och deras brinnande uppror mot sin pappa.
Karl - gränslöst älskad av sin far - är politiskt äcklad av de orättvisor pappans von Moor-imperiet är roten till, och av att han är utvald att ärva det. Franz - gränslöst oälskad av sin far - är personligt äcklad av orättvisan i att det inte är han som kommer att ärva von Moor-imperiet.
Båda bröderna beslutar sig för att ta rätten i egna händer.
Rövare är en grym och blodig berättelse om våld, makt och rätt.
På scen
Skådespeleri åk 3:
Text: Friedrich Schiller
Översättning: Magnus Lindman
Regi: Jens Ohlin
Textbearbetning: Jens Ohlin och Hannes Meidal
Scenografi: Anton Thorsson, examensstudent Scenografi: Scenex17
Kostymdesign: Matilda Hyttsten, examensstudent Kostymdesign: Scenex17
Ljusdesign: Lina Benneth
Ljuddesign: Pedro Martinez
Maskdesign: Patricia Svajger

Ansvarig lärare, lektor i skådespeleri: Simon Norrthon
Foto: Jonas Jörneberg
Grafisk form: Mani
Varmt tack till Kungl. Operans verkstäder som målat scenografins fond och bidragit med handledning åt scenograf Anton Thorsson:
Ateljéchef Jonas Lundquist
Dekormästare Björn Kiltorp
Dekormålare Jan Edlund.
Föreställningar
Föreställningen spelar på StDH/Stockholms konstnärliga högskola följande datum:
Föreställningen spelar på StDH, Valhallavägen 193 följande datum:
9 maj kl 19 - GENREP
10 maj  kl 19 - GENREP
11 maj  kl 19 - PREMIÄR!
12 maj kl 19
13 maj kl 16
15 maj kl 14 & kl 19
16 maj kl 14 & kl 19
18 maj kl 14 & kl 19
Rövare spelar också på Sveriges största festival för scenkonst: Scenkonstbiennalen i Norrköping 23 maj.
Föreställningstid, ca 1.40 utan paus.
Regissören Jens Ohlin

Jens Ohlin är utbildad vid Teaterhögskolan i Stockholm 2000-2004. Han är skådespelare och regissör.

Som regissör har Jens Ohlin främst varit verksam på Unga Dramaten och Dramaten, med uppsättningar som "Rövare" (2012), "Don Giovanni" (2014), "Götgatan" (2015) och Marodörer (2015) - ofta i textsamarbete med skådespelaren Hannes Meidal. Hösten 2016 regisserade han sin första egna text "Marie Antoinette" på Folkteatern i Göteborg. Just nu spelas han och Hannes Meidals nyskrivna "Hamlet" på Teater Galeasen, i samarbete med Dramaten.

THE LIFE, Southwark Playhouse, föreställning 22, 11/4 2017

$
0
0

Music by Cy Coleman, Lyrics by Ira Gasman, Book by David Newman, Ira Gasman, and Cy Coleman  with additional material by Michael Blakemore, Director Michael Blakemore, Associate Director Jenny Eastop, Choreographer Tom Jackson Greaves, Musical Director Tamara Saringer, Set and Costume Designer Justin Nardella, Lighting Designer David Howe, Video Designer Nina Dunn, Casting Director Anne Vosser, General Management David Adkin Limited, Producers, Amy Anzel, Matt Chisling and Catherine Schreiber, Bruno Wang, Andrea Leoncini, Carlos Arana and Jim Kierstead, Cast John Addison, David Albury, Jalisa Andrews, Matthew Caputo, Lawrence Carmichael, Sharon D. Clarke, Omari Douglas, Aisha Jawando, Cornell S. John, Thomas-Lee Kidd, Charlotte Reavey, Jo Servi, Lucinda Shaw, Johnathan Tweedie, T’Shan Williams, Joanna Woodward

Jag tror inte jag hade sovit många timmar. Eller: jag vet att jag inte hade sovit många timmar, när klockan ringer, klockan tre. Tre, som i tre på morgonen. Tre som i så där dags då man ofta brukade kommer hem efter att ha varit ute och svirat. 
Halv fem ska jag träffa min kompis Patti-Li Leuk vid Centralstationen. 
Gudskelov är jag en sån där välsignad person som ofta somnar så fort jag släcker lampan, som vid just det här tillfället hade varit klockan halv tolv. 
Kvällen innan hade jag sett en av de sista föreställningarna av Polar Eclipse Theatres produktion PRIVATE LIVES som gästspelade på Playhouse Teater, och innan jag cyklade iväg  hade jag rotat fram min resväska från IKEA och börjat packa: kalsonger, strumpor och t-shirts rullas ihop och stoppas ned i individuella packpåsar, någon extra tröja och träningsbyxor viks ihop och får trängas i samma påse. Jag är inte stor på kläder, och vi ska bara vara borta i tre nätter, men jag har elektronik med mej som om jag aldrig tänkte komma tillbaka: videokamera, ipad, extrabatterier, minneskort, sladdar, laddare, selfiestick, stativ, telefon och elomvandlare. 

Det enda jag behöver göra när jag har stigit upp och duschat, är att stoppa ner toalettartiklarna i en necessär, dra igen dragkedjan på resväskan, slänga i mej kaffe, kränga på mej ytterkläder och ryggsäck, och så sätter jag mej på cykeln och trampar ut i en natt som börjar övergå i morgon, även om det ännu inte märks.

Min cykel är en någorlunda gammal Skeppshult med tre växlar. Jag använder den i stort sett dagligen, i ur och skur, i genomsnitt någon mil om dagen, så nu, när den fyller elva år - den är äldre, för jag köpte den second hand - så har den blivit ganska sliten och rostig. Vi har ett cykelrum i mitt hus, men det verkar gjord för söndagscyklister, för det är ett helsike att få ner cykeln i källaren, så jag brukar låta cykeln stå ute, fastlåst vid ett cykelställ. I alla fall: med åren har jag bytt ut nästan alla delar, förutom själv ramen, och tydligen är jag - eller min cykel - ganska unik, för cykelreparatörerna vid Tellus Cykel och Motor säger att det tillhör ovanligheterna att man lyckas trampa av trampan. Jag menar, det är inte nån liten skruv som lossnar: det är metallen som går av, och knäcks, som en torr kvist. Den är liksom gjord för att man ska trampa på den, så den borde hålla, kan man tycka. Jag vet inte hur många gånger jag har lämnat in cykeln med en trasig trampa, och nu senast sa dom att om det händer igen så skulle det inte gå att åtgärda: metallen var utmattad, eller nåt, och cykeln var för gammal för att det skulle gå att byta ut hela trampsystemet.
Jag antar att du anar vartåt det här lutar, och du har rätt: jag cyklade i lugn och ro utmed ett mörkt, folktomt Söder Mälarstrand, glatt trampande, och gudskelov var det inte förrän jag kommit ända bort till Slussen som det hände; jag antar att jag tagit i extra mycket när jag trampade uppför backen, så det var väl där jag nötte ut den sista orken i den strackars metallen, för det var när jag precis börjat trampa ner mot Gamla Stan som den gick av. Rakt av. Lite skrammel bara, och så låg den där på asfalten, som en amputerad kroppsdel. Eller som en plötsligt tappad tand.
Och jag visste att det var slutet för min gamla cykel. 
Inte för att jag skulle vilja kalla detta ett trauma, men jag har en talang, eller tendens, att liksom ta in händelser i portionsbitar. Jag tillät mej liksom inte att ta in att detta var slutet för min gamla cykel, utan kalkylerade snabbt vad detta egentligen skulle innebära för mej. 
Jag måste köpa en ny cykel, och det blir med stor säkerhet en sån där nu cykel från IKEA - jag hoppas att de ynka två växlarna räcker för mina behov - och jag kommer antagligen att bli lite sen till mitt och Patti-Li Leuks möte vid Centralen, tänkte jag, när jag gränslade min sårade cykel och började sparka mej runt utkanten av Gamla Stan, längs med Munkbroleden. Det gick ganska bra när det fortfarande bar utför, men det blev tungt när backarna planat ut, men det gick i alla fall snabbare än att gå. 

Nånstans i närheten av bron över till Riddarholmen hör jag ett glatt rop, och en cykelsvettig Patti-Li kommer rullande, skrattande, för han har fattat vad som har hänt: 
”Igen?” konstaterar han, för han känner till det här med mina återkommande tramptragedier. 
”Japp,” bekräftar jag, och börjar berätta cykelreparatören sorgliga prognos och mina planer på en ikeacykel, samtidigt som vi i god mak rundar Riddarhuset, tar oss över Vasabron, och korsar Tegelbacken. 
I vanliga fall brukar vi låsa fast våra cyklar utanför Grosshandlaren, borta på Gamla Brogatan, mittemot Oscarsteaterns sceningång, men nu, med tanke på vår något handikappade framfart, känns det onödigt långt bort.
”Så jag hoppas bara att Ikea-cykelns två växlar är tillräckliga,” avslutar jag när vi  låser fast våra cyklar vid stället utanför Centralen. För mej är det inte så mycket det att jag låser fast cykeln, för jag har på något sätt redan gett upp tanken på att den skulle ha ett vidare liv efter vår londontrio  det handlar mer om att jag låser fast min stora motorcykelkedja, som fortfarande funkar utmärkt, vid min cykel.

Jag måste ta taxi hem, när jag kommer hem från London, far det genom mitt huvud. Ska jag ta med cykeln och se om det går att göra något åt den, trots allt, eller ska jag lämna kvar den, olåst, och låta andra ta hand om den?

En tanke har slagit Patti-Li: 
”Stänger dom centralen på natten?” undrar han. Vid centralen stora entré står några män med resväskor och väntar på att få komma in. Klockan är några minuter i halv fem. 
”Tydligen,” svarar jag. ”Dom måste väl, annars skulle väl folk bosätta sej därinne. Jag menar; jag skulle göra det, speciellt när man var i den där åldern då man var ute till ställena stängde, inte hade råd med taxi, och bara ville fortsätta umgås. Detta skulle kunna bli ett efterfestpalats.
Eftersom vi egentligen inte ska in på stationen, utan bara tänkte att vi skulle snedda igenom den, fortsätter vi förbi stationshuset, tar rulltrappan vid Dagnys och  7-Eleven, upp till Klarabergsviadukten och World Trade Center, som har öppet. 

Patti-Li är, och har alltid varit, vår officielle reseledare. Det här han som har hand om biljetter och bokningar, restider och rutter. Jag är urdålig på sånt. Jag menar det: det är nästan en slags fobi: jag avskyr att bestämma tider och jämföra priser och överväga vad som blir bäst. Jag vill bara dyka upp, betala, och resa. 
Patti-Li, däremot, älskar sånt. Han har en mapp där han har alla resepapper sorterade i kronologisk ordning; hotellreservationer, teaterbokningar, och flyg- och bussbiljetter. Det är väldigt betryggande, och vi kompletterar varandra utmärkt: han gör allt och jag har inget som helst ansvar.

Jag är ambivalent i mitt ekonomiska tänkande. I matvaruaffärer hemma i Sverige tittar jag väldigt sällan på vad saker kostar, även om jag är väldigt svag för extrapriser, men det kan hända att jag inte köper en bok på myrorna för att den kostar femtio kronor, och jag tycker att den borde kosta fyrtio, även om det är en bok jag vill ha. Å andra sidan kan jag en annan gång köpa fem böcker jag bara är någorlunda intresserad av, utan att ens i förväg kolla priserna.  
Det är samma sak när jag reser: för mej är det en odisputabel sanning att maten på Arlanda är för dyr, speciellt med tanke på urvalet, så jag brukar inte ens handla kaffe, men när jag väl hamnar i London har jag inga såna tankar: jag köper vad jag är sugen på. Unnar mej. Jag löper amok på Sainsbury och köper allt mina ögon vill ha, utan en tanke på att magen måste kunna husera alltihop.
Det är inte förrän vi kommer tillbaka till Heathrow eller Gatwick, på väg hem, som mina gnidiga glasögon kommer på igen:
Tre pund för en chokladbit? Nej tack!

Det är därför både jag och Patti-Li har mackor med oss, att käka på flygbussen, på väg till flygplatsen, för att slippa köpa dyr flygplatsmat. Jag har en hummusfylld minibaguette och en petflaska med vatten i min handbagageryggsäck. Problemet är bara att jag redan har käkat en precis likadan för någon timme sen, när jag steg upp. Jag är inte hungrig. Patti-Li, som också har en hemgjord macka med sej, är inte hungrig han heller, men när vi stiger av vid terminal 5 på Arlanda så bestämmer han sej för att ta med mackan utomlands, medan jag slänger min, tillsammans med vattenflaskan, i en soptunna. 

Medan jag filmar för mina instagram stories, checkar Patti-Li in oss vid självincheckningasautomaten, och så lindar vi klisterlapparna runt våra resväskhandtag, och lämnar in dom vid den obemannade, automatiserade bag-droppen, och hoppas att dom kommer fram till samma ställe som vi. Ingen av oss åker dit vid säkerhetskontrollen. Patti-Li kommer på att han inte har tagit med sej sin rese-adaptor, och köper en i en av alla butiker, och efter några vändor upp och ner i korridoren mellan taxfree-butikerna är det dags att gå ombord. 

Första gången vi tillsammans åkte till London, var våra iPhones nyinköpta, och vi var så rädda att vi skulle få saftiga roamingräkningar att vi knappt vågade använda dom som kameror, även om allt som kunde kosta pengar var avstängt. Nu för tiden unnar vi på oss. En enda dag, utan mobil och internet, känns otänkbar. Nästa gång vi kommer tillbaka, om England stannar kvar i EU, så kommer vi att kunna använda våra telefoner gränslöst, utan extra kostnad, men för nu så sms:ar vi bara våra leverantörer och beställer en vecka utomalands. Det är så enkelt, relativt billigt, och förenklar tillvaron totalt. 

Vi flyger med Norwegian, och jag upptäcker glatt att dom har gratis internet på planet, vilket är underbart, för Patti-Li somnar nästan så fort vi lyfter, för en smått snarkande man i sovmask är inte något vidare sällskap, och jag har inte riktigt ro att läsa något av det jag har sparat ner på min iPad. Det är inte det att jag är flygrädd, men jag har lite svårt att slappna av. Släng mej i en säng, och jag somnar på studs, men sittande, i en buss, en bil eller ett plan, och jag håller mej vaken. Patti-Li är precis tvärtom: han somnar lätt på något som är på väg någonstans, men i ett obekant hotellrum har han det lite svårare. 

På Gatwick är har man helt automatiserat passkontrollen. Man bara viker upp sitt pass på den sidan där man har sitt foto, lägger det i en läsare, och tittar in i en kamera. Det gäller förstås att vända passet åt rätt håll, för annars - som i mitt fall - kan det ta några förvirrande minuter när man undrar vem det är fel på: människan eller maskinen.

Från Gatwick in till London kan man antingen ta Gatwick Express, som är lite dyrare, eller Gatwick Thameslink, som ungefär hundra kronor billigare. Det finns säkert andra sätt, men när man står där ute på flygplatsen vill man bara ha ett enkelt, någorlunda billigt sätt att ta sej inte till stan. 

Det är både skönt och roligt att resa med någon man har reste med förut, för om man bestämmer sej att återigen resa tillsammans så betyder det att man trivs som team. Och kommer man tillbaka till tidigare besökta ställen, så har man gemensamma minnen, som vi har, när vi stiger av vid stationen Londondon Bridge, för att byta till tunnelbanan: vi känner båda igen oss, eftersom vi gjorde samlares för nästan ett år sen, och minns båda två hur det var när sist vi var här: där är West Cornwall Pasty Co-kiosken där vi köpte varsin pastej och kaffe. Därborta på bänkarna satt vi när vi i lugn och ro käkade och drack, med duvor som sprang mellan våra ben och letade efter eventuella tappade smulor. Här, ute på det lilla torget, i solsken och vinande vårvind stod vi medan Patti-Li försökte få kontakt med sin teleoperatör angående utlandsvistelsen, och här, precis nedanför Storbritanniens högsta byggande, den 310 meter och 72 våningar höga skyskrapan The Shard, stod vi och försökte lokalisera det där höga huset som vi visste skulle ligga här någonstans. 
Tills vi tittade upp. 

Men nu kan vi det här, så vi plockar fram våra Oystercard, som fortfarande har pengar sen vi var här sist, hoppar på Northern line norrut, stiger av vid Bank i området The City, byter till Central line österut, åker igenom Holborn och Inns of Court, och in i Covent Garden och the Strand, där vi stiger av precis innan vi åker in i Soho, vid Tottenham Court Road, och går några kvarter till vårt hotell, St. Giles, som ligger i Bloomsbury. 

När vi öppnade dörren till vårt rum börjar vi skratta. Vi har bott på det här hotellet två gånger tidigare, och varje gång har vi haft rum som ser exakt likadant ut. Inte bara mattor, tapeter och sängkläder är identiska; möbler och inredning står på exakt samma ställe. Det är kanske inte så  ovanligt, men nog borde vi väl någon gång hamna i ett rum som åtminstone var spegelvänt?
Allt är inte exakt likadant, upptäcker vi när vi hastigt packar upp, slänger in våra necessärer i badrummet och reder ut vad man behöver ha med sej under de tolv timmar vi räknar med att det tar innan vi kommer tillbaka till vårt rum igen: det saknas ett eluttag. Mitt eluttag. Det jag brukar använda. 
Det kanske inte låter så viktigt, men för två killar som båda har en videokamera, som ska laddas, och varsin iPhone, och några bärbara batterier, så kallade power banks, till våra telefoner, så är det lite av ett problem. Jag, som har sängen som står längst in i rummet, brukar använda kontakten under fönstret, men den här gången, när jag plockar fram reseadaptor och förgreningskontakt, visare det sej att man verkar ha rationaliserat bort det här uttaget. Det finns spår av vad som en gång suttit där, men jag antar att man resonerat att det är billigare att bort det än att laga det, så det blir till att dra ur vattenkokaren och trängas med Patti-Lis nyinköpta reseadaptor och förgrenare i rummets enda eluttag, borta vid det inbyggda skrivbordet. 

Nu är vi hungriga.

Förra gången vi var här, i November, såg vi en suveränt iscensatt och en sensationellt framförd välgörenhetsreading av musikalen DISTASTER!Charing Cross Theatre, under stationen, och innan föreställningen hade vi på den lilla mysiga gatan Villies Street, som leder från Strand till Victoria Embankment, hittat en massa intressanta matställen. Vi valde att kalasa på Five Guys, en relativt modest amerikansk hamburgerkedja som satsar på snabbmat som inte är fullt så snabb. 
I alla fall: när vi senare samma kväll kom hem till vårt hotell, upptäckte vi att man några kvarter därifrån skulle öppna en Five Guys, och när vi tidigare idag hade kommit från tunnelbanan, hade vi nöjda konstaterat att den hade öppnat. Ingen behövde övertyga någon; vi visste båda att detta var dagens lunchställe. Jag köpte en Cheese Veggie Sandwich, och Patti-Li tog en Bacon Burger. Och när jag köpte en Cherry Coke upptäckte jag något underbart: dom hade en slags datoriserad maskin, En Coca Cola Freestyle, där man - förutom att man kunde dricka hur mycket som helst - också kunde blanda sina egna smaker. Jag tog om tre gånger, och blandade smaker hej vilt. 

Den första föreställningen vi ska se idag, är en matiné av musikalen THE LIFE, på Southwark Playhouse, på andra sidan Themsen. Vi har varit där två gånger förut, och vanligtvis brukar vi promenera över Waterloo Bridge, förbi National Theater, och sen ta Waterloo Road förbi Waterloo Station och The Old Vic, men den här gången, eftersom vi tycker vi kan den sträckan, och eftersom vi har tid, bestämmer vi oss för att ta en annan väg. Om man tar London Bridge eller Soutwark Bridge hamnar man vid Southwark Cathedral, vid Shakespeares Globe, och vid Tate Modern, men Patti-Li vill att vi går ännu lite längre bort, och tar Tower Bridge, den mest kända av alla broar i London.

Eftersom frukost inte ingår på vårt hotell är vi alltid på jakt efter bra frukostställen, så att man slipper slösa bort morgonen med att leta. På New Oxford Street och High Holborn hittar vi flera, kanske inte direkt frukostställen, men intressanta matställen: som My Old Dutch, ett pannkaksställe, eller Pod, som verkar ha en salig blandning på mat: allt från havregrynsgröt till äggröra och soppor och sallader. Båda hamnar på vår lista. Eller, lista och lista: jag har börjat göra så att jag tar ett foto på matställen vi tycker verkar intressanta, och sen, på kvällen, när man går igenom dagens foton, kan man fatta beslut om vad som verkar värt ett besök. 
Men det finns ingen risk att man ska behöva gå hungrig: det ligger lunchställen, restauranger och kaféer axel vid axel här. Det är förvånande att dom allihop kan omsätta tillräckligt mycket pengar för att gå runt, men jag antar att all personal i alla de omkringliggande kontorshusen måste äta någonstans. 
Solen skiner som om den gör i mitten av Maj i Stockholm, fast det här i London inte ens är påsk. De få träd vi går förbi har bara precis börjat slå ut, men gräset, lite här och var, är grönt. Och överallt, på alla ställen som man med god vilja skulle kunna kallas för ett torg eller en park, även om det så bara är en refug med lite blast och blad, sitter londonbor och lunchar. Wraps, sallader, smörgåsar och sushi lindas fram ur papper, eller plockas upp ur plastförpackningar. Man spetsar med engångsgafflar eller nyper med ätpinnar, småpratar med kollegor eller njuter av ensamheten tillsammans med andra. 

Vi går långsamt österut, längs med High Holborn, förbi Bounce, stället där John Jaques III uppfann Ping Pong, 1901, vi tar en tur in på det rödteglade, gotiska Waterhouse Square, som ser ut som om det skulle kunna var ett viktorianskt universitet, men som bara är fyllt av företag, vi och undrar varför inte någon har spelat in en skräckfilm där. Vi går över den rödmålade, utsirade järnbron Holborn Viaduct, med bevingade lejon, fyra skulpturer av Science, Fine Arts, Commerce och Agriculture, och de vackra, vita italienskt gotiska trapphusen med steg ner till Farringdon Street, och vi fortsätter in i vad som kallas The City. 
Det var här den ursprungliga staden, Londinium, låg. Vi har undvikit det här området, för enligt våra guideböcker verkar det vara lite som Manhattans Wall Street, men nu, när vi är här, är vi lite förtrollade, och totalt oförberedda. Vi har inte alls läst på om platsen, vi hade bara tänkt gå igenom, men det visar sej lite omöjligt att inte stanna till, ta in, vrida sej, och vända sej, titta upp mot fasader och tak, och ner på trottoarer och torg. 

Paternoster Square, utanför St. Pauls Catherdral, säger plötsligt Patti-Li:
”Du, jag tror inte vi kommer att hinna bort till Tower Bridgen…”
”Okej?” Jag är egentligen ganska lättad, för jag föredrar ett besök på Shakespeares Globe framför ett brobesök. ”Ska vi ta en annan bro? London Bridge?” 
London Bridge landar nämligen närmre det område jag är intresserad av. 
”Nej, jag tror inte vi hinner till den heller…”
Var är vi? Har vi inte gått och gått och gått, nog borde vi nästan vara där? 
Patti-Li fortsätter:
”Det är inte det att vi har bråttom, men vi har typ bara en timme på oss, så jag tror att det blir bäst om vi tar Southwark Bridge.”
Vart har tiden tagit vägen? Hade vi inte nyss nästan en hel halv dag på oss? Finns det inte ens tid till ett litet besök på Tate Modern? Jag menar, bara gå förbi, ta en selfie - vi var här! - och sen skynda vidare?
Jag, som har haft en känsla av att vi stadigt tagit oss österut, pekar åt vad jag tror är söder: 
”Måste vi svänga här? Gå ner mot floden?”
”Nej…” Patti-Li dubbelcheckar på kart-appen på sin telefon: ”jag tror att om vi fortsätter på den här gatan, den går liksom söderut."
Jag har en ganska bra orienteringsförmåga, men det förutsätter att saker som verkar vara raka - som gator, fasader och kvarter - också är det. London luras. Vägar vrider sej, väderstreck vänder och man upptäcker ofta att trots att man har gått rakt fram så har man gått i en u-formation, eller en cirkel, och fastän man gått söderut upptäcker man att man är mer norrut än nånsin.
När vi rundar St. Pauls Cathedral frågar jag:
"Var det här hon stod, kärringen, hon med duvorna?"
Patti-Li, som fattar att jag menar den gamla tanten som sjunger Feed The Birds i filmen Mary Poppins, nickar:"
"Ja, det måste det väl vara..."
Trappan är fylld av en massa vilande, solande turister, men förvånansvärt få fåglar.

När vi satt på flygbussen, hemma i Sverige, för några timmar sen, hade jag sagt att det enda jag verkligen visste att jag ville ha, var en trekantsmacka med ägg och vattenkrasse från Pret a Manger, men nu, när vi är här finns det varken plats eller sug: lunchen ligger fortfarande och skumpar runt. Men det finns alltid plats och behov av java: det är elva timmar sen jag stod hemma i mitt kök och drack en kopp. Vi köper varsin svart filterkaffe på Pret a Manger Cheapside, innan vi svänger in på Queen Street och börjar gå över Themsen. 

Southwark Bridge är en mycket tillfredställande bro, speciellt för fotgängare. Den är den minst trafikerade bron i London, för den har bara två, mötande körbanor, men på varje sida, utmärkta i blåmålad asfalt, finns cykelbanor, separerade från bilisterna av en låg trottoarkant. 
Bron är egentligen vackrare för dom som inte använder den, för dom som promenerar vid floden, eller tittar från en annan bro: den är byggd av gjutjärnsvalv på granitpelare, målad i koppargrönt med guldgula detaljer, och på nätterna är valven upplysta underifrån. 
Men även när man går på den känns den estetiskt ambitiös: gjutjärnsräckena har inlägg av gula genombrutna ovaler, och omkring var  tionde meter sticker en grönmålad trearmad utsirad gatlykta upp ur räcket. Det hela verkar vara lite belle epoque, och trots att den byggdes så sent som 1921 känns det som om den är tänkt för hästdragna droskor, och trottoarerna verkar sakna män i  höga hattar och kvinnor i s-formande siluetter och långa, svepande kjolar. 
Det är tydligen en Mary Poppinsdag, förresten, för här är ännu en referens: Det är från denna bro som familjen tror att mr. Banks har hoppat för att ta livet av sej när han sparkades från banken. Dom har fel: han har inte hoppat, och absolut inte från den här bron. 

Den tråkiga London Bridge ligger bara något kvarter bort, och lyckas nästan helt dölja den åtrådda Tower Bridge; bara tornen sticker upp, som två av de högre åkattraktionerna på Gröna Lund. Vi ser The Chard, skyskrapan där vi bytte från tåg till tunnelbana, för bara några timmar sen. Det är svårt att avgöra hur långt bort den är, men det är imponerande att liksom på avstånd kunna se hela byggnaden.
Trots att London är en väldigt gammal stad så verkar den aldrig bli klar: horisonten är taggig av höga byggkranar som sticker upp över hustaken.

Väl på andra sidan tar vi det ganska lugnt: Patti-Li lotsar oss med hjälp av kartfunktionen på sin telefon, jag gör inlägg på min instagram stories, solen står högt, och Sothwark Bridge Street har nästan känslan av en småstadsgata. Den är smal, bitvis lummig och kantad av rödteglade sekelskifteshus, bitvis väldigt modern och gentrifierad. När gatan försvinner in under en sån där inbyggd, bågbyggd järnvägsbro, visar kartfunktionen på Patti-Lis telefon att vi ska vika av till vänster, och gå in i en smal gränd, parallellt med den upphöjda järnvägen. 
Det känns som om vi är på någons bakgård, som om vi har irrat oss in på ett förbjudet fabriksområde, som om vi antingen snart kommer att bli arresterade, eller överfallna och rånade.
”Det är såna här skumma gränder som bara dumma turister irrar in på,” säger jag. ”Turister som försvinner, spårlöst…”
Och då, precis, svänger gränden, och det är nästan som om en ridå har dragits upp, eller en port har öppnats: vi har kommit rakt på teatern, 90 grader! Fasaden ligger rakt framför oss, och den snedvända skylten lyser klart och tydligt: Southwark Playhouse. 

Detta är vårt tredje besök på den här teatern: första gången vi var här, för snart ett år sen, hade vi upptäckt att en liten teater på ”fel” sida av stan uppförde THE TOXIC AVENGER, en musikal som vi hade sett en väldigt lyckad produktion på New World Stages, off Broadway, några år tidigare. Vi hade inte höga förväntningar, men blev totalknockade. Något halvår senare, nästa Londonresa, besökte vi den igen, nu för att se SIDE SHOW, och även den här gången var vi totalimpade, speciellt när vi förstod att varje produktion hyr in sej, och att det är alltså inte samma konstnärliga team bakom varje produktion. 

Det hela huseras i en gammal fabrikslokal: man kommer först in i ett mindre rum, där man har kassa och biljettkontor, men sen kommer man in i en stor, industriell foajé, med hallonröda accentväggar och en stor bar som påminner mer om ett kök i en enklare, spartansk men trendig lunchrestaurang, eller ett café.  Spelrummet ligger längre in, i andra änden av byggnaden. 

Musiken är skriven av Cy Coleman, Hans första musikal var WILDCAT, följd av LITTLE ME, en musikal byggd på den fiktiva memoaren av den stora stjärnan Belle Poitrine, egentligen författad av Patrick Dennis, mest känd för att ha skrivit Auntie Mame, som också den blev en musikal, och som filmades med en mycket vaselin-grumlig Lucille i huvudrollen. Jag vill inte skryta, men jag har fyra versioner av den här boken, tre i pocket, och en inbunden, alla inköpta på andrahandsaffärer i Sverige. 
Nästa verk blev hans mest kända: SWEET CHARITY, som jag såg en uppsättning av på Intiman, 2006, med Nanne Grönvall i huvudrollen. 
THE LIFE, som kom 1997, blev hans sista musikal, även om han fortsatte att komponera musik fram till sin död 2004.
Urproduktionen nominerades till 11 Tony Awards, bland annat Bästa Ljusdesign, Bäste Kostymdesign, Bästa Orkestrering, Bästa Koreografi, Bästa Regi, Bästa Kvinnliga Huvudroll i en musikal, Bästa Text och Musik, Bästa Libretto, och Bästa Musikal. Lillias White vann för Bästa Kvinnliga Biroll I En Musikal, och Chuck Cooper vann över Sam Harris, som också var nominerad i kategorin Bästa Manliga Biroll I En musikal

Visst är det väl lite anmärkningsvärt att hora är det vanligaste yrket för kvinnor på en musikalscen? Dom dyker upp i LES MISERABLES, MISS SAIGON, JEKYLL AND HYDE, CABARET, BEST LITTLE WHOREHOUSE IN TEXAS, och om man  hårddrar: GYPSY, SWEET CHARITY och RENT. 

Det handlar om hur det var i området runt Times Square under 80-talet, innan Disney kom till Broadway och rensade upp. Det handlar om horor och hallickar, om langare och lurendrejare. Livet på gatan. Och om drömmen att komma därifrån. 

Två parallella berättelser flätas ihop; dels handlar det om den prostituerade Queen, som tillsammans med sin pojkvän och hallick, den missbrukande Fleetwood- en traumatiserad veteran från vietnamskriget - har flytt sitt småstadsliv, och har kommit till stan för att tjäna ihop tillräckligt med pengar för att kunna starta ett bättre liv, dels handlar  det om Mary, en ung kvinna som just stigit av bussen, och som hallickarna försöker locka på avvägar, men som inte alls är så oskyldig som hon ser ut. 

Kostymerna känns inte komiskt daterade utan är väl valda i en slags modern referens till sent 70-tal: hotpants, korta kjolar, tajta skinnjackor, glittriga toppar och höga stövlar skulle kunna bäras ute på stan, av personer som inte var rädd för att visa lite hud. 
Scenografin är underbart enkel, bord och stolar trollas in av ensemblen, i koreograferade övergångar, och större scenvagnar skjuts in bakifrån av osynliga scentekniker. Musikerna sitter en våning upp, i en slags intäckt utskjutande balkong, maskerad till just en sån där inklädd järnvägsviadukt vi passerade något kvarter från teatern. 

Uppsättningen är regisserad av Michael Blakemore, som faktiskt satte upp den tonynominerade urversionen, 1997, och som själv nominerades, och föreställningen är snabb, exakt och bländande, och känns konstant på väg. Scenrummet är inte stort, så skådespelarna står bara några meter bort från publiken, och det är inspirerande att kunna se dom i ögonen och förstå att dom menar allvar. Alla agerar och presterar som om dom var med i en tevetävling, där någon hela tiden måste röstas ut, eller som om själva repetitionsarbetet varit en workshop och det är nu själva uttagningen börjar. Den höga nivån på all talang på scenen är nästan lite omöjlig att förstå. Vi har inget liknande i Sverige: det är som om Alexander Lycke, Sofia Pekkari och James Lund åkte ut till Turteatern i Kärrtorp, för att under en knapp månad spela ANYTHING GOES, TITANIC eller CAROLINE, OR CHANGE.
Så varför gör man det? Jag antar att det handlar både om kärlek till sin konst, och karriärsklättring: man får prova något nytt, och man får visa upp sej. Och, förstås, det hägrar hela tiden en möjlighet till förflyttning, att produktionen, som några få andra, som IN THE HEIGHTS, ska anses vara så lovande, så kommersiellt intressant, och av så hög standarad, att producenter vågar sej på en förflyttning till West End, till det förlovade teaterlandet, till pengar och prestige.

Och den är väl värd en förflyttning, kanske inte nån av de större, klassiska scenerna, men väl till en större lokal, om så bara för att fler personer ska kunna se den, ha chansen att upptäcka den. 

Det är en väldigt bra musikal, med ett gäng toppenlåtar, och en intressant, gedigen historia som faktiskt skulle klara av att berättas utan musik, som en pjäs. Historien är vuxen och oromantisk, charmig, rolig och underhållande i sitt krassa berättande. Den ger inte en romantiserad bild av droger och prostitution, men den är heller inte skenheligt moraliserande. Folk har sex för pengar, eller för att det är kul, man tar droger, strippar, stjäl, ljuger, sviker, blåser och mördar, man klär up sej och klär av sej, men ingen av kvinnorna blir någonsin en Fantine, ett offer för männen, utan de är mer en Welma Kelly, eller en Fräulein Kost.

Det är bara ett nummer mot slutet, som känns lite onödigt romantiserat och sockersött, sången My Friend, som sjungs av Queen och Sonja, en äldre prostituerad, när allt är över, och deras vägar skiljs: Queen åker hem och Sonja stannar kvar för ett leva det enda liv hon klarar av, och dom sjunger om att dom ska komma ihåg att dom var varandras vän. 

Men jag förstår att den här musikalen inte sätts upp oftare. För den är obekväm: Man måste på något sätt förhålla sej till kvinnor som säljer sina kroppar för pengar, och det är svårt. Det enkla sättet är väl att se dom som offer, som utnyttjade stackare, kontrollerade, dominerade och passiviserade av män. Det krävs en del att se dom ur ett jämlikt perspektiv, som personer som har rätt att göra vad dom vill med sina kroppar. 

Kanske hade det varit lättare om det handlat om horor på 1800-talet, eller runt första världskriget, för det finns något skavande med att detta är någorlunda nutida kvinnor, som inte ser sej själva som offer.
Jag har inga moraliskt invändningar vad gäller att köpa eller sälja sex, i teorin. Sex är bara sex, om man inte blandar in känslor, och det skulle kunna fungera som vilken ekonomisk, intim transaktion som helst. Som terapi, healing eller massage, där någon får betalt för att göra något med eller åt någon annan.
Men det är när subjektiva åsikter och känslor kommer in som det blir komplicerat. Jag antar att det egentligen kokar ner till problemet med att kvinnan tar betalt. Om hon bara gillade att ligga med massor av män så antar jag att vi skulle bli tvingade att antingen kalla henne frigjord, jämlik, feminist eller nymfoman, beroende på vad vi har för syn på sex. Vissa skulle säkert lägga in någon slags moralisk syn på det hela, och dölja sej bakom åsikten att hon på något vis tvingats till det hela, genom påtryckningar från ett patriarkiskt samhälle, där hennes egentliga självkänsla är så låg att hon bara får uppmärksamhet genom att göra som mannen vill. Jag tror att många inte inser att dom agerar moraliskt diktatoriskt om dom inte vill tillerkänna henne möjligheten att hon gör det hon gör av egen fri vilja, för att hon vill, utan tvång. 

Vad jag absolut älskar med den här musikalen, är att den säger att vi måste respektera varandras livsval. De kanske inte är det bästa, smartaste valen, men alla har rätten att göra dom. Och givetvis pratar jag inte om prostitution nu, inte bara om prostitution, i alla fall. Att erkänna att det du gör är ett eget val ger dej makt, makten att välja. Att skylla dina val på någon annan är att erkänna sej maktlös. För man har alltid ett val. Även om valet är att hoppa från en bro, gå ifrån hus och hem, lämna allt, så är det ett val, en möjlighet. Precis som att stanna också är ett val. Till och med att inte välja är också ett val, som Askungen säger i INTO THE WOODS. Och jag tror att när man erkänner att man själv aktivt gör eller gjort ett val, ju mäktigare blir man, för man inster att det är man själv som styr sitt eget liv.

Vi lämnar teatern, lite omtumlade och tilltufsade. Många tankar snurrar runt, minnesbilder och intryck trängs bakom pannloben, och det finns så mycket nummer att nynna att det som kommer ut är ett slag medley, ett slags best-of: några strofer ur The Oldest Profession slipper ut redan när vi skyndar genom Newington Court, den där gränden bakom tågviadukten. Halvvägs upp i gränden upptäcker vi att vi följs av ett gäng svartklädda ungdomar. Det tar några nervösa steg innan vi inser att det måste vara föreställningens musiker, på matrast mellan föreställningar. 

Dom - och vi - har knappt en och en halv timme innan det är dags för nästa föreställning. Dom ska tillbaka upp på hyllan för kvällsföreställningen, och vi ska in till Piccadilly Cirkus för att se THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY på Criterion Theatre. 
Livet går vidare.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


PRIVATE LIVES, ett gästspel av Polar Eclipse Theatre på Teater Playhouse:

För att vara en person som gnäller ganska mycket på att man i Stockholm aldrig sätter upp Joe Orton, Tennessee Williams, Alan Bennett eller Noel Coward, så måste jag erkänna att jag är ganska nonchalant när nån nu äntligen sätter upp något av någon jag vill se. Jag höll nästan på att missa den här uppsättningen, och det var inte för att jag var omedveten om att den var på gång: jag hade bara tankarna någon annanstans.


DRÖMMEN SOM SVANSJÖN, ett genrep, på Kunliga Operan: 

Svansjön måste vara för koreografer vad Hamlet är för regissörer. Jag menar, det verkar som var och en måste få göra sin version. Och jag förstår det. Eller, både och, egentligen, om man nu ska prata om dansverket. Musiken är fantastisk. Historien är lite… vankig. En prins som blir förälskad i en sjöfågel?

Låter det intressant? Här är resten: 


SVARTA REVOLUTIONÄRER FALLER INTE FRÅN MÅNEN - FRITT EFTER ASSATA SHAKUR på Teater Tribunalen:

Jag är lite trött på att man använder situationen i USA, då och nu, som en slags global sanning. Att påstå att samma sak som händer där händer överallt. Man gör en slags amerikansk generalisering av vårt land, och av alla människor som bor här. Det blir liksom där man bestämmer hur frågor kring hudfärg ska behandlas, och vi andra, vita och svarta svenskar, har bara att rätta oss. 

THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY, The Criterion Theatre, London, föreställning 23, 11/4 2017

$
0
0

Av Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields, Regi Mark Bell, Scenografi David Farley, Ljusdesign David Howe, Kostymdesign Roberto Surace, Med Sean Kearns, Mark Hammersley, Gareth Tempest, Steffan Lloyd-Evans,  Hannah Boyce, Tania Mathurin, Chris Pizzey, Miles Yekinni, Jeremy Lloyd, Paula Kay, Holly Sumpton, Mike Bodie, Sam Fogell, Niall Ransome. 

Scenen är London, platsen är någonstans mellan Southwark och Piccadillly. Två medelåders herrar stressar i någorlunda maklig takt från det ena till det andra. Det ena är musikalen THE LIFE, det andra är THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY. 
Det ena var en riktigt känslomässig höjdare, det andre blev en ganska stor besvikelse.

Vi har varit i London i exakt nio timmar, jag och min kompis Patti-Li Leuk, men det känns som om vi varit här en vecka, redan. Vi landade på Gatwick 09:30, och nu, när vi skyndar nerför Waterloo Road, förbi Old Vic, på väg mot Waterloo Bridge, är klockan 18:30. Vi har en timme på oss. En baggis! 
Egentligen är jag en förespråkare av att man hela tiden ska försöka hitta nya upplevelser, att inte upprepa något, men det finns en viss attraktion i att göra som man gjorde sist: som om det vore ett sätt att göra staden till sin: vårt cafe, vår mataffär, vår våffelkiosk. 
Därför går vi in på  Waterloo station och köper varsin pirog på West Cornwall Pasty Company, precis som förra gången vi var här, för några månade sen. Patti-Lis innehåller något köttigt, medan jag tar en med ost och lök. Min övergång till ren veganism går ganska långsamt, nästan motvilligt. 
Men till skillnad mot förra gången, och gången innan det, då vi gick över Waterloo Bridge, på vår väg från Southark och in till Stan, tar vi den här gången en för oss helt ny väg: över en av tre tätt byggda broar, Hungerford Bridge, en järnvägsbro, som flankeras av två gångbroar på var sida: Golden Jubilee Bridges. Järnvägsbron är, vad jag förstår, en fackverksbro, vilket betyder att vikten fördelas mellan en massa små trianglar, som på Eiffeltornet, medan gångbroarna är av ett slag som kallas snedkabelbro, en slags hängbro, som Öresundsbron. Att man byggt två gångbroar på var sida om tågbron känns lite överdrivet och slösaktigt, men jag antar att staden hade gott om pengar nån gång runt millenniet, och kanske är det nödvändigt, för broarna är de mest anända gångbroarna över Themsen. Vi tar den högra bron, helt omedvetna om att det på andra sidan järnvägsbron löper en likadan bro, som kanske hade passat oss bättre, för då hade vi, när vi kommit i land, kunnat gå uppför Northumberland Avenue upp till Charing Cross, istället för som nu, när vi hamnar på den visserligen mysiga men lite - för vårt mål - felriktade Villiers Street

The Criterion, som öppnade 1874,  ligger vid Piccadilly Circus och har en kapacitet på 588 platser. Det var den första teatern designades av Tomas Verity (1837-1891), som också designade Royalty Theatre, Novelty Theatre, Folly Theatre, Scala theatre, Comedy Theatre och Empire Theatre, som ligger vid Leicest Square, och  som nu är en biograf. 
Från 1996 till 2005 var teatern hem för The Reduced Shakepsare Company, med bland andra THE COMPLETE WORKS OF SHAKESPEARE (ABRIDGED). Från 2006 till 2015 gick THE 39 STEPS här, en föreställning som jag sett både i London och på Intiman 2013

Teatern var från början tänkt at bli en restaurang i markplan och konserthall i källaren, men under byggandet ändrade man sej och bestämde att det skulle bli en teater, fast man kan ännu se kompositörers namn på väggarna i trappan, och man restaurangen hamnade ovanpå teater, med en balsal på översta våningen. 

Det handlar om en liten, korrupt stad där en ovärderlig diamant ska förvaras i stadens lilla bank. 

Fysiskt är det fantastiskt, både det fysiskt visuella, som scenografin, och det fysiskt koreografiska, vad aktörerna gör: Det klättras, klängs, hängs i taket och trillas omkull. 

Gruppens första stora hit, och deras - i min mening - bästa, är THE PLAY THAT GOES WRONG, och handlar om en amatörteatergrupp som försöker framföra en slags Agatha Christie-deckare, där allt går fel, men utgångspunkten är tydlig: Vi vet vad som är verkligheten: föreställningen är bland det roligaste jag har sett, och det är för att karaktärerna inte verkar vilja roa: dom försöker bara genomföra en föreställning, vilket är att berätta historien om ett mord. 
Här är det inte tydligt vad som är verkligheten, vilka personerna på scenen är: dom är inte bara karaktärerna i pjäsen, eftersom dom hela tiden stiger ut och kommenterar, men dom är inte heller skådisar som spelar karaktärerna, och det känns inte genomtänkt, eller logiskt. Till exempel finns en scen där en man drar isär några gardiner för att titta ut genom fönstret, och då står några av de andra skådespelarna, i sina rollkostymer, utanför och håller fåglar som liksom ska flyga därutanför. Jag hade förstått om dom hade försökt gömma sej, att deras primära uppgifter i scenen var att hålla fram fåglarna, men här gör man inga försök att gömma sej, eller att inte vara en av karaktärerna, det finns ingen ambition att upprätthålla någon slags scenisk illusion, så resultatet blir att skådespelaren som öppnar fönstret måste välja att inte låta sin rollkaraktär se att det står en massa personer i luften utanför fönstret flera våningar upp i ett höghus.
En annan gång utför man en ganska sofistikerad scen där man har använt sej av illusionen att vi, publiken, ser scenen ovanifrån, vilket har åstadkommits genom att två skådespelar hänger på en fondvägg, som föreställer golvet. Den ena sitter - eller ligger - i en stol som är fäst på väggen, medan den andre står rakt ut från väggen, hängande i en sele. Illusionen i sej är tillräckligt imponerande, men tyvärr har man ansett att man måste bryta sönder den genom att påvisa synvillans begränsningar, när den enda skådisen stiger ur sin roll och begär att den andra ska utföra handlingar som helt bryter illusionen. 

Det är svårt att riktigt artikulera vad det är som inte funkar, men det är som om dom försöker sej på att berätta för mycket, på för många sätt. Jag saknar en gemensam utgångspunkt, ett samlat, unisont scenspråk. När jag ser föreställningen fantiserar jag om att man innan premiären har haft ett slags kreativt råd där man kommit överens om att alla förslag är bra, och ingen får negligera någon annans idéer. Det är bara det att någon i teamet har en ganska sofistikerad humor, medan någon annan verkar älska bondkomik: någon är teatralt originell och kreativ, men någon annan ställer sej vid sidan om och ironiserar, kommenterar och förlöjligar. 
På ett plan är det som om StDHs mimlinje som bestämt sej för att sceniskt framföra ett filmmanus av typen Oceans Eleven: det finns en massa suveräna infall, berättargrepp och visuellt unika och inspirerade scener: men på ett annat plan är det som om någon inte litade på, eller gillade, resultatet, som tänkte att vi är ju en grupp som står vid sidan om, som pekar finger, kommenterar och förlöjligar, vi kan inte släppa fram något utan att driva med det.
Så resultatet blir ett varken eller. Jag önskar att dom inte hade gått fullt så långt. 

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


THE LIFE på Southwark Playhouse, föreställning 22, 11/4 2017:

Vad jag absolut älskar med den här musikalen, är att den säger att vi måste respektera varandras livsval. De kanske inte är det bästa, smartaste valen, men alla har rätten att göra dom. Och givetvis pratar jag inte om prostitution nu, inte bara om prostitution, i alla fall. Att erkänna att det du gör är ett eget val ger dej makt, makten att välja. Att skylla dina val på någon annan är att erkänna sej maktlös.


PRIVATE LIVES, ett gästspel av Polar Eclipse Theatre på Teater Playhouse:

För att vara en person som gnäller ganska mycket på att man i Stockholm aldrig sätter upp Joe Orton, Tennessee Williams, Alan Bennett eller Noel Coward, så måste jag erkänna att jag är ganska nonchalant när nån nu äntligen sätter upp något av någon jag vill se. Jag höll nästan på att missa den här uppsättningen, och det var inte för att jag var omedveten om att den var på gång: jag hade bara tankarna någon annanstans.


DRÖMMEN SOM SVANSJÖN, ett genrep, på Kunliga Operan: 

Svansjön måste vara för koreografer vad Hamlet är för regissörer. Jag menar, det verkar som var och en måste få göra sin version. Och jag förstår det. Eller, både och, egentligen, om man nu ska prata om dansverket. Musiken är fantastisk. Historien är lite… vankig. En prins som blir förälskad i en sjöfågel?

Låter det intressant? Här är resten: 




Just nu ser jag fram emot -

$
0
0
Kamraternas sommarproduktion på Åsta teater: Enleveringen


Kamraterna gör ännu en orädd tolkning av en klassiker.

I centrum står en kidnappning.
Vem klipper häcken i det lugna villaområdet? Vad gömmer sig i källaren?
Kan man tvinga någon till kärlek?


Musik - Wolfgang Amadeus Mozart
Text - Gottlieb Stephanie
Regi och manus - Dan Turdén
Musikalisk ledning och arr. - Anna Christensson
Översättning – Carl Johan Holzhausen
Scenografi och kostym - Marie Moberg
Mask - Angelica Ekeberg
Regiassistent - Oskar Bergström
Repetitör - Adam Dalström
Tekniker - Jonas Dillner
Webb, layout och affischfoto - Maximilian Mellfors
Konstruktör, snickare - Pelle Wittsäter
Föreställningsbilder – José Figueroa
Ekonomi – Erik Ljungqvist
Producenter – Teresia Pettersson och Mette af Klint

Medverkande
Selim Tomas Engström
Konstanze Natalie Hernborg
Blonde Elsa Ridderstedt
Belmonte Ulric Björklund
Pedrillo Pär Lindskog
Osmin Anders Nyström

Piano Anna Christensson 
Violin 1 Ylva Larsdotter
Violin 2 Aleksander Sätterström
Viola Matilda Brunström
Cello Natalia Goldmann

Vi spelar på svenska.

Speldatum
Premiär den 16 juni klockan 19.00
19 juni 19:00
20 juni 19:00
26 juni 19:00
28 juni 19:00
30 juni 19:00
2 juli 16:00
3 juli 19:00
5 juli 19:00
7 juli 19:00
9 juli 16:00 

Föreställningen är ca 2 timmar lång inkl. paus

Stöds av:
Kulturrådet, Stockholms Stad, Konstnärsnämnden och Abf.

Biljetter 

Nortic »Maila Kamraterna »
Ring: 0704-800056 

AN AMERICAN IN PARIS, Dominion Theatre, Matiné, föreställning 24, 12/4 2017

$
0
0

Kompositör: George Gershwin, Sångtexter:Ira Gershwin, Manus, Craig Lucas, Regi och Koregorafi:  Christopher Wheeldon OBE, Orkestrering: Rob Fisher, Kostymdesign och Scenografi: Bob Crowley, Ljusdesign: Natasha Katz, Med: Robert Fairchild, Leanne Cope, Haydn Oakley, Zoë Rainey, David Seadon-Young , Jane Asher, Ashley Day, Julian Forsyth, Ashley Andrews, Sophie Apollonia, Zoe Arshamian, Sarah Bakker, James Barton, Alicia Beck, Chrissy Brooke, James Butcher, Jonathan Caguioa, Jennifer Davison, Katie Deacon, Rebecca Fennelly, Sebastian Goffin, Alyn Hawke, Nicky Henshall, Genevieve Heron, Amy Hollins, Frankie Jenna, Justin-Lee Jones, Robin Kent, Kristen McGarrity, Julia J. Nagle, Daniela Norman, Aaron Smyth, Todd Talbot, Max Westwell, Jack Wilcox, Carrie Willis, Stuart Winter and Liam Wrate.

Det fanns en tid när jag kunde sova hur länge som helst. Jag bara vaknade till, bestämde att det inte var tid att gå upp, somnade om och vaknade senare på dagen, när det var mer passande att stiga upp. Detta var en begåvning som drogs tillbaka, eller upphörde, nån gång efter att jag fyllt 30 år. 
Nu för tiden är det svårare. Det kan hända att jag sover lite längre än jag hade tänkt, men såna där marathonmysare händer nästan aldrig.
Som nu, till exempel. Klockan är halv åtta på morgonen. Jag ligger i min säng på St. Giles hotell i London, klarvaken. I sängen bredvid snusar min kompis Patti-Li Leuk. Han småsnarkar i korta intervaller, men sen verkar det som om själva ljudet väcker honom, och han slutar. 
Det är halvmörkt i rummet. Persiennen bort vid det enda fönstret är nerdragen och omvriden för bästa ljusblockering, men dagen sipprar in, lite oklar hur den ska bete sej. Blir det solsken eller regn? Mulet, molnfritt eller monsun? 
Jag har smugit bort till skrivbordet och hämtat min iPhone, som låg på laddning. Vad händer på Instagram Stories? Jag börjar titta, men stänger ner, för jag inser att filmernas ljud kommer att störa. Patti-Li brukar stoppa hörselproppar i öronen, men man kan inte vara säker. Var är mina hörlurar? La jag dom inte här, på den här stolen bredvid sängen?
Kvällen innan hade vi sett THE COMEDY ABOUT A BANKROBBERY, och efter föreställningen hade vi gått in på ett kvällsöppet Sainsburys, mittemot hotellet, och lastat på oss godsaker. 
Det är därför det denna morgon är lite svårt att hitta mina hörlurar: givetvis kunde jag inte käka upp allt mina ögon ville ha, så halvtomma småpåsar med chips - givetvis måste man öppna en av varje smak för att prova - kexförpackningar och kakkartonger trängs med rena sopor som chokladkakepapper, och smörgåsförpackningar, på mitt nattduksbord.
Men mina hörlurar finns ingenstans. Tog jag med mej ett extra par? Jo, vänta, de stora, de som jag brukar ha när jag cyklar, var gjorde jag av dom? 
Jag smyger fram till min resväska som - trots att jag gjort ett medvetet försök att vara ordningssam - ser ut som om någon antiterroristinsatsstyrka har sprängt den, och gräver fram mina stora orangea hörlurar. 

Jag börjar bli lite småhungrig, och funderar på att väcka Patti-Li, när jag kommer på att jag ju redan har hur mycket mat som helst, på en armlängds avstånd, på mitt nattduksbord, och borta på skrivbordet står ju en vattenkokare och en skål med t-påsar. 

Några minuter senare ligger jag där, nöjt mumsande kakor och kex, sörplande te och tittande på Instagram Stories tills dess Patti-Li vaknar, och det är dags att ge sej ut på stan i jakt efter frukost. Jag hade kunnat ligga kvar nån timmer till, känns det som.
Dagen innan, när vi efter att ha checkat in på vårt hotell var på väg till Southwark Playhouse för att se musikalen THE LIFE, hade vi gått österut, längs med New Oxford Street och High Holborn, och vi hade försökt kolla upp olika ställen där vi dagen efter - idag - skulle kunna tänka oss att käka frukost. Jag hade tagit iPhonefoton på möjliga kandidater, och innan vi lämnade vårt hotellrum gick vi igenom dom.
Ett ställe, My Old Dutch, kanske inte direkt osade frukost, men pannkakor är väl aldrig fel? Och här verkade dom ha varenda tänkbar variant. Eller, först ska vi bara köpa lite skavsårsplåster till Patti-Li, på Boots, mittemot hotellet. Och så tittar vi in i en souvenirshop, lite snabbt. Patti-Li har sen flera år tillbaka samlat på diverse nyckelringar, och nu verkar det som om han har upptäckt ett intresse för souvenirer som drivs med solceller. I alla fall kommer han ut med en liten miniversion av en engelsk bobby som nickar i takt med solen. Nu är vi redo för pannkakor!
Det var bara det att My Old Dutch inte öppnade förrän klockan elva, upptäckte vi när vi ryckte i dörren, en halvtimme för tidigt. Skulle vi vänta? Bara stå här i en trettio minuter, i solen? Slösa bort våra värdefulla londonminuter? Nja…
Vi fortsatte nerför gatan, i hopp om att vi kanske skulle hitta något som passade oss. Vi gick förbi ett EAT, förbi ett Pret a Manger, och stannade utanför ett Pod
Kunde det här vara något? Det kunde det: en skylt utanför visade olika frukostalternativ, och vi gick in, nyfikna på vad nya kulinariska upplevelser man hade att erbjuda. 
Det visar sej att man har en hel del frukostaktigt, från flera sorters äggröra till rostat bröd, och gröt. Jag köper en Energiser Scrambled Eggs, en äggröra med mozzarella och avocado. Patti-Li nöjer sej med en Bacon Toasted sandwich. Vi dricker båda svart kaffe, och går igenom dagens planer. 
Innan vi reste hit förra gången, bestämde vi oss nämligen för att vara ansvariga för en liten del av London, att liksom plugga på och bli en slags ciceron. Jag läste på om Charing Cross Road, och Patti-Li guidade på Shaftesbury Avenue. Den här resan är det inte gator som gäller, utan torg: jag har försökt gräva fram saker om Leicester Square, men idag, för några korta timmar, innan matinén börjar, är det Patti-Lis dag, och han ska berätta allt han kan om Soho Square.
Det är bara det att han har lite problem att läsa det han har skrivit ut. Det sitter långt inne, men till slut måste han erkänna det: han är medelåders; han behöver läsglasögon.
På vägen till Soho Square går vi in på Flying Tiger Copenhagen - vad vi kallar TGR hemma i Sverige - och provar ut ett par brillor. Och eftersom vi går förbi Dominion Theatre passar vi på att hämta ut biljetterna till dagens matiné.

Soho Square ligger lite undangömt bakom hörnet som bildas när Charing Cross Road och Oxford Street möts i vinkel,och såhär dags, innan lunch, är det ganska folktomt. Att det är lite småmulet är väl inte heller speciellet atrraktivt, kan jag tänka. Patti-Li berättar lite om själv torget, om den lilla stugan som står där, i parken, innan vi ger oss på de omgivande husen: Manor House, där det brukade ligga en bordell, St. Patricks Church, och uppe på Greek Street: House of Charity, och Pillars of Hercules, puben under vilken Manette Street mynnar ut. 
Det är nästan tre timmar sen vi käkade frukost, så det börjar kurra lite i magen. Eller, kanske inte så mycket kurra som suga. Eller: det känns som om jag alltid är hungrig i London, sugen på nåt. När Patti-Lis tour tar oss ut på en liten avstickare runt Batemans Street hittar vi ett matställe som inte är mycket mer än ett hål i väggen, Mapa Café, som säljer Banh Mi, vietnamesiska baguetter. 
När vi så går nerför Deans Street och tillbaka till Soho Square, så har solen tittat fram, och det förut ganska så tomma torget är nu fyllt av folk som sitter i gräset och solar. Några grabbar spelar till och med pingis, i ett av hörnen. Det skulle kanske vara skönt att lägga sej i gräset, men både mackan och guidetour-tiden är slut, och vi måste ge oss iväg till teatern, som bara ligger något kvarter bort. 

Dominion Theatre byggdes 1929 och var ursprungligen en biograf, men efter andra världskriget övergick man till levande underhållning. Under åttiotalet användes lokalen mest till konserter, men under nittiotalet började man åter köra föreställningar, som DISNEY’S BEATUY AND THE BEAST och MATTHE BOURNES SWAN LAKE.  WE WILL ROCK YOU gick här från 2002 till 2012, och efter det hölls teatern stängd i 15 veckor, för totalrenovering. 
Art Deco-foajén, i vitt och guld, är en av de få i London där man upplever att publiken faktiskt får plats. 
Vi är på teatern i ganska god tid, så innan vi går in i salongen går vi runt lite på de övre foajévåningarna, och besöker merchendise-kiosken.
Jag älskar att köpa produkter - oftast t-shirts - relaterade till en föreställning, och en inte oansenlig del av min garderob har en påtryckt musikalloggs. Innan vi lämnade Sverige hade jag gått in på hemsidorna på alla teatrar vi skulle besöka, för att kolla upp vad dom sålde. Den här uppsättningen är en våt dröm: Dom har långärmade tröjor, paraplyer, sketchblock, flers sorters t-shirtar, drinkunderlägg, halsdukar, mössor, kepsar, julkulor, diskhanddukar, muggar, väskor, magneter och nyckelringar. 
Jag visste att jag skulle köpa en t-shirt, och en keps, men skulle jag också kosta på mej en munkjacka? Behövde jag ett paraply?

När man kommer in i auditioriet är det nästan omöjligt att inte stanna till, för att försöka ta in den enorma salongen. Du vet hur Chinateatern i Stockholm känns oändligt bred när du sitter på det nedre planet? Tänk dej två såna parketter bredvid varandra. 
Vi har platser ganska långt fram, på vänster sida. Eller, väldigt bra platser, långt fram, på rad D. Eller? När vi kommer dit visar det sej att vi bara verkar ha en plats. Det finns liksom bara en lucka, en ledig stol. På den andra platsen, där jag ska sitta, sitter det redan en japanska turist. Han ler, och vi ler, och så börjar vi jämföra biljetter, datum och platser. Det visar sej att han sitter på rätt plats, på rätt dag, på rätt tid, på sätt och vis, det är bara det att han är på fel våning. Han har plats 33D på balkongen. Han säger nåt som vi tror kan vara en ursäkt på något som vi tror kan vara engelska, och så försvinner han, och jag och Patti-Li - och paret framför oss, som följt vår förvirring med stort intresse - diskuterar hur svårt det måste vara att tillgodogöra sej information för någon som inte är van vid våra europeiska siffror, eller bokstäver. 

Även om Gershwinbrödernas sånger har blivit odödliga klassiker, så är det ovanligt att någon sätter upp någon av deras musikaler. Manusen är helt enkelt för simpla, för klumpiga, för omoderna, precis som merparten av alla musikaler från tiden innan andra världskriget. Visserligen hade Jerome Kerns och Oscar Hammersteins SHOWBOAT haft premiär 1927, vilket var när bröderna Gershwin var som mest verksamma, men det dröjde ända fram till 1943, och OKLAHOMA, innan publiken började ställa mer sofistikerade krav på sin underhållning. 
George Gerswin dog redan 1937, 38 år gammal, efter att ha komponerat 14 musikaler med lättglömd handling och oförglömlig musik, och det är värt att notera att efter hans död har ytterligare fyra musikaler skapats genom att återanvända hans musik. 

Det hela började egentligen med, eller som, ett jazzinfluerat, symfoniskt poem av George Gershwin, inspirerat av ett besök till Paris 1926, och fullbordat 1928. Gershwin var nämligen inte uteslutande en musikalkompositör, han skapade även klassisk konsertmusik, och två operor, där den ena, PORGY AND BESS, kanske är hans mest kända verk. 
1951, 14 år efter kompositörens död, hade filmen premiär. Hollywood hade länge varit intresserade att köpa rätten till verket, och framförallt titeln, men fick det bara om dom uteslutande använde Gershwinmusik i filmen. Man använde sej av ytterligare tio sånger, och filmen vann 6 Oscars, bland annat  Bästa Film, Bästa Scenografi, Bästa Kostym, och Bästa Musik. Alan Jay Lerner, som några år senare skulle författa MY FAIR LADY, CAMELOT, ON A CLEAR DAY YOU CAN SEE FOREVER, och COCO, vann för bästa manus.

Musikalversionen hade premiär på Broadways Palace Theatre i April 2015. Den nominerades för 12 Tony Awards, och vann fyra: Bästa Koreografi, Bästa Ljusdesign för en musikal, Bäst Orkestrering och Bästa Scenografi för en musikal. 

Det känns som om jag kan den här musikalen, utan att egentligen kunna den. Förra året var jag ganska aktiv på Snapchat, och Max Von Essen, som hade en av de stora rollerna i uppsättningen på Broadway, gjorde många inlägg från livet bakom scenen, och sen, när Instragram började med sina Stories, började jag följa både honom, Maxizpad, produktionen, och andra i ensemblen. 
Givetvis har jag sett filmen. Tror jag. Eller? Kanske är det bara så att jag har sett vissa klipp på youtube och i andra sammanhang, för när det börjar är handlingen mej totalt obekant. Jag minns Gene Kelly i ett par vita tajta byxor, och en gudomlig putrumpa i en Toulouse-Lautrecisk drömsekvens, men inte mycket mer.

Det handlar om Paris, precis efter kriget. När de amerikanska styrkorna återvänder hem, bestämmer sej en amerikansk soldat för att stanna kvar och bli konstnär. Han blir vän med en amerikan som kommit dit för att bli kompositör, och presenters för en förmögen fransman som vill bli artist. Det visar sej efter att alla tre män är förälskade i samma kvinna, en dansös. 

Det här är så bra som den här typen av föreställning kan bli, och jag menar inte det på ett nedsättande vis, utan i betydelsen att man håller högsta kvalitet på de flesta konstnärlig områden. Man har till exempel tagit en något mossig historia och utan att egentligen negligera den ursprungliga intentionen har man infört tillräckligt med psykologi för att karaktärerna ska kännas intressanta för en modern publik, utan att för den skull stöta sej med nostalgikerna och eskapisterna. Kanske håller man sej på den charmiga, ytliga sidan av historieberättandet, men man gör förvånansvärt djupa dykningar ner i svärtan i ett post-traumatiskt Paris.

Vad jag kanske inte var galen i, var vad man gjorde med själva grundstenen: musikverket  från 1928; An American In Paris. I filmmusikalen är det hela en slags drömsekvens, med bildspråk hämtade från den franska impressionismen inspirerade av verk från Dufy, Manet, Utrillo, Rousseau, van Gogh och Toulouse-Lautrec. I scenversionen blir det en fin, men ganska långdragen balett, där ballerianan, som är förälskad i soldaten, liksom ser honom framför sej i dansen. Alla är klädda i kostymer som ska vara skapade av den amerikanska soldaten, och det känns lite fånigt är att han verkar ha uppfunnit kubismen, 40 år för sent. Kostymerna verkar vara inpirerade av Mondrian, enkla i sina linjer; byxor, korta kjolar, ärmlösa toppar, i rött, blått gult och vitt. Lite tråkigt, faktiskt, men det går ju inte att stryka verket som upphov till hela föreställningen. Däremot kunde den ha iscensatts på ett visuellt intressantare sätt: stora delar är ju dansösens dröm, så det finns inga realistiska gränser.

Berättarstilen är snabb men välgrundad, scenografin tycks trollas fram: stolar, bänkar och bord flyttas in och ut av en snurrande, svepande, flyktig ensemble, och varje övergång känns genomtänkt, och är i sej intressant, eftersom man bemödat sej om att skapa en känsla, en situation i vilket själva bytet utförs. 

I salongen sitter jag och funderar på vilken svensk scen som skulle kunna sätta upp ett sånt här mastodontverk, vad gäller budget, utrymme och tekniskt kunnande, och jag kommer bara på en: Göteborgsoperan. 

P.S. Jag köpte en t-shirt och en keps. Det får finnas en gräns för nästan allting. 


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY på The Criterion Theatre, i London:

På ett plan är det som om StDHs mimlinje som bestämt sej för att sceniskt framföra ett filmmanus av typen Oceans Eleven: det finns en massa suveräna infall, berättargrepp och visuellt unika och inspirerade scener: men på ett annat plan är det som om någon inte litade på, eller gillade, resultatet, som tänkte att vi är ju en grupp som står vid sidan om, som pekar finger, kommenterar och förlöjligar, vi kan inte släppa fram något utan att driva med det.

Så resultatet blir ett varken eller. Jag önskar att dom inte hade gått fullt så långt. 


THE LIFE på Southwark Playhouse, föreställning 22, 11/4 2017:

Vad jag absolut älskar med den här musikalen, är att den säger att vi måste respektera varandras livsval. De kanske inte är det bästa, smartaste valen, men alla har rätten att göra dom. Och givetvis pratar jag inte om prostitution nu, inte bara om prostitution, i alla fall. Att erkänna att det du gör är ett eget val ger dej makt, makten att välja. Att skylla dina val på någon annan är att erkänna sej maktlös.


PRIVATE LIVES, ett gästspel av Polar Eclipse Theatre på Teater Playhouse:

För att vara en person som gnäller ganska mycket på att man i Stockholm aldrig sätter upp Joe Orton, Tennessee Williams, Alan Bennett eller Noel Coward, så måste jag erkänna att jag är ganska nonchalant när nån nu äntligen sätter upp något av någon jag vill se. Jag höll nästan på att missa den här uppsättningen, och det var inte för att jag var omedveten om att den var på gång: jag hade bara tankarna någon annanstans.



DREAMGIRLS, Savoy Theatre, föreställning 25, 12/4 2017

$
0
0

Manus och sångtexter: Tom Eyen, musik Henry Krieger, Regi Casey Nicholaw, Scenografi Tim Hatley, Kostymdesign Gregg BArnes, Ljusdesign Hugh Vanstone, med Amber Riley, Liisi LaFontaine, Asmeret Ghebremichae, Joe Aaron Reid, Adam J Bernard, Tyrone Huntley, Nicholas Bailey, Lily Frazer, Marisha Wallace, Karen Mav, Michael Afemaré, Jocasta Almgill, Callum Aylott, Hugo Batista, Samara Casteallo, Chloe Chambers, Carly Mercedes Dyer, Joelle Dyson, Kimmy Edwards, Candace Furbert, Nathan Graham, Ashlee Irish, Ashley Luke Lloyd, Gabriel Mokake, Siân Nathaniel-James, Sean Parkins, Kirk Patterson, Ryan Reid, Rohan Richards, Noel Samuels, Durone Stokes, Tosh Wanogho-Maud

Du är ganska säker på att DREAMGIRLS vann en Tony Award för bästa musikal, eller hur? Eller; nu, eftersom jag frågar, så kanske du är mindre säker? Och du har rätt i att vara tveksam. DREAMGIRLS, tillsammans med såna hitmusikaler som WEST SIDE STORY, GRYPSY, FUNNY GIRL, FOLLIES, CHICAGO, INTO THE WOODS och WICKED vann aldrig någon Tony Award för bästa musikal. 
1982, året då DREAMGIRLS nominerades gick priset till NINE. Jag menar, jag skulle tjafsa om priset hade gått till nån av de andra nominerade, som PUMP BOYS AND DINETTES, en musikal om bartendens och servitriser, skriven av gruppen som framförde den, men även om den fjärde nominerade musikalen JOSEPH AND THE AMAZING TECHNICOLOR DREAMCOAT, hade vunnit, så hade jag haft åsikter och invändnignar, men NINE? Nej det är bara ren otur hur två favvisar måste tävla mot varandra. 

Jag ligger förresten på rygg i sängen i ett hotellrum i St Giles, i London, sköljer ner en cheese and onion puff pastry med lite avslagen Ginger Beer och petar i mej några Bassetts Winegums mellan tuggorna. Min kompis Patti-Li Leuk ligger i sängen bredvid och mumsar på sina inköp. 
Vi har precis sett en matiné av AN AMERICAN IN PARIS, och istället för att gå ut på stan och köpa något att käka innan vi ger oss iväg till kvällens föreställning, DREAMGIRLSSavoy Theatre, så slank vi bara in på ett Sainsburys som ligger mittemot hotellet, bunkrade, och gick tillbaka till rummet. 

Männen bakom musikalen är text- och manusförfattaren Tom Eyen, och kompositören Henry Krieger, vars musikal SIDE SHOW vi såg på Southwark Playhouse, förra gången vi var i London. 
Ursprungligen, 1978, hette detta projekt ONE NIGHT ONLY, och var planerat runt Nell Carter, som just vunnit en Tony för sin roll i AINT MISBEHAVIN’, och som arbetat med kreatörerna i ett tidigare projek, men tyvärr hoppade hon av för att jobba på en tevesåpa. 
Ett år senare blev Michaell Bennett, mannen bakom A CHORUS LINE, intresserad och tog över projektet, som nu kallades BIG DREAMS, med en okänd 19-årig JENNIFER HOLLIDAY i huvudrollen. Men även hon hoppade av, missnöjd med att hennes karaktär dog i första aktens slut. Man fortsatte arbeta på manuset, döpte om det till DREAMGIRLS, och hon kom tillbaka igen, men hoppade av igen, då hennes roll reducerats, och det var inte förrän rollen utvecklats, som hon kom tillbaka till projektet. Och vann en Tony.
Man var nominerade till 13 Tonys, och vann sex: Bästa Manus, Bästa Manliga Huvudroll, Bästa Kvinnliga Huvudroll, Bästa Manliga Biroll, Bästa Koreografi och Bästa ljusdesign.

Vissa bögar lär sej, med tiden, vad som är bögigt. I alla fall var det så i min generation. Vissa kom ut utan att ha en aning, dom var som vilka grabbar som helst. Och så fanns det såna som jag. 
Jag var lite av en bögstereotyp redan ifrån början.
Vad jag vill säga med det, är att den första låten jag spelade in från radion, på min splitternya kassettbandspelare, var I Will Survive. Och den låg inte ens på hitlistorna då: när jag spelade upp denna ”nya hitlåt” för en kompis som visste lite mer om pop, visade det sej att den var över två år gammal.
Något år senare satt jag med samma bandspelare och spelade in ljudet från reprisvisningen av Bette Midlers tv-sändna show av hennes uppträdande i Cleveland, The Bette Midler Show. Jag hade sett showen när den ursprungligen tv-sändes, och eftersom detta var innan någon jag kände hade en videobandspelare, var detta enda sättet att spela in henne. Jag kan fortfarande stora delar utantill. 
Ytterligare några år senare, och jag går på gymnasiet, och har min första egna lägenhet, och den första Lp-skivan jag köper är Dreamgirls. Jag visste inget om den, jag bara tyckte att omslaget var glamoröst, antar jag. Och jag älskade skivan, och speciellt And I Am Telling You I’m Nog Going, som gick om och om igen. 
Jag var helt enkelt inte som andra pojkar. 

Jag minns inte var, eller hur det kom sej att jag fick se Jennifer Holliday på teve, när hon sjöng sången, men jag blev lite skakad, minns jag. Hon var så stor, så oglamorös, så olik det ideal jag hade föreställt mej. Hon var bara runt 22, men jag trodde hon var mycket äldre, en tant, och jag tolkade det som att hon var en slags hemmafru, en medelålders kvinna, vars make försökte överge henne för en yngre kvinna, men hon gav inte upp; hon gick inte.
När jag många, många år senare fick se ett klipp från Tonygalan där hon framförde låten, fick jag ett nytt intryck: hon var så väldigt, väldigt aggressiv, som ett vilddjur, ett monster, som en stor gorilla som slår sej för bröstet, knäcker trädstammar och blottar sina huggtänder, och jag var inte lika säker på att det var hon som var offret i sammanhanget.

Jag såg aldrig filmen, när den kom, förresten. Jag köpte den på dvd, men jag var så rädd att jag inte skulle gilla den, så det blev aldrig av att jag tittade. Men jag minns att jag tänkte att Jennifer Hudson var för ung. Att rollen skulle vara tjock, det förstod jag, men skulle hon inte också vara medelålders? 
Jag hade vid det här laget förstått att det handlade om en popgrupp, och jag antog att kvinnan sparkades för att hon var för tjock, och för gammal. För oglamorös för att sälja skivor. 

När jag hörde att Amber Riley skulle göra rollen tänkte jag att nu gick det väl lite väl långt: hon hade ju precis spelat elev i teveserien Glee. Skulle dom ålderssminka henne?

Några dagar innan vår resa vann Amber Riley Best Actress in a Musical, på 2017 års Oliver Awards, Storbritanniens motsvarighet till Tony Awards. Och hon var väl värd det. Hon var feno-fucking-menal. Hon verkade förstå att många av oss har kommit för att se henne, och vi får precis vad vi hoppas på, och mer därtill.
När jag nu för första gången ser föreställningen förstår jag: hon ska vara så här ung; när berättelsen börjar är hon fortfarande en tonåring, och när hon sjunger sin sång är hon under trettio. Det är inte en medlålders kvinnas sång, det ska sjungas av en ung kvinna vars lovade liv plötsligt tagits ifrån henne. Nån som vet att hon har förlorat allt, och det enda hon har kvar är makten att inte erkänna sej som en förlorare, att inte erkänna sej slagen, att inte ge sej. 

Det handlar om The Dreamettes, tre unga afroamerikanska flickor som 1962 har åkt från Chicago till Apollo Theatre i Harlem i New York, för att vara med och tävla i en talangjakt med en sång skriven av C.C., bror till gruppens solist, Effie. Gruppen vinner inte, men dom får ett jobb där de sjunger back-up åt en framgångsrik sångare, och långsamt arbetar dom sej upp från doa-grupp till popsensation. På vägen byts medlemmar ut, det ”svarta” soundet slätas ut, relationer raseras, och man berättar samtidigt historien om Motown, ett amerikansk skivbolag men också ett sound, en musikstil som lyckades överbygga kulturella motsättningar, framförallt genom att tunna ut och bleka ner det vad den vita medelklassen uppfattade som ”svart” musik.
I en intressant scen i musikalen visar man hur den vita musikindustrin tar en sång, Cadillac Car, och genom att slipa ner, blanda ut och ta bort all etnicitet ur den, gör den oharmlig och hanterbar för den breda, vita marknaden. 
Den sjungs av en av ensemblens två vita män, uppbackade av - antar jag - två svarta ensemblekvinnor med långa handskar och ryggen mot publiken, föreställande vita kvinnor.
Varför två vita män, kanske du undrar? Jo, givetvis så behövs det en vit man för att framföra den vita versionen av Cadillac Car, men om han skulle vara sjuk så måste det ju finnas en vit person som kan hoppa in för honom. Och kanske är det ekonomin som gör att man känner att man inte bara kan ha de två grabbarna sittande i kulissen, för dom dyker upp en hel del, och ofta i sammanhang där dom liksom står ut, speciellt om man ser det här som en musikal som ska handla om det svarta musikfenomenet och en segregerad nöjesbransch: Dom dyker upp som bakgrundsdansare, och sitter också i publiken på annars svarta klubbar, där det känns som om dom borde vara lite malplacé
Det hela blir lite konstigt. 

Det kanske mest intressanta med den här föreställningen - för mej - var att den var så bra att jag först inte märkte hur bra den var. Vad jag menar är att looken, scenografi och kostym, iscensättningen, är så sensationell, glamorös och glittrande, att jag liksom missade hur bra själva grundmaterialet är. Det är lite som motsatsen till den där sången i musikalen CHICAGO: Razzle Dazzle, där man berättar att man kan sälja vad som helst, om man bara förpackar det snyggt. 
Här är förpackningen så snygg att man först inte märker den höga kvaliteten på manuset, på berättelsen. Jag blev förförd av ljuset, paljetterna, av svandun och strass, av det som blänkte och glittrade, fladdrade och flimrade. 
Jag brukade älska att gå och se showerna på Hamburger Börs, där man på en mycket begränsad yta, mestadels genom en fantastisk ljussättning, lyckades trolla fram fantastiska scenbilder. 
Det är likadant här. 
Handlingen, mer eller mindre, utspelar sej på olika scener, eller i kulisserna, backstage, i greenroom och loger, och berättandet är sömlöst, utan märkbara skarvar. Sånger glider in i varandra, spelplatser skiftas under samma nummer, från innan, under till efter ett uppträdande, och ofta låter man sångernas till synes allmängiltiga texter spegla högst specifika situationer. 
Det är bara sången Listen, specialskriven för att Beyonce skulle sjunga den i filmen, som sticker ut. I scenversionen stannar allt av, och inte på ett sånt där magiskt sätt, utan bara för att man gjort om sången till en duett. De två kvinnliga rollerna står bara rakt upp och ner och sjunger att den andra ska lyssna, när det är mycket tydligt att ingen av dom gör något annat än att lyssna. Ett helt onödigt nummer, som man antagligen kände sej tvungna att inkludera eftersom det var en sån hit, på grund av filmen. 

Vi pratar inte mycket om föreställningen efteråt, när vi vandrar hemåt. Det är inte det att vi är tysta, det finns bara inte så mycket att tillägga om det vi just har sett. Nånstans på vägen, jag  tror vi var på St. Martins Lane, stannar vi och köper kulglass. Vi slinker in på Sainsburys, köper mer godsaker. Går hem. Snaskar och smaskar. Pratar om annat. Om vad vi ska se dagen efter. Om vad vi ska göra. 

Det är inte förrän några veckor senare som jag inser att detta kan vara en av de bäst berättade musikalerna jag någonsin har sett.


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar



AN AMERICAN IN PARIS, på Dominion Theatre, i London: 

"Givetvis har jag sett filmen. Tror jag. Eller? Kanske är det bara så att jag har sett vissa klipp på youtube och i andra sammanhang, för när det börjar är handlingen mej totalt obekant. Jag minns Gene Kelly i ett par vita tajta byxor, och en gudomlig putrumpa i en Toulouse-Lautrecisk drömsekvens, men inte mycket mer."


THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY på The Criterion Theatre, i London:

På ett plan är det som om StDHs mimlinje som bestämt sej för att sceniskt framföra ett filmmanus av typen Oceans Eleven: det finns en massa suveräna infall, berättargrepp och visuellt unika och inspirerade scener: men på ett annat plan är det som om någon inte litade på, eller gillade, resultatet, som tänkte att vi är ju en grupp som står vid sidan om, som pekar finger, kommenterar och förlöjligar, vi kan inte släppa fram något utan att driva med det.

Så resultatet blir ett varken eller. Jag önskar att dom inte hade gått fullt så långt. 


THE LIFE på Southwark Playhouse, föreställning 22, 11/4 2017:

Vad jag absolut älskar med den här musikalen, är att den säger att vi måste respektera varandras livsval. De kanske inte är det bästa, smartaste valen, men alla har rätten att göra dom. Och givetvis pratar jag inte om prostitution nu, inte bara om prostitution, i alla fall. Att erkänna att det du gör är ett eget val ger dej makt, makten att välja. Att skylla dina val på någon annan är att erkänna sej maktlös.




MATILDA THE MUSICAL, Cambridge Theatre, föreställning 26, 13/4 2017

$
0
0

Efter en bok av Roald Dahl, manus Dennis Kelly, text och musik Tim Minchin, regi Matthew Warchus, koreografi Peter Darling, Scenografi- och kostymdesign Rob Howell, Ljusdesign Hugh Vanstone, Med RICHARD ASTBURY, MICHAEL BEGLEY, OLIVER BROOKS, COLLETTE COLEMAN, CRAIGE ELS, MARIA GRACIANO, ELLIOT HARPER, DANIEL HOPE, DANIEL IOANNOU, KATE KENRICK, KATIE LEE, FERGAL MCGOFF, TOM MUGGERIDGE, MIRIA PARVIN, MATTHEW ROWLAND, MATTHEW SERAFINI, BIANCHA SZYNAL, REBECCA THORNHILL, LAURA TYRER, SHARLENE WHYTE, Barnen:THE CHILDREN, NICHOLAS ANTONIOU-TIBBITTS, OWEN BAGNALL, MOLLY BEECH, MAX BROPHY, MYLO BURTON-MAYS, OLIVIA CALLADINE-SMITH, KIRA CAPLE, ELENA CERVESI, JESSICA CHALMERS, HARI COLES, ARCHIE DURRANT, CHARLOTTE FALLART, REGAN GARCIA, PTOLEMY GIDNEY, AIYANA GOODFELLOW, MILES HARCOMBE, LILIAN HARDY, SEBASTIAN HARRY, ZARIS-ANGEL HATOR, MICHAEL HAWKINS, SAM JENNINGS, ANGELINA LI, TILDA MARRIAGE MASSEY, EMMA MOORE, CRAIG NOAKES, KACY O’SULLIVAN, TIA PALAMATHANAN, BEN ROBINSON, TORI LOUISE RYAN, ABBIE VENA, SCARLETT WENNINK

Jag köper en svart kaffe och en Chef’s Special: en Avocado & Chipotle Chickpea Wrap. Vi var på det här Pret a Manger förra gången vi var i London, det som ligger en bit uppför Tottenham Court Road, och in på Goodge Street
Eller var det förr-förra gången? Även den gången var vi ute efter frukost, och  vi liksom kom ut lite för sent, för vårt blodsocker var så lågt att vi inte kunde välja något av alla de oprövade ställena, utan det fick bli ett ställe vi kände till. Jag minns att jag gick fel när jag skulle på toaletten, i ett hörn av lokalen finns en trappa ner, och inte förrän jag var klar insåg jag att detta inte var toaletten för gäster, utan för personal. Dom borde hålla den låst, kan man tycka. Toaletten för gäster, är på markplan, i ett helt annat hörn.
Bara så att du vet.

Nån gång runt 30-årsåldern blir det plötsligt försent för det mesta. Man har liksom blivit vuxen, och om man inte har nått dit man hade tänkt att man skulle nå, blivit det man tänkt att man skulle bli, så är det liksom kört. Du hann inte fram. Du blev inte färdig. 
Men det som är lite ömkanskvärt när man är i 30-årsåldern blir på något vis imponerande när man har toppat livskrönet och är över 50 år. Då är det imponerande att man inte har stelnat, att man inte är framme, att man inte är färdig.  I alla fall tycker jag det. 
Den här dagen fyller jag 53.

Efter frukost har min kompis Patti-Li lovat att ta med mej på en hemlighet, som en slags födelsedagspresent. Jag menar, jag håller med, jag är ganska omöjlig att köpa presenter till, och det är mycket roligare att få en upplevelse.
Vi irrar fram och tillbaka på Bond Street, och upp och ner för Brook Street, letande efter något. Patti-Li kollar på sin telefon, dubbelkollar, tittar upp i verkligheten, och så ner igen, ner i det rent digitala. 
Till slut kommer vi fram till en öppning i en fasad, inte mycket mer än en gränd, och han berättar äntligen vart vi är på väg. Saken är den att detta är bara början på mitt födelsedagsfirande, den verklig presenten ska komma nästkommande dag, då vi ska lyssna på Händels Messias i Royal Albert Hall. Detta är bara en slags inledning.
Hade du en aning om att det fanns något som heter Handel och Hendrix Museum? Inte? Jag trodde väl det. Damma här. De två personerna har inte mycket med varandra att göra, förutom att de båda var musiker, hade namn på H, och bodde i nästan samma hus, där deras respektive bostäder blivit ett museum där man försökt efterlikna hur det antagligen såg ut. Hendrixs bostad är inte mycket mer än ett sovrum, medan Händel hade ett helt hus där man kan gå runt, in i hans sovrum och runt i hans musikrum.
Det är kul att trava runt i de två husen, även om jag inte har någon direkt relation till Jimi Hendrix. 
Händel är mej mer bekant. Jag har bland annat sett FÖR ER SOM ÄLSKAR HÄNDEL med Eric Ericsons Kammarkör och Drottningholms Barockensemble i Grünewaldsalen, på Stockholms Konserthus, hans operor XERXEX och TAMERLANO, med Stockholm Operastudio, på Årsta Teater, och ANTI - THE REVOLUTION WILL BE FEMINIZED, En samproduktion mellan Folkoperan och Teater Foratt i samarbete med Nazra.
Några timmar senare lämnar vi museet, båda för att vi är nöjda, med också för att vi måste: vi är hungriga, och vi ska på teater. 

Även om vi försöker att välja att äta på lite olika ställen så blir det överväldigande ofta som vi går in på Pret a Manger för en snabb kaffe och en macka, nåt vi kan hålla i handen medan vi trampar vidare genom London. Den här gången köper jag en svart kaffe, en nötbar, och en av mina favoriter, en macka med ägg, majonäs och vattenkrasse. Jag vet inte hur många såna här mackor jag käkade under den här resan, och jag tänker inte räkna efter. 
Jag börjar inte äta med en gång, utan väntar tills vi kommer fram, och medan Patti-Li försvinner in på teatern för att hämta ut biljetterna ställer jag ner min lunch på en stoptunna och börjar tugga i mej. 
Teatern ligger i Seven Dials, ett område i London som skapades i slutet av 1600-talet av att sju gator möttes vid ett litet torg, och bildade på så sätt sju trekantiga kvarter, där spetsarna möttes som bitarna i en tårta. Anledningen till den här stadsplanen var att man tog ut hyra på hur mycket av tomten som låg mot gatan, istället för hur stor själva ytan var. 
Där alla vägarna möts bildas en slags rondell, och i mitten står en hög pelare, ett slags solur, och allt har en slags kulissartad känsla, som ett torg i en liten italiensk stad, och man förväntar sej nästan att scootrar, mopeder och fiatbilar ska komma snurrande.

Författaren Roald Dahl föddes 1916 och dog 1990, hans böcker har sålts i över 250 miljoner exemplar, och han är känd för att skriva otäcka historier för vuxna, och nästan lika läskiga historier för barn. James and the Giant Peach,The Witches, och Charlie and the Chocolate Factory är hans kanske mest kända barnböcker, där alla tre, som så många av hans berättelser, har filmats, och den senare har till och med också blivit en musikal. Han använde sej gärna av spoonerism, att bala taklänges, malapropismer och onomatopeotiska ord. 

Matilda var författarens 16:e barnbok, och den kom ut 1988. Nånstans på en av Stockholms andrahandsaffärer hittade jag för något år sen boken, köpte den och läste den. Jag var inte vidare imponerad, men jag antar att jag kanske var för gammal. Det var lite som när jag läste The Curious Incident of the Dog in the Night-time; idén verkade mer lovande än vad som blev. 
Stephen Kings bok Carrie kom 1974, och handlar om en utsatt flicka som upptäcker att hon har telekinesiska krafter, det vill säga hon kan flytta saker med tanken. 1979 kom en filmversion, och 1988, samma år som en musikalversion av CARRIE hade premiär både i England och på Broadway, publicerade Roald Dahl Matilda,  en bok som handlar om en utsatt flicka som kan flytta saker med tanken. Sammanträffande? Definitivt. Eller?

Cambridge Theatre är en av tårtbitarna i Seven Dials. Som ett stort, ganska anonymt lastfartyg ligger det förtöjt med fören mot den höga solurspelaren, och byggnaden verkar på tok för smal för att kunna husera en hel teater, men det är förvånansvärt gott om plats inne i foajén och i salongen, som har plats för 1231 sittande, på tre plan. Teatern öppnade 1930, och är byggd i en slags modern expressionistisk, nästan minimalistisk stil, tvärtemot den svulstiga, förgyllda stilen man på något sätt förväntar sej av en äldre teater. 

Text och musik till MATILDA THE MUSICAL är av Tim Minchin, en australiensisk komiker, skådis och musiker, som senare också skrev text och musik till GROUNDHOG DAY, en musikal som gick på Old Vic i London under 2016, och som hade broadwaypremiär 2017. Manuset är av Dennis Kelly, kanske mest känd för pjäsen LOVE AND MONEY, och teveserien Pulling. Han vann en Tony Award och en Olivier Award för manuset till den här föreställningen. Den regisserades av regissören och dramatikern Matthew Warchus, flerfaldigt Tony- och Oliviernominerad, numera är konstnärlig ledare för Old Vic, och som också regisserat ovannämnda GROUNDHOG DAY.

MATILDA THE MUSICAL  hade premiär 2010 på Courtyard Theatre i Stratford-Ufon-AVon, och flyttade till West End följande år,  och vid Olivier Awards 2012 nominerades den i 10 kategorier, och vann 7: Bästa Nya Musikal, Bästa Manliga Huvudroll, Bästa Kvinnliga Huvudroll - till de fyra flickorna som spelade Matilda -, Bästa Regi, Bästa Koreografi, Bästa Scenografi och Bästa Ljuddesign. 
2013 nominerades Broadwayversionen till 13 Tony Awards, och man vann fem: Bästa Manus, Bästa Manliga Biroll, Bästa Scenografi För En Musikal, Bästa Ljusdesign För En Musikal, och fyra Matildor vann en special-tony. Den amerikanske produktionen lades ner efter 2017, efter fyra år och 1555 föreställningar.

Mitt nyårslöfte 2017 är att läsa mer. Minst en timme om dagen. Det går sådär. Bäst funkar det de gånger jag har varit på gym, och kroppen är så öm och värkande att jag tar ett varmt bad. Då finns det inget annat att göra än att läsa. Dricka litervis med kallt vatten - för att motverka överhettning - och läsa. 
För även om jag har ambitionen att läsa någon timme, när jag går och lägger mej, så händer det allt för ofta att jag fastnar på Youtube. Jag prenumererar på en hel del kanaler, från vegansk matlagning till teater. 
Brodwaycomär en kanal om allting Broadway: nyheter, filmsnuttar, reportage, och framför allt webserier: dagboksliknande program filmad av en skådespelare knuten till en specifik uppsättning, och man får följa livet på andra sidan ridån.
För några år sen följde jag en programserie som hette  Looks Not Books, med och av Lesli Margherita, som då spelade rollen som mrs. Wormwood i musikalen MATILDA, på Broadway. Allt som allt gjordes 24, fantastiskt underhållande avsnitt. Det är bara det att dom bidrog lite till min missuppfattning: jag tänkte inte på att skådespelerskan kunde göra så många program från teatern för att hon hade så mycket ledig tid: det vill säga, hon hade inte så mycket att göra i själva föreställningen. 
Och nu, när jag ser rollen i London - givetvis med en annan skådespelerska - inser jag att jag missuppfattat en hel del: Jag trodde att hon hade rollen som styckets bandit, när hon i verkligheten har en ganska liten roll, och på sätt och vis är det skönt, för både hon och rollen som Matildas pappa spelas i lite väl grälla färger, utan psykologiskt täckning, mer för effekt.

Men jag tyckte bättre om föreställningen än om boken. Den känns mer utvecklad, mer balanserad, och man har dramaturgiskt dragit ner på att berätta om Matildas övernaturliga krafter, och istället koncentrerat sej på hennes fantasti. Man har också infört en poetisk historia om en utbrytarkung och en akrobat, som Matilda berättar för en fascinerad bibliotekarie, och som både handlar om hennes drömföräldrar och om hennes snälla skollärares hemliga historia.
Scenografin är bland det mest fantasifulla och idérika jag har sett. Förutom att tak och väggar i salongen verkar fyllda av svävande byggklossar, såna där träkuber med bokstäver som barn brukade ha, så fortsätter dom in på scenen. Eller kanske är det tvärt om: scenens klossar flyger sej ut i salongen, som efter en fryst explosion. Golvet är som en parkett av stora och små ihoppassade träkuber, och saker flyger ut och in, fälls upp, eller vecklas ut. Skolbänkar och stolar skjuts upp ur golvet, och sittplats och skrivyta består av vad som tidigare varit golv. En hel dans utförs genom att man skjuter in olika stora kuber genom öppningar i skolans gallergrind, och man dansar på de trappsteg som bildas. 
Över huvud taget är koreografin, som till stor del framförs av barn, mycket imponerade. Den är snabb, aggressiv, explosiv, exakt, ibland nästan mimiskt, poserande, nästan schematiskt, som om man lärt sej koreografin genom att anta en viss kroppshållning på ett visst ord, och sen byta till en annan position på ett annat ord. 
Barn på scenen brukar man inte ställa riktigt lika höga krav på som på vuxna skådisar, men här behöver man inte vara välvilligt, eller snällt inställd: barnen är nästan läskigt bra. Inte sockersöta eller lillgamla, utan de känns som riktiga skådespelare, fullt kapabla att berätta en historia. 

Nästan lika mycket som själva teaterbesöket - och i vissa få fall mer - så gillar jag att köpa merchandise, som ett slags minne från föreställningen. Min t-shirtlåda är fylld av tröjor med teatertryck, och det är nästan så att jag får ett mindre gillade uppfattning av en föreställningen om dom inte har någon form av minnesmerchandise. 
Matilda har muggar och tröjor och väskor och nyckelringar och badges och böcker, och jag skulle kunna handla mer än jag gjorde: jag går därifrån med en mugg och en tröja. Tröjan behåller jag själv, men muggen är en present till min kompis Skäggige Skalman.
Men vad jag också tar med mej från föreställningen, är tankar om bortskämda barn. Visst har dom blivit fler, dom curlade ungarna, och helikopterföräldrarna? Kanske är det bara jag som har blivit gammal, men det känns som om jag inte kan gå in i en mataffär utan att träffa på en mamma som frågar sin fyraåring vad den vill ha till middag. Jag menar, är det verkligen något som barn ska bestämma?
Och jag antar att vi får skylla oss själva, ja och Patti-Li, eftersom vi går på en matiné, då jag antar att detta är något som lockar familjer med yngre barn, men det verkar som att bara för att det här är en barnföreställning så ställs det inte några som helst krav på att barnen ska uppföra sej. Det springs, det skriks, det snattras och stökas, och föräldrarna verkar var helt döva på  den frekvensen. Det är lite som på Stadsmissionen hemma i Liljeholmen där föräldrar verkar tro att barnavdelningen är en förlängning av dagis, och låter sina ungar röja runt som dom vill, och sen förväntar sej att butikspersonalen ska plocka upp efter dom. 
Men snett framför mej sitter en liten lugn och väluppfostrad flicka mellan sina föräldrar. Storögt och stillsamt ser hon sej omkring, tittar på de andra barnen som verkar leka en regellös variant av hela havet stormar, och det är tydligt att hon inte förstår varför dom uppför sej som dom gör: dom är ju på teater. Dom stör.
Jag fullständigt myser när föreställningen börjar och öppningsnumret handlar om bortskämda barn och deras överkompenserande föräldrar.
Själv har jag aldrig någonsin haft lusten eller suget efter att bli förälder. Det verkar som att inte vilja ha barn är mer accepterad hos en man, medan jag upplever att barnlösa kvinnor i min omgivning hela tiden måste försvara sej, oavsett om deras situation är självvald, eller något som helt enkelt inte hände, med tiden. 

Jag tar också med mej tanken på att en familj är något man skapar, inte nödvändigtvis något biologiskt. I föreställningen överger Matilda sina föräldrar för sin mer älskvärda lärarinna. 
På mina mediaflöden har det under en period funnits indikationer på att man anser att adopterade relationer skulle vara mer problematiska är biologiska. Att den allmänna uppfattningen är att många barn upplever det som om dom blivit kidnappade, inte adopterade, och att dom hade haft det mycket bättre någon annanstans, i en annan familj, vilket egentligen är något som alla barn känner, oavsett familj. De flesta familjerelationer är problematiska, oavsett hur man har blivit släkt. 
Själv var jag länge ganska bitter över att mina släkt inte hette Vanderbilt.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


DREAMGIRLS på Savoy Theatre i London: 

Vissa bögar lär sej, med tiden, vad som är bögigt. I alla fall var det så i min generation. Vissa kom ut utan att ha en aning, dom var som vem som vilka grabbar som helst, och så fanns det såna som jag. 
Jag var lite av en bögstereotyp redan ifrån början.

Vad jag vill säga med det, är att den första låten jag spelade in från radion, på min splitternya kassettbandspelare, var I Will Survive. 


AN AMERICAN IN PARIS, på Dominion Theatre, i London: 

"Givetvis har jag sett filmen. Tror jag. Eller? Kanske är det bara så att jag har sett vissa klipp på youtube och i andra sammanhang, för när det börjar är handlingen mej totalt obekant. Jag minns Gene Kelly i ett par vita tajta byxor, och en gudomlig putrumpa i en Toulouse-Lautrecisk drömsekvens, men inte mycket mer."


THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY på The Criterion Theatre, i London:

På ett plan är det som om StDHs mimlinje som bestämt sej för att sceniskt framföra ett filmmanus av typen Oceans Eleven: det finns en massa suveräna infall, berättargrepp och visuellt unika och inspirerade scener: men på ett annat plan är det som om någon inte litade på, eller gillade, resultatet, som tänkte att vi är ju en grupp som står vid sidan om, som pekar finger, kommenterar och förlöjligar, vi kan inte släppa fram något utan att driva med det.

Så resultatet blir ett varken eller. Jag önskar att dom inte hade gått fullt så långt. 




THE BRAILLE LEGACY, Charing Cross Theatre, föreställning 27, 13/4 2017

$
0
0

Originalidé, Fransk manus och text: Sébastien Lancrenon, musik:  Jean-Baptiste Saudray , engelsk text: Ranjit Bolt, Regi: Thom Southerland, Musikaliskt ansvarig: Simon Lee, Scenografidesign: Tim Shortall , Kostymdesign: Jonathan Lipman, ljusdesign: Tim Lutkin, Scenografi: Tim Shortall, Ljuddesign: Andrew Johnson, Med: Jérôme Pradon, Jason Broderick, Tate-Eliot Drew, Will Haswell, Lottie Henshall, Sarah-Marie Maxwell, Matthew McDonald, Kate Milner-Evans, Janet Mooney, Ceili O’Connor, Michael Remick, Ashley Stillburn, Jack Wolfe, Guillermo Bedward, Thomas Brown, Tallulah Byrne, Beau Cripps, Ilan Galkoff, Honey Harrison-Maw, Eliz Hassan, Megan Haynes, Zachary Loonie, Mimi Slinger, Ophir Fifi Tal och William Thompson.

Jag beställer en Greek, och min kompis Patti-Li Leuk beställer något med kött. Kanske en Crispby Bacon & Spinache, eller en My Old Dutch. Vi hade nog tänkt att vi skulle käka något sött efteråt, som något med butterscotch, eller en frasig våffla under en smältande driva av glass, en pannkaka dränkt i lönnsip, eller en hög med små pannkakor, en poffertjes, men det finns helt enkelt ingen plats i magsäcken för såna läckerheter. Och ingen av oss är trådsmal.
Det är inte ofta vi äter ute. Jag menar på restaurang, såhär, när man sitter ner vid ett bord och nån kommer fram och tar ens beställning. Vanligtvis slänger vi i oss nån slags snabbmat, som en trekantsmacka, en wrap eller något annat som man äter utan bestick. Jag menar, vem har tid att sitta ner? Vi är ju bara i London i några få fjuttiga dagar. 
Den första dan i stan, lite mer än två dygn sen, gick vi förbi en intressant restaurang, när vi irrade omkring på High Holborn. My Old Dutch, hette den, och verkade ha specialiserat sej på pannkakor, av alla de slag. Fasad och dörr är målad i orange, och skyltfönsterna är fyllda av bilder av chokladsåsstänkta staplar av pannkakor.
Vi hade gått hit dagen efter, med planen att äta frukost här, men det visade sej att dom inte var öppna så dags. Men nu, äntligen, var vi här. Proppmätta.
Vi har precis sett en föreställning av MATILDA THE MUSICALCambridge Theatre, vid Seven Dials, så det var bara en fem, sex kvarter att gå. Men det är lite längre till den teater där vi ska se kvällens föreställning. Den ligger nere vid Charing Cross Station.

Det var min kompis Patti-Li Leuk som nosade reda på den här föreställningen, och jag tror hans intresse hade mer att göra med den manlige huvudrollen, och hans mer fysiska företräden, än ett verkligt intresse av en musikal om blindskrift. Jag säger inte att det är så, jag säger att det antagligen är så. Chansen är stor. Mycket stor. Överväldigande, till och med. 
Själv var jag inte lika sugen. Jag hade föredragit att gå och se musikalen 42ND STREET på Theatre Drury Lane, men Patti-Li tyckte att det verkade som om föreställningen innehöll en väldig massa step, och han gillar inte step, och ärligt talat kommer vi väl att se den musikalen nästa gång vi är stan, och då tror jag att föreställningen på Charing Cross Theatre har lagts ner.

Jag skulle älska att kväll efter kväll gå och se något nytt. Det som hindrar mej är förstås ekonomin, men också mitt bloggande. Det tar tid att blogga. Fakta måste letas fram, infallsvinklar behöver hittas och finslipas, och framför allt: jag måste tänka igenom vad jag tyckte, vad jag upplevde och vilka tankar jag fick. 
En del vänner undrar om jag behöver skriva så långa inlägg, eller om jag verkligen måste skriva om allt jag ser, men det är det som är saken: jag måste skriva tills dess jag känner att något blivit sagt, och om jag inte skrev om allt skulle inte det jag ogillade bli lidande: det är mycket svårare att skriva om något man tycker om. Har en föreställningen ingen magi är det mycket lätt att sitta utanför och ha åsikter. 
Det är svårt att komma ihåg allt, och många gånger är jag glad att jag har skivit upp det. Nu, när det är någon timme innan föreställningen börjar, och jag och Patti-Li sitter och dricker en Pret-a-Manger-kaffe och äter en sötsak i den något blåsiga vårsolen i Victoria Embankment Gardens, några kvarter från teatern, försöker vi gå igenom vad det är vi har sett. Det är bara drygt två dagar sen vi landade, och det känns som om vi har varit på språng sen dess, utan en lugn stund att tänka efter. 
”Öh… Öh…”  ljudar Patti-Li, när han försöker komma ihåg ordningen. ”THE LIFE, AN AMERICAN IN PARIS, DREAMGIRLS, MATILDA, och nu den här…”
Vi undviker att säga musikalens namn. Det är lite knepigt, både med uttalet och själva formandet av orden. På svenska uttalar jag namnet på skriften som brejl. Brejlskrift. Men hur säger man på engelska? Säger man brajl eller brejl? Och om man nu bestämmer sej för brejl så blir det lite svårt att forma ordet som kommer efter, Legacy, när det ordet börjar på samma bokstav som Braille slutar på. L. Det blir antingen att man säger Brai-legacy, eller får gör att litet stopp mitt i titeln för att uttala båda L-en. Det flyter liksom inte.
Han räknar på fingrarna: ” Det blir… fem. Jag har missat nån. Vad har jag missat?”
Vi försöker båda tänka efter. Det känns lite som om man är jetlaggad, som om jag inte har sovit på flera dagar. 
”På måndagen - ” börjar jag.
”Vi kom på en tisdag,” avbryter han. 
”På tisdagen såg vi…” Jag försöker tänka efter.
”THE LIFE.”
”THE LIFE. Och…”
”DREAMGIRS.”
”Var inte det kvällen efter?”
”Vad såg vi på tisdag kväll, då?”
Vi kommer båda på det, samtidigt, och det är inte så konstigt att vi glömde bort den här föreställningen, för vi tyckte helt enkelt inte om den.:
”THE COMEDY ABOUT A BANKROBBERY.”

Jag är ganska aktiv på Instagram, och följer både teatern vis på, produktionen vi ska se, och flera av aktörerna, och några veckor efter att vi har kommit hem från London, blir jag lite förvirrad. Det verkar som om Charing Cross Theatre och THE BRAILLE LEGACY förbereder sej för premiär, en halv månad efter att vi var där, några dagar efter vad vi trodde var premiären, men det visar sej efter lite letande, att vad vi såg var ett slags förhandsvisningar, och man hade press night först elva dagar efter att vi sett föreställningen. 
Så tydligen var man inte riktigt klara med förställningen när vi såg den. Vilket - förhoppningsfullt - förklarar en hel del.

Louis Braille föddes 1809, på franska landsbygden, och blev blind i femårsåldern när han lekte i sin pappas läderverkstad och råkade sticka sej i ögat med en syl, och en infektion uppstod och spred sej till hans andra friska öga. Han utbildades vid världens första läroverk för blinda, Institut National des Jeunes Aveugles, en fattig, nedsliten, privat bekostad skola. Det visade sej att han var en mycket begåvad elev, och efter sin utbildning fick han arbete som lärare på skolan.
Han var bara femton när han utvecklade sin blindskrift, och han dog, av vad man tror var tuberkulos, när han bara var 43.

Föreställningen handlar om Louis Brailles liv, från det att han kommer till skolan tills dess han uppfinner sitt alfabet. Det finns också en otäck bihistoria där man rövar bort blinda barn och experimenterar på dom för att försöka "bota" dom.

Produktionen har en bra, tydlig look. Eftersom teaterlokalen är avlång, och scenen är en blackbox utan - antar jag - mycket sidoutrymmen, har man valt att ha en stor snurrande kub på scenen, lite som Martin X Chocholouseks stora låda i EVITA, på Göta Lejon, men här har man hållit sej till tunna, rena linjer, i ett förvånansvärt moderna formspråk. Det finns två plan, med två motsatt ställda, ganska branta trappor, balkonger, skrymslen och vrår.  
Egentligen är kuben en väldigt intressant idé som inte utnyttjas på rätt sätt. För det första är den vitmålad, ren och rak, helt i kontrast till världen dom lever i: skolans misär, storstadens smuts och den otäcka, skrämmande verkligheten. För det andra vrider man på konstruktionen i tid och otid, utan att något egentligen händer. Kuben ser i stort sett likadan ut från alla håll, så själva vridandet blir mer som en indikation på att en ny scen börjar, men ger ingen visuell signal på var den ska utspela sej. Jag tror att lite patina, och ett tydligt, väl avvägt användande av snurrfunktionen hade gett mer.
Kostymerna är tidstypiska, fantasifullt designade och väldigt vackra. Man håller sej till två färger, svart och vitt - ljus och mörker? - där barnen, med en svart bindel för ögonen, är klädda i vitt och de vuxna i svart. Eftersom scenografin är minimal - förutom den stora, vita klätterställningen, och några stolar och bord - så är det värdefullt att kostymerna är så detaljerade och varierade. Inte ens i de mindre, outvecklade rollerna återanvänder man en kostymdesign. De bedrar starkt till ett gediget, ambitiöst intryck. 

I en musikal kan man förlåta mycket om musiken är sensationell. Här är den bara helt okej. Man använder sej av cello, och jag ursäktar mycket om man använder cello. Orkestreringen och själva sången är mycket bra, men musiken i sej är inget man går och nynnar på, och sångtexterna, som är översatta från franska, känns klumpiga, opoetiska och ordföljd och betoning haltar.

Men det är för mej regin som är det stora problemet, vilket kom lite som en överraskning, eftersom jag älskade regissörens tidigare verk, RAGTIME. Men ingen har hit efter hit efter hit, till och med Sondheim bombade ibland, Andrew Lloyd-Webber hade många tunga år, och Meryl Streep har inte fått en oscar för varenda roll hon gjort. 
Grundkänslan finns där, den humanitära goda viljan i en värld av illvilliga. Men man berättar den lite som om det vore dålig barnteater. Boven är så ond att de goda framstår som nästintill lobotomerade, eller drogade, för att dom inte uppfattar hans sura blickar, demoniska suckar och hatiskt framförda repliker. Det ger ett skadligt intryck av de som ska framstå som sympatiska förlorar sympati eftersom de verkar så urbota korkade.
Det är också lite svårt att förstå relationen mellan rektorn på skolan, och den unge Braille. I öppningen är dom på ett bibliotek tillsammans, och verkar ha en väldigt modern relation, läraren och eleven, inte alls byggd på disciplin och despotism, men senare riskerar Braille att bli relegerad för sin brist på respekt, utan att vi förstår vad i deras relation som har förändrats. Ibland verkar de vara vänskapligt nära, ibland verkar det som om rektorn knappt kan hans namn, som om skolan hade tusentals elever. 

Det finns mycket runt omkring produktionen som jag har en åsikt om, speciellt efter att ha sett föreställningen. Namnet, till exempel. BRAILLE LEGACY, Brailles Arv, är missvisande på flera sätt: dels för titlen tankarna till filmen The Bourne Legacy, dels ger den intrycket av att vara en deckare av Tom Clancy, speciellt som affischen föreställer ett öga målat i vad som ser ut som braille-skrift - en massa olik-organiserade prickar - som ger associationer till dataspråkets ettor och nollor.
Dessutom handlar det inte om Brailles arv, det handlar om hans liv, och berättelsen slutar innan hans död, även om man har en slags talad epilog där man berättar vad som hände sen, och senare.
Vad gäller affischen så verkar man vara lite osäker på om titeln är tillräckligt informativ, så man har skrivit dit en ganska vanskligt vald tagline, du vet, en sån som brukar finnas på filmaffischer, som Alienfilmernas I Rymden Kan Ingen Hör dej Skrika, eller The Bitch is Back.
Här har man valt: HE WAS BLIND. HE HAD A VISION.
Ganska klumpigt, eller hur, även om det finns något fyndigt i den dubbla betydelsen i blind/vision? Jag anser att det hade varit mycket bättre att skriva HE WAS BLIND, BUT HE HAD A VISION. Det låter det inte så mycket James Bond, och det har en lovande dramaturgisk riktning: han var blind, men...

Vad jag tar med mej från föreställningen är det räcker inte att bara vara god, att tro alla om gott, man måste också bekämpa det onda, slåss för det man tror på. Jag antar att det är min version av jämlikhet: att man inte förväntar sej att någon annan ska dyka upp och lösa problemen, en gud eller en hjälte: man måste själv vara ansvarig.

Ärligt talat så funderar jag inte så mycket på föreställningen, efteråt: vi går hem i Londonnatten, stannar till vid Sainsbury, köper godsaker och går hem till hotellet. Visste du att man i London kan köpa yoghurt med smak av ingefära, och med smak av lemon curd. Inte i samma bägare förstås, men tänk i alla fall...

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar



MATILDA THE MUSICAL på Cambridge Theatre i London:

"Men det som är lite ömkanskvärt när man är i 30-årsåldern blir på något vis imponerande när man har toppat livskrönet och är över 50 år. Då är det respektingivande att man inte har stelnat, att man inte är framme, att man inte är färdig.  I alla fall tycker jag det. 
Den här dagen fyller jag 53."


DREAMGIRLS på Savoy Theatre i London: 

Vissa bögar lär sej, med tiden, vad som är bögigt. I alla fall var det så i min generation. Vissa kom ut utan att ha en aning, dom var som vem som vilka grabbar som helst, och så fanns det såna som jag. 
Jag var lite av en bögstereotyp redan ifrån början.

Vad jag vill säga med det, är att den första låten jag spelade in från radion, på min splitternya kassettbandspelare, var I Will Survive. 


AN AMERICAN IN PARIS, på Dominion Theatre, i London: 

"Givetvis har jag sett filmen. Tror jag. Eller? Kanske är det bara så att jag har sett vissa klipp på youtube och i andra sammanhang, för när det börjar är handlingen mej totalt obekant. Jag minns Gene Kelly i ett par vita tajta byxor, och en gudomlig putrumpa i en Toulouse-Lautrecisk drömsekvens, men inte mycket mer."



ROYAL CHORAL SOCIETY PRESENTS MESSIAH ON GOOD FRIDAY, Royal Albert Hall, föreställning 28, 14/4 2017.

$
0
0
Händelmän

Royal Choral Society, Royal Philharmonic Orchestra, Richard Cooke, dirigent, Richard Pearce,  organist, Med: Mary Bevan, Anna Harvey, Jamie MacDougall, Edward Grint.

Först: en liten brasklapp: det kommer inte att handla så mycket om själva konserten, så om du kommit för att läsa nåt utförligt om Händel och Royal Albert Hall, så ber jag om ursäkt. Jag var alltför upptagen med andra tankar för att verkligen kunna ta in det hela. 
Den här dagen var nämligen en riktig liten rysare.

Varför bryta en god ovana? Minst en gång varje dag, under denna korta Londonresa, har vi gått in på Pret A Manger och köpt något att äta, och den här dagen, trots att vi kanske haft ambitionen att äta någon annanstans, så bara blev det att vi gjorde ett sista besök. Det fanns liksom inget annat att välja på. 

Den övergripande planen för dagen var att åka hem. Men min kompis Patti-Li Leuk, som är en suverän reseplanerare, hade bokat in oss på det absolut sista planet, så vi hade nästan en heldag i London, helt gratis, liksom. Jag menar, vi hade kunnat ta ett tidig morgonflyg, eller ett middagsflyg, och inte haft tid till något annat än att ta oss ut till flygplatsen. 

Det enda som kunnat göra den här dagen - och resan - bättre, var om vi hade lyckats boka in en dagsföreställning, innan vi åkte hem. Tyvärr kör man inga matinéer på fredagar, i London, och det är helt förståeligt: följande dag är det dubbla föreställningar, och oavsett hur viss publik resonerar så är teaterfolk inga maskiner.
Men Patti-Li hade lyckats nosa reda på en liten konsert. Eller; en stor konsert. En riktigt stor konsert, som framförts 280 gånger, under 141 år: Händels Messias, i Royal Albert Hall. Och det är en present till mej, för att jag fyllde år dagen innan. 
Inte själva konserten i sej, utan biljetten. 

Vi hade checkat ut, ställt våra väskor hos vaktmästaren, och börjat gå längs med Oxford Street. Tanken var att vi skulle hitta någonstans att käka frukost, och sen gå en runda i Hyde Park, innan vi käkade lunch någonstans och gick på konsert. 
Det är bara det att när vi kommer fram till slutet på Oxford Street, och parken börjar, då har matställena tagit slut. Det ligger bara ett väldigt inbjudande Pret A Manger rakt över gatan. 
Jag köper en trekantsmacka med ägg, majonäs och vattenkrasse, en kopp svart kaffe och lyxar till det med en bran muffin. Det kanske tar några timmar innan man får mat igen. 
Observera att jag skrev några timmar, som i två eller tre, och inte tio timmar, innan man får mat igen. 

 Vi tar tid på oss, tar det lugnt, går in i Kensington Gardens, kollar in fontänerna och Peter Pan-statyn. Solen skiner, unga män går i shorts och kvinnor bär ärmlöst. Ingen badar i sjön, men det är nog mest för att det är förbjudet. Hemma i Stockholm var det inte länge sen det snöade. 
Nånstans har jag läst att det finns papegojor i en park i London, men det var information som sjunkit undan. Tills nu, när vi rundar en staketinklädd dunge och kommer på en liten folksamling som verkar mata fåglar. Gröna fåglar. Papegojor. 
De är väldigt intelligenta djur, och dom har vant sej vid att kunna slå sej ner på folk och få frön och frukt. De dumma duvorna som också lockats hit verkar inte ha lärt sej samma sak, utan knatar runt på marken och plockar bland det som tappas. Här måste man tydligen vara grön för att få något att äta, verkar dom tänka.

Tiden går. Och vi går. Vi tar det i lugn takt, mesans tiden tickar på. Det är plötsligt eftermiddag. Vi rundar parken och går runt det höga, imponerande Albert Memorial, fotande och instagrammande, innan vi gör över gatan till Royal Albert Hall, och fotar och instagrammar där
”Dom har haft den här konserten varje år sen 1876,” berättar Patti-Li, som uppenbarligen har läst på.
”Jösses,” säger jag, både imponerad av arkitekturen, Patti-Lis information, och av det faktum att han har läst på.
Det kanske hade varit smart att försöka hitta något att äta, här och nu, men det är väldigt ont om snabbmatsställen här runtikring, och som Patti-Li sa: det är bättre att ta något efteråt, det är en kort konsert. 

Det är när vi står i Heineken Green Room, och dricker ett varsitt glas vitt vin - ännu en födelsedagspresent från Patti-Li -  som det händer: Jag frågar hur lång konserten är, och han svarar att han tror att den tar runt 45 minuter. Men för säkerhets skull kollar han. 
Han kollar väldigt länge. Jag tänker att det kanske är något problem med nätverket, eller att han har börjat kolla sin mail, eller Face Book, men till slut säger han, olycksbådande entonigt:
”Den är två timmar och 45 minuter…”
”Va?” Jag hörde honom mycket väl. Men: Va? Verkligen?
Han upprepar.
”Men,” undrar jag, ”kommer vi att hinna?
Vi har ett plan som väntar, och jag menar, det väntar ju inte. 
”Ja?” svarar Patti-Li, och börjar kalkylera: Det tar så och så lång tid ut till flygplatsen, och vi bör vara därute sådär dags, och och vi måste tillbaka till hotells först, och det tar antagligen såhär lång tid. 
Kontentans är att när konserten är över, då ligger vi ungefär en halvtimme efter i den ultimata planen. Vi måste alltså skynda oss, för att kunna ta det lugnt. 

Jag har lite svårt att koncentrerar mej, under konserten. Eller, jag har mycket svårt att koncentrera mej. Jag sitter liksom och tänker på annat. Oproduktiva, okonstruktiva, onödiga tankar. 
För att musik ska kunna svepa dej med sej så måste du liksom var där, för att bli medsvept. Jag var inte där. Nästan inte alls. 
Och jag har väldigt få minnesintryck: jag minns att en av sångerskorna hade lila klänning, och den andra hade en vinröd. Männen, antar jag, hade frack. Publiken, liksom vi, var inte vidare uppklädda. Det satt en japansk turist snett framför mej. Och när halleluja-delen kom, den där biten som var det enda jag kände till, då reste sej hela publiken. Sjöng vi med? Jag tror inte det, men jag minns inte. Men varför stod vi då upp?
Jag minns att lokalen i sej var imponerade, som ett övertäckt Colosseum i Rom, fast kanske lite mindre, eller som Cirkus på Djurgården, men mycket, mycket större. 

Konserten är över, och vi väller ut ur byggnaden och iväg ut på stan, som apelsiner ur en trasig plastkasse. Patti-Li har tagit fram kartfunktionen på sin iPhone, och leder oss mot South Kensington tunnelbanestation. Det är bit att gå. Det är en bra bit att gå. Och när man tror att man har kommit ner i tunnelbanan visar det sej att man går i en väldigt lång gångtunnel, som aldrig verkar ta slut. 
Jag har inte nån riktig koll på hur mycket pengar jag har på mitt Oyster Card, men när jag testar att blippa in mej, så slås grindarna upp utan problem. Och visst är det väl så att jag kan fortsätta åka under en timme, när vi väl har hämtat våra väskor på hotellet? Eller? 
Hur mycket pengar har jag kvar på kortet? Borde jag ha tankat in en reskassa? Men det finns liksom ingen tid. 
Vi åker tre stationer norrut på den gula Circle Line, hoppar av vid Notting Hill Gate och tar den röda linjen, Central Line, sex stationer österut, till Tottenham Court Road, stiger av, stressar iväg till hotellet, hämtar våra väskor - 
Borde vi köpa något att käka här? Borde vi bara remma över gatan och köpa en macka på Sainsburys? En hel stad med ett Pret A Manger i vad som känns som vartenda kvarter, men här runtikring råder snabbmatsöken?
Det finns tid till att handla mat senare, resonerar vi, kanske på stationen London Bridge, där vi ska byta från tunnelbana till tåg. Eller på flygplatsen, där kommer vi att ha gott om tid att käka!
Eller?
Nere i tunnelbanan och mitt oyster cardär tomt. Grindarna öppnar sej inte. Patti-Li, som redan har gått igenom, vänder sej om och undrar varför jag inte kommer. 
”Det går inte,” ropar jag. ”Det är tomt! Jag måste fylla på!”
Han tittar tillbaka, söker med blicken efter en automat, lite stressad. Nu är vi sena. Det här gör att vi blir lite senare. Inte mycket senare, men många bäckar små…
Man försöker liksom låta bli att tänka att man var sen redan från början, att klockan stod på minus redan när vi började.
Jag vänder mej om och börjar leta efter en skylt där det står Oyster Card. Det måste ju finnas en på varje station. Det måste finnas flera på varje station. Men var?
Då ser jag. Den där människomassan som jag trodde var nån slags gemensam ansamlig, en gruppresa, är bara folk som står i kö för att tanka sina kort. Kön är löjligt lång. Otroligt lång. Omöjligt lång. 
Jag vänder mej mot Patti-Li. 
Just nu skulle jag behöva en time out. En liten stund för mej själv för att ta mej en funderare på vad som är smartast att göra. 
Men det finns ingen tid.
Patti-Li stirrar tillbaka, undrande varför jag bara står där, stilla, och stirrar. Så följer han mitt pekande finger, och tar ett beslut:
”Vi får ta taxi,” konstaterar han, när han bränner förbi mej, och jag följer efter honom, upp ur underjorden. 
I rulltrappan upp försöker jag förklara att jag hade tänkt fylla på mitt kort, nån gång under dagen, om det bara funnits tid. Jag menar, det vara bara det att det inte fanns nån tid när jag väl var i närheten av en automat, och när jag hade tid var vi inte i närheten av någon automat. 

Det finns människor som låter sin jäsande ilska gå ut över oskyldiga. Som tycker att dom har rätt att fräsa ifrån, om dom känner sej irriterade. Lyckligtvis är varken jag eller Patti-Li såna. Min mest irriterade ovana, kanske, är mitt ältande. Ett släktdrag, tror jag, som jag fått från mor och mormor. Men jag försöker låta bli. Trots att jag vill börja mala om vad som kan hända, vad som skulle kunna hända, och vad vi gör om det som händer händer, så försöker jag vara tyst. 
Missar vi planet så missar vi planet, försöker jag tänka. 
Det här verkar inte vara en vidare dag.

Jag upplever det som om taxin sniglar sej fram genom London. Där jag skulle önska att vi bara swishade förbi, där världen utanför blev ett suddigt dis, som när man använder Warp drive i Stjärnornas Krig, så är det som att ta en irriterande långsam nostalgiskt tur längs Memory Lane: vi tar samma gator som vi gick första dagen vi var här, för några dygn sen. 
Resan blir ett slags filmiskt montage, och vore underbart, om jag inte bara ville skrika. Vi kör längs med New Oxford Street, och in på Holborn. Där ligger Pod, där vi käkade vår första frukost,  Äggröra och svart kaffe, innan vi såg AN AMERICAN IN PARIS, innan vi såg DREAMGIRLS.  Där ligger My Old Dutch, där vi festade till det med Panncakspizza efter ha sett MATILDA THE MUSICAL, och innan THE BRAILLE LEGACY. Var det igår kväll? Det var igårkväll. Vi kör in på Cheapside. Det där huset känner jag igen. Och det där. Vi kör nerför Queen Street. Här gick vi. Vi tar till och med samma bro som vi tog första dagen, när vi skulle till Southwark Playhouse och se THE LIFE.
Så är vi framme vid stationen London Bridge, i skuggan av skyskrapan The Chard. Vi var här för bara några dagar sen, men nu är det okej att saker liksom upprepar sej, för vi är på väg tillbaka, hem. 
Patti-Li betalar chauffören, och vi stressar in på stationen.  

Allt är väldigt lugnt. För lugnt? Har det hänt något? Ett bombdåd? En terroristattack? 
Information på de stora skärmarna visar att nästan alla tåg är försenade, till och från stationen. Nånting om något på spåret. En lorry? En lastbil? Nu är vi riktigt sena, vi är senare än nånsin, nästan senast. 
Var köper man biljetter till dom här tågen, som kanske kommer att komma igång i tid för att vi ska komma med ett plan och komma hem? Jag frågar några personalpersoner, och dom pekar ner i källaren. 
Här är det ingen lång kö, men den korta kön går mycket långsamt. Folk har tusen frågor, på grund av förseningen. 
Vad gör vi om vi inte kommer med planet? tänker jag. Åker vi tillbaka till hotellet, checkar in, och går och ser ännu en föreställning? Vilken? 42ND STREET, tänker jag hoppfullt, innan jag inser att om vi vände nu så kanske vi skulle hinna, men om vi åker ut till flygplatsen så hinner vi inte in till stan i tid för en föreställning.
Med biljetterna köpa skynda vi upp till markplanet, där det verkar som om trafiken har kommit igång. Det finns varken en tanke eller tid att besöka en kiosk eller snabbmatsställe. Vi hoppar på det knökfulla tåget, blir stående, stågandes med alla andra som oroar sej för om dom ska komma med sitt tåg. Eller, alla kanske inte är lika sena som vi. Jag tror nog vi är dom senaste på hela tåget.

”No,” säger jag till en sura mannen vid incheckningsdisken, fiskar upp min mobil och visar hur mycket klockan är: ”there is one minute left!”
Incheckningen stänger klockan åtta, och min telefon visar 19:59. 
Surt ber han om våra pass och checkar in oss. Det är tur att vi reser lätt, för när jag plockar fram min resväska fräser han, förnärmand:
”You haven’t checked in your luggage?”
Men det finns inget han kan göra: han har checkat in oss, så han måste ta våra väskor.
Nu borde det finnas tid att köpa något att äta. Snart, i alla fall: Vi går igenom säkerhetskontrollen utan anmärkningar, och tänker att vi första bara ska kolla var vår gate ligger, och sen gå tillbaka och köpa något att tugga på.
Jag är inte hungrig längre. Det är så länge sen jag käkade något att magen liksom verkar ha glömt bort hur det var att vara mätt. Det finns inte ens ett sug kvar.
Vår gate ligger halvvägs till engelska kanalen, känns det som. Vi går och vi går och vi går, och när vi kommer fram upptäcker vi att det inte finns något ställe att köpa mat på, så här långt avsides. Vi vänder, börjar gå tillbaka, men inser att vi inte kommer att hinna, och vänder tillbaka igen. Jag antar att blodsockret var lågt, för såhär efteråt känns det som om vi tog en del dumma beslut. 
Jag ser en coca colamaskin. Jag tar upp ett mynt. Stoppar in det. Ingenting kommer ut. 
Det är verkligen min dag idag. Den värsta dagen någonsin. Jag får lust att skrika, gapa, gorma, men jag vet inte vad det skulle tjäna till. 

När vi kommit ombord på planet är det för första gången på flera timmar som slappnar jag av. Axlarna sjunker ner. Det där frustrerade skriket som har bubblat runt i min bröstkorg, verkar ha försvunnit. 
Vi hann! Vi är här! Det är över, den här dagen som långsamt bara blev värre och värre.
Vanligtvis tycker jag att det är lite obehagligt att flyga. Det är inte det att jag är rädd, jag har bara lite svårt att slappna av. Men den här gången har jag inga problem. Dör vi så dör vi, jag är bara glad att vi hann med flyget. Det är alltid lite lättare att dö på vägen hem. 
Jag tänker lite på min söndriga cykel som står i stället vid centralen. Jag har inte tänkt på den på flera dagar. En trampa gick av när jag cyklade in till stan, och min cykelreparatör har varnat mej att om det inte finns mycket mer man kan göra för min cykel. Den är för gammal, för rostig, för sliten. Det är inte ekonomisk försvarbart att fortsätta reparera den. Det är dags att gå vidare.
I morgon, tänker jag, så åker jag ut till Ikea och köper en ny cykel

Och knappt har jag tänkt den tanken, så vänder min inställning. Saker har löst sej, och om detta är den värsta dagen någonsin, då är det egentligen bara att gratulera att den inte var värre. 
Och som för att markera att det otrevliga är över, så tar Patti-Li, som nog känner sej ansvarig för lite av dagens kalabalik, och bjuder mej på en flygplansmiddag, en cola, en earl grey, och en Ultimate Ploughman’s Sandwich, med Barber’s Cheddar, apple and radisch salad and pickled onion on artisan granary bread

Och jag säger dej, att den middagen var goood!


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar



THE BRAILLE LEGACY på Charing Cross Theatre i London:

"Grundkänslan finns där, den humanitära goda viljan i en värld av illvilliga. Men man berättar den lite som om det vore dålig barnteater. Boven är så ond att de goda framstår som nästintill lobotomerade, eller drogade, för att dom inte uppfattar hans sura blickar, demoniska suckar och hatiskt framförda repliker. Det ger ett skadligt intryck av de som ska framstå som sympatiska förlorar sympati eftersom de verkar så urbota korkade."


MATILDA THE MUSICAL på Cambridge Theatre i London:

"Men det som är lite ömkanskvärt när man är i 30-årsåldern blir på något vis imponerande när man har toppat livskrönet och är över 50 år. Då är det respektingivande att man inte har stelnat, att man inte är framme, att man inte är färdig.  I alla fall tycker jag det. 
Den här dagen fyller jag 53."


DREAMGIRLS på Savoy Theatre i London: 

Vissa bögar lär sej, med tiden, vad som är bögigt. I alla fall var det så i min generation. Vissa kom ut utan att ha en aning, dom var som vem som vilka grabbar som helst, och så fanns det såna som jag. 
Jag var lite av en bögstereotyp redan ifrån början.

Vad jag vill säga med det, är att den första låten jag spelade in från radion, på min splitternya kassettbandspelare, var I Will Survive. 




THE HUMANS, en reading på Playhouse Teater, föreställning 29,18/4 2017

$
0
0

Av: Stephen Karam. Regi: Björn Lönner. Medverkande: Gunilla Bergerham, Margaretha Byström, Per Eggers, Frida Liljevall, Pontus Olgrim, Moa Åström.

Ibland, ganska ofta, föredrar jag en reading framför en fullt utförd föreställning. Varför? Därför att det finns något levande, vacklande, trevande över det hela. Inget är klart, ingen är färdig, och det känns som om skådespelarna - trots att dom ofta är mycket bekanta med materialet - upptäcker pjäsen tillsammans med oss, publiken. Aktörerna spelar snarare under än över, och regin är ganska underordnad berättelsen, till skillnad från färdiga produktioner, där regissören ofta försöker tävla med dramatikern om vem som är föreställningens verkliga skapare. Där man i den färdiga produktionen försöker vara tydlig med vad rollerna tycker och tänker, och även - ibland - vad skådisen tycker och tänker om rollen, är man ofta på readingen intressant vag, lite odefinierbar, mer mystisk. 

De sex skådespelarna sitter på stolar ställda i en svagt konvex böj, frontade mot salongen. Regissören, som också läser scenanvisningar, sitter något åt sidan. Framför sej har dom ett slags notställ, för manus. På golvet, lite till sidan om varje stol, står ett glas och en glasvattenflaska med bygelkork. 

Jag sitter långt fram, tillsammans med min kompis Malvolior Morrhår. Vi träffades ute i baren i väldigt god tid, för han ville höra allt om min Londonresa, och speciellt om föreställningarna jag såg: THE LIFE, THE COMEDY ABOUT A BANK ROBBERY, AN AMERICAN IN PARIS, DREAMGIRLS, MATILDA THE MUSICAL och THE BRAILLE LEGACYJag skulle kunna babbla i timmar, men det tog inte lång tid innan Malvolio varnöjd. Han ville nog mest ha en tumme upp eller en tumme ner, och bytte ämne relativt snart.

Pjäsen man läser handlar om ett ungt par, en man och en kvinna som firar thanksgiving tillsammans, för första gången i den nya, men nedslitna lägenheten i Chinatown, New York. De har bjudit in kvinnans mamma, pappa, dementa farmor och lesbiska syster. Och det kommer konstiga ljud från övervåningen. Lampor slocknar. Och tänds.

Jag vet att jag skrev att jag ibland föredrar en reading framför en uppsättning, men här är det ibland lite svårt att hänga med, så jag reserverar mej, lite, pytte-pytte-lite. Lägenheten där allt utspelar sej har nämligen två plan; man äter på bottenvåningen, och bland annat toaletten är på övervåningen, och det är ibland lite svårt att veta vem som är var, uppe eller nere, vem som hör vad som sägs och vilka grupperingar som bildas. Eftersom alla hela tiden är på scenen tar det också en liten stund innan jag lär mej vad alla heter. 
Men det hela är småsaker. Jag sitter som på nålar, och småryser mot slutet. 

2016, året då HAMILTON var musikalen som vann nästan allting, var THE HUMANS pjäsen som vann nästan allting, den var nominerad till sex Tony Awards, och vann 4; Bästa Pjäs, Bästa Manliga Biroll I En PJÄS, Bästa Kvinnliga Biroll I En Pjäs, och Bästa Scenografi. Bästa Ljusdesign Av En Pjäs gick till Natasha Katz för Long Day’s Journey Into Night, och Bästa Regi Av En Pjäs gick till Ivo van Hove för A View From A Bridge.

Det är en mycket bra pjäs, oförklarligt otäck, utan att bli sådär grabbigt hotfull eller våldsam, men jag vet inte om den är tony award-bra. Den vann ju inte pulitzerpriset som den var nominerad till, och det är lite lättare att förstå. 

Vad jag tar med mej från föreställningen är minnet av en ensemble som fungerar nästan som en stråkorkester. Ingen tar egenhändigt infogade konstpauser, skriver om repliker genom att omformulera, stuva om ord eller lägga till. Nej, förresten, kanske inte en stråkorkester, en blåsorkster: ibland kvittrar man, ibland tutar man, ibland är det långa, hjärtskärande toner, och ibland tutas och kväks det, som en anka. 

Jag kommer också att tänka på det här med familj. För länge sen sa en invandrad man till mej att vi i Sverige inte bryr oss om familjen. Han skulle aldrig kunna sätta sin mamma på ett hem, sa han. Jag försökte känna efter om jag kände någon skuld för att jag inte hade några såna betänkligheter, men jag tror inte mina föräldrar någonsin har tänkt tanken att dom ska flytta in hos mej en vacker dag, eller att jag jag ska flytta hem - hemska tanke - till dom. 
Är det bara jag, eller är det typiskt svenskt att pjäser om familjer känns lite… osvenska? Lite amerikanska? Lite O’Neill, lite Miller, lite Tracy Letts, lite August Wilson? Lite dom, inte vi
Visst, vi har väl Norén, här hemma, men nog känns de väl lite mer inspirerade av O’Neill och grabbarna, än av medelsvensson?

Jag tar också med mej minnet av något ganska ovanligt: 
För några månader sen blev jag medveten om att jag inte såg några homosexuella personer på scenen - vänta… - där deras sexuella läggning inte var en del av pjäsens konflikt. Där deras karaktärer kärleksliv var som vilka andras som helst på scenen. Inte ett problem. Inte något glorifierat. Bara något helt vanligt.
Jag kan ha misstagit mej, men jag tror att detta är första pjäsen jag ser - i år, och kanske förra året, och året innan dess - där en sån roll ingår. Här är den lesbiska systerns sexualitet aldrig en stötesten, varken från henne själv, från hennes syster, svåger eller hennes föräldrar, och det är nästan så att man skulle kunna missa att hon var flata, om man inte var uppmärksam, och det är precis så jag vill ha det. 



Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar:


ROYAL CHORAL SOCIETY PRESENTS MESSIAH ON GOOD FRIDAY, Royal Albert Hall: 

"Det finns människor som låter sin jäsande ilska gå ut över oskyldiga. Som tycker att dom har rätt att fräsa ifrån, om dom känner sej irriterade. Lyckligtvis är varken jag eller Patti-Li såna. Min mest irriterade ovana, tror jag, är mitt ältande. Ett släktdrag, tror jag, som jag fått från mor och mormor. Men jag försöker låta bli. Trots att jag vill börja mala om vad som kan hända, vad som skulle kunna hända, och vad vi gör om det som händer händer, så försöker jag vara tyst. 
Missar vi planet så missar vi planet, försöker jag tänka. 

Det här verkar inte vara en vidare dag."


THE BRAILLE LEGACY på Charing Cross Theatre i London:

"Grundkänslan finns där, den humanitära goda viljan i en värld av illvilliga. Men man berättar den lite som om det vore dålig barnteater. Boven är så ond att de goda framstår som nästintill lobotomerade, eller drogade, för att dom inte uppfattar hans sura blickar, demoniska suckar och hatiskt framförda repliker. Det ger ett skadligt intryck av de som ska framstå som sympatiska förlorar sympati eftersom de verkar så urbota korkade."


MATILDA THE MUSICAL på Cambridge Theatre i London:

"Men det som är lite ömkanskvärt när man är i 30-årsåldern blir på något vis imponerande när man har toppat livskrönet och är över 50 år. Då är det respektingivande att man inte har stelnat, att man inte är framme, att man inte är färdig.  I alla fall tycker jag det. 
Den här dagen fyller jag 53."





Idag ser jag fram emot -

$
0
0

- ett publikrep av FLAGGAN I TOPP, som snart har premiär på Krusenstjernska gården i Kalmar: 

Från deras hemsida

OM FÖRESTÄLLNINGEN

Tio år av underbar publik, glädje, sol och succéföreställningar i Kalmar – välkommen!

FUN HOME, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 30, 24/4 2017.

$
0
0

Manus och sångtexter Lisa Kron, Musik Jeanine Tesori, Översättning Ulricha Johnson, Regi Carolina Frände, Scenografi Jenny Kronberg, Kostym och mask Patricia Svajger, Ljus Karl Svensson, Ljud Simon Mårtensson, Kapellmästare Marika Willstedt, Koreograf Anna Ståhl, MED Frida Modén Treichl, Maja Rung, Mira Blommé Stahlhammer, Lily Wahlsteen, Fredrik Lycke, Birthe Wingren, Hugo Bremberg, Oskar Norgren, Samuel Falkner, Olle af Klercker, Emil Almén, Elin Skarin, Musiker: Marika Willstedt, Mats Persson, Sara Niklasson, Andreas Andersson, Thomas Lindberg

Teater kan träffa mej som en hästhov i bröstet. 
Jag vet inte varför jag kom på just den liknelsen, vad jag minns har jag aldrig blivit sparkad av en häst. Men du fattar vad jag menar? Som när man trillar ur gungan, eller klätterställningen, och faller handlöst rakt ner i lekplatssanden?  Luften går liksom ur en, och det gör så ont att man inte känner smärtan? 
Sånt kan visserligen hända på en vanlig talpjäs, men det är något med musikaler, jag antar att det är förhöjningen genom musik, som gör att det slår hårdare, träffar säkrare, djupare. Wermland Operas uppsättning av PARADE, i regi av Markus Wirta, är en sån där uppsättning som jag bara behöver tänka tillbaka på, så händer något i mitt känslominne. Det är samma sak om jag tänker på Charing Cross Theatres uppsättning av RAGTIME.
I den här uppsättningen får jag ingen spark, men det är nästan lite som fantomsmärtor: det finns något som berör, utan att jag direkt kan peka på vad.

Jag brukar försöka leva som om jämlikhetsrevolutionen redan var över, som om alla hade samma rättigheter. Och som om alla hade samma skyldigheter. Jag anser nämligen att skyldigheterna är nästan viktigare än rättigheterna, för utan rättigheter har du inga skyldigheter. 
Det är därför jag har bestämt mej för att inte hip-hurra-a när en kvinnlig chef blir tillsatt, eller när vi ser en person med icke-europeisk utseende på scenen. 
Det borde inte vara så jävla fantastiskt, eller hur? 
Tanken, eller inställningen, fick jag när jag läste om uttrycket Noblesse Oblige - adelskap förpliktar, något som jag tolkar som att de upphöjda, de förnäma, de viktiga, måste ta hänsyn till de lägre stående. 
Vilket i sej, för mej, betyder att om du inte behöver ta hänsyn, utan måste tas hänsyn till, specialbehandlas, så tillhör du inte ett styrande skick. 

Med detta sagt kan jag tycka att det är lite synd att man i Kulturhuset Stadsteaterns kreativa team i den här produktionen inte lyckades tillsätta kvinnor på Ljud och Ljus, inte för att männen inte gjorde ett bra jobb, utan bara för att då hade det varit en produktion helt skapad av kvinnor, på alla kreativa plan. 
Jag vet, det borde inte vara så jäkla sensationellt att kvinnor kan, men detta är i den första tonyvinnande musikalen skapade av ett helt kvinnligt team, någonsin.

Förlagan till musikalen, serieboken Funhome, kom 2006, och skrevs och ritades av Alison Bechdel, kanske mest känd för Bedhdel-Wallacetestet, med vilket man mäter en films framställning av kvinnor genom att helt enkelt fråga om filmen har två namngivna kvinnor som pratar med varandra om något annat än män.  

Musikalen och boken handlar om Alison Bechdels sexualitet, hennes förhållande till sin far, och hans hemligheter. Vi får följa den vuxne Alison hur hon ser tillbaka på sin barndom, och uppväxt i Funhome, som är en förkortning av familjens firma, Bechdel Funeral Home, och på sin studietid, när hon kommer ut som lesbisk. Hon spelas i musikalen av tre olika kvinnor: en medelålders kvinna, en student och ett barn. 
Musiken är skriven av Jeanine Tesori, den mest hyllade och produktiva kvinnliga kompositören i Broadways historia, tonsättaren till musikalerna VIOLET, THOROUGHLY MODERN MILLIE, CAROLINE, OR CHANGE, och SHREK THE MUSICAL.
 Det är dramatikerns Lisa Krons första musikal.

Efter flera workshops och omarbetningar hade musikalen premiär Off-Broadway  2013, och i Circle in the Square Theatre på Broadway i Mars 2015. Produktionen lades ner i november 2016, efter nästan 600 föreställningar. 
Vid Tony Awards 2016 nominerades man till 12 priser, och vann Bästa Musikal, Bästa Manus till en Musikal, Bästa Sångtext och Musik, Bästa Manliga Huvudroll, och Bästa Regi.


Jag såg den här uppsättningen på Kulturhuset Stadsteatern tre gånger. 
Då måste du verkligen ha älskat den, tänker du kanske?
Nej, kära du, svarar jag: det fanns delar, partier, stycken och saker jag gillade, men det fanns nästan lika mycket som jag inte tyckte om. Inte alls. Men det jag tyckte om övervägde det jag inte gillade, så det blev flera besök. Och nånstans: jag gick också tillbaka för att försöka definiera varför det inte funkade. För det borde varit så mycket bättre. 
Och i ärlighetens namn: det var inte svårt att få tag i biljetter. Den hittade liksom inte sin publik. 

Första föreställningen jag såg, den första publika, tror jag, hade man bjudit in någon slags lesbisk organisation, jag är lite oklar vilken. I alla fall var det genom dom jag fick min biljett: en kompis skickade mej en länk där jag anmälde mej. 
Jag förstår att man väljer att vända sej till den sexuella minoritet som - speciellt i musikalsammanhang - syns minst, om det inte råkar vara i amatörsammanhang där mansroller ofta görs om till kvinnoroller med lesbisk dragning, mest för att det saknas män på scenen.
Teatern vill ha goodwill, man vill klargöra att detta inte är ett snaskigt manligt avhandlande av sapfisk sexualitet, utan ett ställningstagande. Man är för lesbiskt synliggörande, vill man säga.
Saken är bara den att dessa kvinnor hade hittat hit i alla fall. Det fanns nog inte en flata i Skandinavien som inte visste vad FUNHOME var - både serieboken och musikalen - och att den skulle sättas upp på en scen i Stockholm. 
Rent medialt, och i gemene hens uppfattning, så gick produktionen genom denna gruppriktade marknadsföring från att vara en musikal om en lesbisk kvinna som försöker reda ut sin relation till sin döde far, till att bli den där musikalen för lesbiska
Det är lite som om man hade marknadsfört FIDDLER ON THE ROOF som en musikal för judar, eller DREAMGIRLS som en musikal för svarta. Visst, när jag såg din sistnämnda musikalen i London så tyckte jag mej i publiken ana en större svart demografi än vanligtvis, men det är för att musikalen talade till dom, inte för att den var marknadsförd specifikt till personer med afrogenetiskt arv. På samma sätt kan jag tänka mej att FIDDLER ON THE ROOF historiskt talar till judar på ett helt annat sätt än till en fet, ateistiskt fjolla från Öland. 
Men det blir lite som när mina - få - straighta vänner uppfattar det som om dom inte är välkomna att fira Pride, att gå på en gaybar eller hänga på homohak. Dom vill inte tränga sej på, dom vill inte störa, och i några få fall är dom kanske inte helt bekväma i det fysiska uttrycket av queer sexualitet, även om dom rent teoretiskt tycker att det är helt okej. Och jag förstår dom, jag är inte helt såld på vagina, även om jag förstår att det är vansinnigt populärt på sina håll.
Resultatet blir i alla fall att många som inte identifierar sej som lesbiska, väljer att inte gå dit, inte som ett avståndstagande, utan av ett slags respekt: detta är inte en musikal som vänder sej till mej, man vill inte ha mej där
I alla fall var det så några bekanta till mej resonerade. 

Och om jag ville vara en feministkverulant skulle jag kunna påpeka att föreställningen blivit behandlad lite som om teatern hade en surgubbe till teaterdirektör: man låter en musikal med övervägande manliga roller husera på stora scenen, medan en lesbisk musikal med övervägande kvinnlig besättning kläms in på ett mycket mindre utrymme. 
Men givetvis, ärligt talat; om uppsättningen hade varit fenomenastisk, så hade publiken hittat dit.
Hela produktionen slarvades bort, och lades ner alldeles för fort. Man hade premiär i slutet av april, och drygt en månad senare var det över. 


Det är nästan omöjligt att göra en bra översättning av en sångtext. Du kan vara den bästa översättare, den som är bättre än alla andra, och du kan göra den bästa översättningen, bättre än någon annan, utan att du eller den egentligen är bra. Tillräckligt bra. Det är i sej lite av en omöjlighet, nämligen. Översätta en modern pjäs är enklare, där behöver man inte förhålla sej till rim och man behöver inte förhålla sej till antal stavelser.
Och som översättare kan man inte vinna. En adekvat översättning är en översättning som inte sticker ut, inte märks, inte drar uppmärksamheten till sej. Det blir som att vinna i att vara anonym, att vara bäst på att vara medioker. 
Det var över lag väldig svårt att höra texten, så jag kan inte säga att det var några ställen som jag gillade eller ogillade. Med ett undantag, där jag slänger in en brasklapp att jag absolut inte tror att jag skulle göra det bättre, utan nämner det mer som ett exempel på hur svårt en översättare har det: Det finns ett vansinnigt roligt nummer i musikalen, suveränt framfört, men kanske lite handikappad av att det är lite omöjligt att översätta. Den sjungs av den medelunga studenten Alison när hon har haft sex med en kvinna, Joan, för första gången, och heter I’m Changing My Major
Major, på engelska kan föra tanken till flera saker: Det kan vara en titel på en militär, det kan vara något stort; något major, det kan betyda att en sång går i dur, till skillnad från i minor, moll, men det kan också, som här, betyda det huvudämne man studerar i college, som i ”I’m majoring in history.” 
Den svenska motsvarigheten skulle väl vara vilken linje man går på i gymnasiet, eller program, som man säger nu. 
I den engelska versionen får sången skratt nästan från början, efter raden I’m changing my major to Joan.
På svenska, har jag för mej, sjöng man Nu byter jag ämne till Joan. Och ingen skrattar. Givetvis, för ordet ämne, för oss, betyder inte nödvändigtvis ett ämne man studerar, utan tanken går först till samtalsämne, så vi tänker att hon byter samtalsämne till Joan. 
Det är först längre in i sången, när vi förstår att hon liknar Joan och hennes kropp vid sånt man kan studera, som skratten kommer. 
Men jag vet faktiskt inte hur man skulle kunna få ett adekvat skratt på den där textraden, utan att konstla till det, eller avvika från… ämnet. 
Nu tar jag examen i Joan?
Jag vill ta tentamen i Joan?

Jag hade en hel del åsikter om kostymerna. Alison Bechdel föddes 1960, och eftersom den unga Alison i den här versionen är lite väl ung, 8 år, till skillnad mot den kanske mer passande 10-åring på Broadway, så utspelar sej hennes historia under slutet av 60-talet. 
Här har man, tycker jag mej läsa in i kostymerna, istället placerat hennes barndom i vad jag tror är mitten av 80-talet, alltså nästan 20 år senare. Konstigt nog verkar det inte ha gått mycket tid när den något äldre Alison går på gymnasiet. Man verkar vara fast i 80-talet. 
Det finns en sång i föreställningen som i original heter Raincoat of Love,En Regnrock av Kärlek, och som är unga Alisons önskedröm om en lycklig, ”normal” familj som hämtad ur hennes favoritbarnprogram från 70-talet, dit hon drömmer sej när hennes föräldrar grälar. 
Lite som om jag råka hamna i Fem Myror Är Fler Än Fyra Elefanter, om jag inte haft en fantastisk bra barndom, antar jag. 
Som för att understryka titeln kommer alla deltagare in på scenen klädda i regnrockar, var och en i en färg ur prideflaggan, som skapades först 1978, och som nog mer är en blinkning åt publiken än något som borde vara relevant för den unga Alison, och jag tror att man hade behövt gå längre, om det ska vara verksamt som eskapism; in med paraplyer, glitterregn, rosa moln, silverspröt, såpbubblor och discokulor, för annars drömmen ganska fantasilös. Om hon drömmer sej bort, låt henne verkligen drömma sej bort, för annars blir sekvensen ganska oförståelig.
Det blir också lite konstigt, tycker jag, att familjen istället för att rikta sej mot den unga Alison, och bedyra hennes in kärlek, så liksom riktar dom sej ut mot publiken, så att det hela blir ett slags allmänt, lite mediokert shownummer.


Du vet det där skämtet om Alla, Någon, En eller Annan och Ingen?
Ett viktigt jobb behövde göras, och Alla var säkra på att Någon skulle göra det. En eller Annan kunde ha gjort det, men Ingen gjorde det. Någon blev förbannad, för det var Allas jobb. Alla trodde att En eller Annan kunde göra det, men Ingen insåg att En eller Annan inte tänkte göra det. Det slutade med att Alla skyllde på Någon när Ingen gjorde vad som kunde gjorts av En eller Annan.
Vad pratar jag om? Jo, jag har ingen aning om vems jobb det är; regissörens, scenografens, eller koreografens, men ibland blir det gjort, och ibland inte. I vissa föreställningar, där det blir gjort, kan det vara den stora behållningen, och i andra, där det inte blir gjort, som den här, så drar det ner det allmänna intrycket. 
Jag pratar om flytet, om scenografiska rörelser, om drivet, om scenbyternas koreografi. Det där som gör att vissa föreställningar bara rullar på, medan man i andra är mycket medveten om alla scenbyter, och bara väntar på att dom ska vara över. 
Det var väl Ingens ansvar, antar jag.

På Broadway spelade man i en slags cirkussittning: publiken satt på läktare runt omkring spelplatsen, som på en arena, och möbler och rekvisita hölls till ett minimum. Sängar, till exempel, kom upp ur golvet vid behov.

Klarascenen på Stadsteatern är en black box, och av någon anledning har man tyckt det passande att istället för att bara rulla in en soffa, om en sån behövs, eller låta den stå inne på scenen hela tiden, så har man byggt stora vagnar för alla spelplatser i pjäsen; vardagsrum, kök, sovrum, hotellrum och studentrum kommer inrullande, måste låsas så att de inte fortsätter rulla, och sen ska de låsas upp, och rullas ut. Det tar tid.
Och kanske hade man inte märkt så mycket av det om de bakre väggarna i rummen varit så höga att de dolde den eller de som utför bytet, men de flesta slutar i brösthöjd, så vi ser klart och tydligt personen när den antingen kommer in och gör sej klar att rulla ut vagnen som man just spelar på, vilket är lite distraherande, eller ännu värre: när den går in och ställer sej vid en annan vagn i scenrummet, i väntan på att rulla ut den. 
Jag har länge tyckt att JEKYLL OCH HYDE, som 2008 spelade på Chinateatern, var den musikaluppsättning där scenografin stjälpte hela lasset - man hade två trappor som hela tiden behövdes rullas fram eller tillbaka för att man skulle kunna spela, och massor av scentekniker som måste in och göra det - men den scenografin var i alla fall fascinerande och fruktansvärt vacker.
Här utförs scenbyterna ibland av skådespelare, och ibland av scentekniker, utan att jag hittar någon bakomliggande tanke, och som alltid på scenen blir det förstås mycket intressantare att titta på det som man inte ska se. Speciellt i början, innan vi vet vilka som är scentekniker och vilka som är roller i föreställningen, så är det väldigt intressent så fort det dyker upp en ny person längre bort på scenen. 

Scenografiskt handlar det här om en kvinnas minnen av ett hem och av en pappa som var helt besatt av ett hus, och det är svårt att tänka sej att detta är scenografin man eftersträvade, eller nöjde sej med. 
Man behöver inte se ett helt rum för att få uppfattningen av hur det ser ut. Faktum är att det i många fall är mer produktivt att bara antyda, att låta publiken själv fantisera och fylla in. 
För vad vi får se är inte alls imponerande, vad gäller inredning.
Som Joan Crawford, spelad av Faye Dunaway, säger i Mommie Dearest: If you can't do something right, don't do it at all.
Jag menar, jag förstår att scenografin är genomtänkt, men jag begriper inte tanken. Det berättas att pappans största intresse var att  återskapa ett viktorianskt hem, och utomstående personer som besöker hemmet för första gången har repliker som berättar att dom imponeras av hur det ser ut, i pjäsens början kommer det till och med en besökare från den lokala historiska förening för att titta på hans återskapande av byggnaden.
Med det vi får se är inte ett viktoriansk rekonstruktion, utan en ganska kitschig, osentimental, ganska slarvig och oinspirerad inredning, vilket ger en bild av pappan som en ganska inkompetent rekonstruktör, och hans livsverk blir något amatörmässigt, mediokert.  

Visserligen är det lönlöst, men jag leker med tanken på hur det hade varit om scenografin sett ut som när man går in på vissa privatägda andrahandsbutiker, du vet, dom där som ligger i garagelokaler under gamla hyreshus, med stolar hängande i taket, högar med tyger, gamla läderväskor, belamrade bord.
Eller tänk om hela scenen hade varit täckt av vita lakan, såna där som man lägger över möbler för att skydda dom, och hur Alison kunde gått bort tyger från möbler, och hur skådisar kunde ha gömt sej därunder, och börjar spela? 
Eller en helt hög, som en majbrasa, av möbler på scenen?
Nånting, i alla fall. Nånting inspirerat och inspirerande. 

Som John Greenleaf Whittier sa: Of all sad words of tongue or pen, the saddest are these, 'It might have been.

Men, herrejösses, kanske du tänker: vad gillade människan, egentligen? Varför såg han den tre gånger, om det fanns så mycket han hade invändningar emot?

Om man liknar en föreställningen vid en människokropp, så är själva pjäsens text, och eventuell musik, själva skelettet, och skådisarna är muskler. Scenografi, kostym, koreografi, ljus och ljud är hud och hår, och regin, antar jag, är inälvor och hjärna, det som får det hela att fungera, tillsammans. 
Den övervägande anledningen till att jag såg den här förställningen fler än en gång, var skelettet och musklerna. Text, musik och skådisar.

Vi borde alla tacka och bocka för Fredrik Lycke. Och Maja Rung. De är underbara muskler, vi kan kalla dom Gluteus Maximus och Biceps Brachii, och jag har svårt att tänka mej hur denna uppsättning skulle fungera utan dom. 
Jag älskar en minnespjäs, som GLASMENAGERIET, eller JAKES KVINNOR, eller EN UPPSTOPPAD HUND. Det finns något underbart, smärtsamt, tillfredställande i att uppleva ögonblick som redan är över innan dom upplevs, att veta att det som händer hände då, inte nu.
Fredrik Lycke gör något underbart; han spelar inte sin egen tragedi. Där andra skådisar kanske skulle lägga in ett slags melankoliskt sordin, antyda det sorgliga slutet redan från början, är han solig, lednadsglad, full av liv och levande. Den ende som är död på scenen är den mest levande.
Det svåra med hans roll, som egentligen inte har med skådisen att göra, utan med regin, och gäller också alla andra skådisar som inte spelar Alison, är att eftersom detta är en tillbakablick, där hans dotter genom att minnas och fantisera försöker luska ut vad som hände, finns det scener där hon var med, och verkligen minns, och scener där hon bara kan fantisera om vad det var som verkligen hände.
Jag märker ingen skillnad i regin av scener som genom Alisons minne är ett slags dokumenterade sanningar, och såna som är hennes antaganden, hennes funderingar, hennes fantasier.  

Maja Rung har två underbara stunder på scenen, dels den ovannämnda sången om att byta ämne till Joan, dels en scen där hon har bestämt sej för att besöka gaystudenterna, men inte riktigt vågar.
Även Elin Skarin, i en mindre roll, är en klart fascinerande tillgång, en Pectorialis Major. Hon har något underbart hemlighetsfullt över sej, som en katt, och det ska bli intressant att se henne bita i något större. 
Mammans roll, kvinnan som under flera år har levat med vetskapen att hennes man har förhållanden med män, och att han antingen är bisexuell eller homosexuell, är svår att hantera. I en hetero-feministisk pjäs hade det varit ganska lätt att veta var man skulle lägga sympatierna - stackar kvinna, hennes man är bög! - men här i en pjäs där majoriteten av rollerna är homosexuella, så måste hon hanteras på ett annat sätt. 
Hon har en fantastisk sång som i original heter Days and Days, där hon inser, och klargör, hur det kommer sej att ha undan för undan har funnit sej i sin situation. Hur - tolkar jag - hon har fått från en levdnadsglad skådespelerska till en avsexualiserad kvinna i koftkokong.
Tyvärr, tycker jag, har man inte riktigt tagit tag i hennes historia. Hon förblir något av en outnyttjad muskel. Kanske är man rädd att om man låter hennes verklighet bryta igenom så skulle det på något sätt kunna uppfattas som homofobiskt? 

Den här musikalen påminner mej om SUNDAY IN THE PARK WITH GEORGE, en musikal av Stephen Sondheim och James Lapine som handlar om George Seurat, en pointillistisk konstnär, och vi får följa tillblivelsen av ett av hans mästerverk, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. Han rusar handgripligen in på scenen och deltar i mästerverket han målar, tar bort glasögon, rättar till, byter ut.
Här får vi istället se en konstnär som skapar ur minnet, och det är lite oklart om det vi ser är minnet, eller den verklighet hon väljer att visa upp. 

Jag ganska svårt för hur man har hanterat den vuxna Alison Bechdel, tolkningen av henne och hennes funktion i den här produktionen: från att ha varit en rolig, förnumstig liten flicka, en vansinnigt rolig tonåring, förvandlas hon som medelålders till en humorlös, svårt seriös patostyngd protagonist. Vad hände på vägen? Det är svårt att förstå att hon och vi ser samma saker spelas upp framför oss, att det är hennes minnen, eller tolkning, som spelas upp. För oss är det en slags vemodig komedi, men hon har ett förhållningssätt till det berättade som om hon varit vittne till en ny förintelse, och detta är hennes redogörelse.
”Förstår ni hur viktigt det här är, förstår ni hur jag har lidit,” verkar hon säga, medan vi har en bild av en underbar, humorfylld barndom, och en fascinerande livshistoria, med ett olyckligt slut.
På något sätt är detta nämligen inte hennes historia vi följer, inte hennes berättelse. Hon agerar liksom i periferin, och känns inte riktigt involverad i sin egen historia. Det är som om hon kommer med ett alternativ, lite som hur syskon kan ha helt skilda uppfattningar om sin barndom, eller hur klasskamrater kan ha vilt varierade bilder av sin skoltid. 
Det känns som om det saknas något i hennes förhållande till det förgångna: om du hade chansen att gå omkring i en slags 3D-version av din barn- och ungdom - förutsatt att den var någorlunda lycklig, och att du ville återuppleva den - skulle du då slösa tid på att aktivt känna efter hur allt som händer påverkar dej, eller skulle du försöka ta in så mycket som möjligt, för att kanske bearbeta det senare?
När jag kom hem från en utlandsresa för fem, sex år sen, upptäckte jag att jag hade tagit en massa foton, och filmat ännu mer, men inte fått några emotionella minnen. Jag kunde se på bilder och film att jag stod vid ett monument, en gata eller något annat specifikt ställe man skulle besöka, men jag hade ingen uppfattning om hur det var att vara där. Om de digitala minnena på något sätt raderats hade jag inte haft många verkligen minnen kvar. 
Sen dess har jag bestämt att filma och fota lika mycket - jag slår vad om att du tänkta att jag skulle skriva att jag skulle filma och fota mindre! - men att jag också skulle lägga ner kameran och känna efter. Lite som att blunda och hoppa: man bara känner efter, låter sej påverkas, lämnar ut sej, låter känslor komma. 
Nu vet jag har det känns att gå över kedjebron i Budapest, åka luftballong, eller vandra runt i Sala Silvergruva; nu minns jag hur absurt det kändes att se ett gäng turistande japaner komma paraderande under solskyddande parasoll bland skorstensklipporna i Kappadokien. 
Men jag har också bild- och filmbevis.

Vad jag vill säga är att det känns som om den vuxna Alison gör är en variant på att blunda och känna efter. Men hon distanserar sej på något sätt. Istället för att vara närvarande och bli påverkad, så känns det som om hon vänder inåt och aktivt analyserar hur allt påverkar henne: Som om hon ställer sej frågan: hur känns det för mej att se min döda pappa igen. Vad får jag för känslor när jag ser det här rummet igen? Hur påverkar det mej att minnas mej själv som barn?

Rent sceniskt har man också skuffat undan henne. Stora delar av scentiden befinner hon sej på scenens vänstra sida, bakom ett skrivbord, utan någon som helst kontakt med det som händer på scenen. Hon tecknar, antar jag, men jag har inget minne av att hon direkt blir inspirerad av det som händer på scenen, eller att det som händer på scenen sker för att hon tecknar det. 
Hon ligger liksom utanpå, och istället för att bli en huvudroll så känns hon mer som någon som försöker ta sej in i historien, som verkar pågå utan henne. 
De gånger hon går ut på scenen, träder in i dåtiden, som när hon lämnar över en dammtrasa till pappan i en scen, blir det väldigt intressant, och jag hade föredragit att hon följt spelet, deltagit mer. 
Kanske hade alla scenbyten funkat om hon, ensam, varit den som puttat vagnarna? Kanske kunde hon gått in och, plockat, och bytt ut, så att det förtydligades att detta var hennes verklighet, som hon väljer att se den?

Jag ser redan fram emot nästa uppsättning av den här musikalen, och jag hoppas att den kommer snart. 


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar



THE HUMANS på Playhouse Teater: 

Ibland, ganska ofta, föredrar jag en reading framför en fullt utförd föreställning. Varför? Därför att det finns något levande, vacklande, trevande över det hela. Inget är klart, ingen är färdig, och det känns som om skådespelarna - trots att dom ofta är mycket bekanta med materialet - upptäcker pjäsen tillsammans med oss, publiken. 


ROYAL CHORAL SOCIETY PRESENTS MESSIAH ON GOOD FRIDAY, Royal Albert Hall: 

"Det finns människor som låter sin jäsande ilska gå ut över oskyldiga. Som tycker att dom har rätt att fräsa ifrån, om dom känner sej irriterade. Lyckligtvis är varken jag eller Patti-Li såna. Min mest irriterade ovana, tror jag, är mitt ältande. Ett släktdrag, tror jag, som jag fått från mor och mormor. Men jag försöker låta bli. Trots att jag vill börja mala om vad som kan hända, vad som skulle kunna hända, och vad vi gör om det som händer händer, så försöker jag vara tyst. 
Missar vi planet så missar vi planet, försöker jag tänka. 

Det här verkar inte vara en vidare dag."


THE BRAILLE LEGACY på Charing Cross Theatre i London:

"Grundkänslan finns där, den humanitära goda viljan i en värld av illvilliga. Men man berättar den lite som om det vore dålig barnteater. Boven är så ond att de goda framstår som nästintill lobotomerade, eller drogade, för att dom inte uppfattar hans sura blickar, demoniska suckar och hatiskt framförda repliker. Det ger ett skadligt intryck av de som ska framstå som sympatiska förlorar sympati eftersom de verkar så urbota korkade."



Nu har du chansen att inte missa Kamraternas ENLEVERINGEN på Årsta Teater.

$
0
0

Om du bara har tänkt att du ska se en sak i sommar så ska du välja den här, för du kommer att få mersmak och gå på andra saker. 
Foto Mikael Silkeberg

Om jag skulle försöka göra som en vinprovare, du vet "Det här vinet smakar torv, knivsudd sparris, och med en fläkt av jordkällare och Åland," och försöka beskriva Kamraternas uppsättning av Mozarts ENLEVERINGEN, i regi av Dan Turdén, på Årsta Teater, så skulle det se ut lite såhär: 
"Den här föreställningen fick mej att tänka på The Undbreakable Kimmy Schmidt, Stephen Kings Lida, Dunderklumpen, Gunnel Lindbloms Ensam Hemma Åker Gungstol, Alice i Underlandet och När Lammen Tystnar.

Innan jag gick på föreställningen tittade jag igenom en annan filmad version av operan, och klarade inte av att titta igenom hela. Det var så segt, så fånigt, dåligt, och sådär felaktigt skrattretande som vissa operauppsättningar kan vara. 

Det var aldrig någon chans att jag inte skulle gå och se Kamraternas version, men jag ställde mej ganska frågande till varför man valt just denna malpåsedoftande verk, och vad man egentligen skulle lyckas åstadkomma.

För, förstår du, om du inte känner till originalet, så är det väldigt spännande, men om du är bekant med originalhistorien, då kommer du att få följa med på en sjukhelsikes resa. 

Du har nio datum, så någon dag borde nog passa in: 

Alla föreställningar kl 19.
Juni: 20, 26, 28, 30
Juli: 2 (OBS kl 16), 3, 5, 7, 9 (OBS kl 16) 


Här är deras HEMSIDA
Och biljetter köper du HÄR.

Givetvis kommer en mer utförlig analys om några veckor.

LÖWENSKÖLDSKA RINGEN, Uppsala Stadsteater, föreställning 31, 26/4 2017.

$
0
0

Av Selma Lagerlöf, Dramatisering: Anna Azcárate & Camilla Blomqvist, Regi: Anna Azcárate, Koreografi: Camilo Ge Bresky, Dramaturg: Marie Persson Hedenius, Scenografi & kostym: Nina Fransson, Ljus: Jonas Nyström, Mask: Marie-Louise Hellberg, Medverkande: Emil Brulin, Anna Carlson, Lolo Elwin, Harry Friedländer, Joakim Gräns, Linda Kulle, Lindy Larsson, Gustav Levin, Moa Silén, Gloria Tapia, Emelie Wallberg.

Jag är inte onyttigt neurotisk, jag är snarare onödigt energisk, men tidtabeller gör mej nervös. Och biljettköp. 
Vanligtvis reser jag tillsammans med min kompis Patti-Li Leuk, och då är det alltid han som bokar och beställer, och jag dyker bara upp, packad och klar.
Den här gången ska han inte med. Den här gången måste jag fixa allting själv. 
Snygg, dramatisk uppbyggnad, eller hur? Man riktigt undrar vart det är jag är på väg: Tokyo, Sydney, den thailändska övärlden…

Jag ska till Uppsala. 

En av mina största teaterupplevelser är Royal Shakespeare Companys filmade scenversion av Charles Dickens Nicholas Nickleby, från 1980, i regi av John Caird och Trevor Nunn, som också tillsammans regisserade LES MISERABLES. Det är en över åtta timmar lång scenföreställning som brutits av till fyra teveprogram. 
Jag hade förväntat mej att detta skulle vara något liknande. Givetvis inte lika bra, men i samma genre, en slags levande litteratur, där författarens språk, inte bara dialogen, togs tillvara. Selma Lagerlöfs storhet, liksom hos de flesta författare, ligger inte i hur hon knåpade ihop repliker. Hon var ingen Neil Simon.

Löwensköldska Ringen, trilogin, består av tre delar: Löwensköldska Ringen, Charlotte Löwensköld och Anna Svärd. Jag har bara läst den första boken, för flertalet år sen, men jag minns att jag då tänkte att det skulle bli en underbar, fysisk förställning, en sån där som kräver en hel mimklass för att framföras.
Uppenbarligen håller inte regissören med mej, för hela det första verket skummas över som en mycket statiskt och otydligt berättad spökhistoria, framförd av två pojkar för att skrämma en liten flicka, samtidigt som dom nästan våldtäcktshotande stoppar i henne choklad. Och det sceniskt konkreta tar över: trots att jag känner till vad som berättas i den första boken har jag svårt att hänga med i det abstrakta berättandet. Vem gjorde vad mot vem? Man verkar mer intresserad av att iscensätta ett övergrepp än att förtydliga vad som har hänt. Kanske har man valt detta för att ursäkta vad kvinnan gör när hon växer upp: hon är liksom oskyldig: hon är inte en förövare; hon är ett offer.
Man kan inte berätta två saker på en gång: den rent fysiska situationen berättar en sak, med hotfull tydlighet, och det är lite svårt att engagera sej i vad det två pojkarna babblar om. Skulle du kunna hänga med handlingen till Krig och Fred om Freddie Kreuger återgav den samtidigt som han cirklade ett av sina offer med rakbladshandske höjd? Antingen slutar du lyssna, eller också bryr du dej inte lika mycket om någon blir köttfärs, du vill höra hur det går för alla dom där Ryssarna.

Jag, som verkligen sett fram emot att få se det hela iscensatt, har lite svårt att förstå, att ta in att man har gjort ett så odramatiskt vålm som att riva av den första boken i en slags prolog. Det är lite som om man skulle försöka framföra Sagan Om Ringen, och sen börjar med att bara referera hela den första boken. Varför utlova att man berättar en trilogi om man sen inte gör det? Är det för övermäktigt, så välj att bara framföra en del, det skulle räcka nog, det är inte vi, publiken, som har krävt att allt måste berättas på en kväll, det är teatern som - felaktigt - har utlovat en episk saga. 

Men jag försöker skaka av mej min besvikelse för att kunna hänga med i de två av mej olästa delarna, Charlotte Löwensköld och Anna Svärd. 

Det hela handlar om en förbannelse över en släkt. Varför? Nja, då får man försöka hänga med i den där första, förvirrande prologen. Vi kan nöja oss med att dom är förbannade, Löwensköldarna. Och det har egentligen ingen direkt konsekvens i bok två och tre, förutom att det liksom tar ansvaret ifrån styckets bov, en kvinna som är dotter till kvinnan som kastat förbannelsen, att tre Löwensköldar ska dö en våldsam död, därför att… Ja, varför? Om jag nu inte kollar upp det här på Wikipedia, utan försöker resonera: för att hennes fästman, bror och far hängdes för att dom ansågs skyldiga till stölden av ringen? Men var det någon Löwensköld som var domare, eller polis, eller varför är just den släkten skyldig?
Post-Wikidpedia-koll: Japp, det var tydligen en ryttmästare Löwnsköld som lyckades få de tre männen avrättade. 
Men som sagt, det spelar ingen roll.

Del två och tre i trilogin, den del som man avhandlar på scenen, berättar om Karl-Artur Ekenstedt från en rik familj, som bestämmer sej för att bli fattig präst, och om de tre kvinnorna omkring honom, den Onda, den Goda, och Dalkullan. En man som har så många kvinnor snurrande runt sej borde vara ganska karismatisk, men har verkar det nästan som om man varit lite rädd att göra honom för intressant, så vi får aldrig se vad det är som gör honom så fantastisk, vilket i sin tur får kvinnorna som älskar honom att framstå som våp. Om vi hade förstått vad dom såg i honom, så kanske vi hade förstått deras val.
Man har också gjort det ganska oförklarliga valet att låta långa, stiliga Lindy Larsson spela den godhjärtade brukspatronen Schagerström, en man som - tvärtemot den skådis som spelar honom - inte verkar ha någon vidare dragningskraft. Där det kanske hade varit mer dramatisk intressant om vi med tiden hade upptäckt vilken god man han är, och vilket kap han är, ser vi det med en gång, och undrar vad det är för fel på Den Goda, som löper efter prästen.

Du vet det där uttrycket att en kamel är en häst, designad av en kommitté? Den här produktionen känns i många fall som en kamel, det är så många konstnärliga beslut som verkar sakna en övergripande blick. Från den omdömeslösa föresatsen  - vi hade kallat den genial om man hade lyckats - att bestämma att man ska iscensätta alla tre delarna i trilogin, till själva dramatiseringen, till den oskarpa, luddiga regin, som resulterade i en föreställning där det känns som om skådespelarna inte har lyckats få en överblick över sin och verkets dramatiska båge, vad det är man berättar, och hur man berättar det. Jag är säker på att skådisarna visste vad dom höll på med, jag menar att det bara framgick lite som om dom i många fall inte visste att deras karaktär hade en bror, och att den brodern just nu stod bredvid dom.

Det är i själva berättandet det brister, och jag antar att det kan skyllas på dramaturgi och regi. I böcker får vi i texten lära känna personernas inre, deras tankar, deras viljor, deras intentioner. I dramatiken måste den delen av berättandet bäras av regi och replik. Här känns det ibland som om man inte har tid med tydliga vändpunkter, man har så mycket att berätta att man inte hinner med att berätta, liksom. 
Jag tänker på filmen Sunset Boulevard, och på repliken: So they opened their big mouths and out came talk. Talk! TALK! 
Det verkar inte finnas en gemensam vilja att framföra historien, att tillsammans vara övergripande tydliga, utan det känns nästan som alla bara fått en liten del av pusslet, och att vi, publiken, ska försöka få ihop det hela. Så basala saker som släktförhållanden, speciellt viktiga i den här typen av krönika, förblir otydliga. Till och med nu, när jag liksom har facit i hand, tror jag mej inte kunna återge handlingen, eller reda ut vem som var släkt med vem, och riktigt vem tanten som gick uppför väggarna var. 

Vad jag uppskattar är kostym, mask och scenografi, skådisarna och de punktinsatta koreografiska momenten. Jag hade också önskat att ljuset fått ta större plats.
De gånger aktörerna inte blivit koreograferade, känns det som om man blivit regisserade i en alldeles för liten replokal. Man står för det mest rakt upp och ner, på vänster eller höger scensida, väldigt sällan i mitten. Allt på scenen, både rörelse och berättande, stannar av när koreografen inte varit närvarande, känns det som. Det är som om man slår av och på inspirationen: man bjuder på maffiga sceniska bilder, med intressanta aktioner, och sen kommer partier som är totalstatiska. 

Jag tror fortfarande att Löwensköldska Ringen skulle kunna bli en underbar, fysisk föreställning.


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar


FUNHOME på Kulturhuset Stadsteatern: 

Jag brukar försöka leva som om jämlikhetsrevolutionen redan var över, som om alla hade samma rättigheter. Och som om alla hade samma skyldigheter. Jag anser nämligen att skyldigheterna är nästan viktigare än rättigheterna, för utan rättigheter har du inga skyldigheter. 
Det är därför jag har bestämt mej för att inte hip-hurra-a när en kvinnlig chef blir tillsatt, eller när vi ser en person med icke-europeisk utseende på scenen. 
Det borde inte vara så jävla fantastiskt, eller hur? 


THE HUMANS på Playhouse Teater: 

Ibland, ganska ofta, föredrar jag en reading framför en fullt utförd föreställning. Varför? Därför att det finns något levande, vacklande, trevande över det hela. Inget är klart, ingen är färdig, och det känns som om skådespelarna - trots att dom ofta är mycket bekanta med materialet - upptäcker pjäsen tillsammans med oss, publiken. 


ROYAL CHORAL SOCIETY PRESENTS MESSIAH ON GOOD FRIDAY, Royal Albert Hall: 

"Det finns människor som låter sin jäsande ilska gå ut över oskyldiga. Som tycker att dom har rätt att fräsa ifrån, om dom känner sej irriterade. Lyckligtvis är varken jag eller Patti-Li såna. Min mest irriterade ovana, tror jag, är mitt ältande. Ett släktdrag, tror jag, som jag fått från mor och mormor. Men jag försöker låta bli. Trots att jag vill börja mala om vad som kan hända, vad som skulle kunna hända, och vad vi gör om det som händer händer, så försöker jag vara tyst. 
Missar vi planet så missar vi planet, försöker jag tänka. 

Det här verkar inte vara en vidare dag."



FRUN FRÅN HAVET, genrep på Dramaten, föreställning 32, 29/4 2017,

$
0
0

Av Henrik Ibsen, Regi Sofia Jupither, Bearbetning Mari Vatne Kjelstadli och Sofia Jupither, Scenografi Erlend Birkeland, Ljusdesign Ellen Ruge, Kostym Erlend Birkeland, Peruk och mask Natalie Pujol, Översättning Klas Östergren, med Eva Röse, Alexander Salzberger, Andreas T Olsson, Johan Holmberg, Magnus Roosmann, Rakel Benér Gajdusek, Bengt Braskered, Electra Hallman

1889 hade den här pjäsen två världspremiärer samtidigt, på Christiania Theater i Oslo - som då hette Kristiania - och på tyska Hoftheater Weimar, och lite senare samma år sattes den upp på Kungliga Dramatiska Teatern. Eftersom det teaterhus som vi idag kallar Dramaten inte stod färdigt förrän 1908, så antar jag att man antingen spelade i Gustav III:s Operahus, eller, och detta är troligare, i Mindre Teatern, en byggnad som uppfördes 1842 vid Östra Trädgårdsgatan, nuvarande Kungsträdgårdsgatan, och som revs 1910, för att ge plats för Stockholms Enskilda Bank.
Vid den här tiden hade Ibsen redan skrivit PEER GYNT, ETT DOCKHEM, VILDANDEN, GENGÅNGARE, EN FOLKEFIENDE, och hade två år tidigare avslutat ROSMERSHOLM, men han hade ännu inte skrivit HEDDA GABLER och JOHN GABRIEL BORKMAN, eller BANKDIREKTÖR BORKMAN, som Kulturhuset Stadsteatern kallade den när dom satte upp den tidigare i våras. 
Det visar sej, när jag tittar tillbaka, att jag har sett en hel del Ibsen, utan att någon produktion riktigt har gjort något vidare intryck. 
Jag undrar varför. 

Det bygger på en norsk folkvisa, Agnete og Havmanden, som handlar om en kvinna som överger man och barn för att leva med en havsman - en slags manlig sjöjungfru, antar jag - i havet. Hon lever med honom i många år och får flera barn, tills hon en dag hör kyrkklockor, och ber honom att resa tillbaka. I vissa versioner stannar hon på land, och i andra kommer hon tillbaka till havsmannen. Hon verkar inte vara vidare barnkär, måste jag säga. 

Här handlar det om dottern till en fyrvaktare som gifter sej med en läkare, en änkling med två döttrar. Dom bor långt in i en fjord, och hon har sen några år börjat längta tillbaka till havet. Så en dag berättar hon att hon som ung förlovade sej med en sjöman, och svor att vänta på honom. Några scener senare dyker det givetvis upp en främmande man, redo att ta henne med sej. Vem ska hon välja? 
Det finns också en mer intressant handling, en slags tjechovsk underordnad historia om den äldre  av hennes styvdöttrar, som uppvaktas av sin lärare - som på grund av en missuppfattning tror att hon är förälskad i honom - och som till slut väljer att gifta sej med honom som den enda chansen att få komma ut i världen. Hon dyker senare upp i ett annat verk av Ibsen, BYGMESTER SOLNESS.

Översättningen av pjäsens titel är lite av ett problem, tycker jag. På alla andra språk heter den motsvarande Kvinnan Från Havet, och jag gillar det bättre. Det ger en bild av en naturälskande, fri person som lite botticelliaktigt stiger upp ur vattnet. Frun, för mej, ger bilden av en dyngsyr Filifjonka, och ordet i sej medför att hon är ofri, att hon är borgerligt bunden till någon, medan bilden man vill visa upp är ju av en kvinna som längtar tillbaka till havets frihet. 
Eller? Nu när jag skriver inser jag att hon ju inte alls är fri, om man med det menar obunden: hon kan välja mellan två män, och den enda frihet hon har är friheten att välja. Lite som förr i tiden när den sista gången en kvinna hade en egen vilja, makt över män och sitt liv, var när hon tackade ja till ett frieri. 
Kostymt har man valt att placera handlingen i nutid, men det känns som om någon glömt bort att berätta det för dramaturgen, vilket gör att personerna i pjäsen agerar utifrån väldigt konservativa och konventionella spelregler. En person går omkring döende i en lungsjukdom som jag misstänker att man idag antingen kan bota, eller medicinera, andra uppför sej som om skiljsmässor inte existerade. När den äldsta dottern antar att den enda chansen att ta sej ut i världen är att  att gifta sej med sin lärare, så går det en väldigt skev bild av henne och av nutida feminism. Att hon själv väljer att bli en slags troféfru, karikerar henne som en slag passiv golddigger.
Den  mycket attraktiva och intressanta scenografin föreställer altanen och baksidan av vad som verkar vara en någorlunda modern sommarstuga, med ytterväggar, plank och däck av gråmålade, tryckimpregnerade horisontlagda plankor, och jag associerar till en slags sepiavariant av dom där poolmålningarna av Hockney.  

Den här uppsättningen känns väldigt modern, eller amerikansk. Den är avskalad, kort, okomplicerad, lättfattlig, nästan novell-enkel. När det är som bäst tangerar den Tjechov, speciellt i Bengt Braskereds kärlekskranke lärare, och i Andreas T. Olssons kulissmålare som stannade kvar i byn, och blev något av en överlevnadsexpert, och när det är som sämst så är det lite som en opera utan orkester, som en telenovela utan soundtrack.
I de riktigt stora känslorna, och i de otroliga, teatrala händelserna, är det - tycker jag - viktigt att leta i det lilla. Om min granne ringde på och meddelade att världen var på väg att gå under, så skulle jag inte omedelbart börja slå mej för bröstet, lamentera och förbanna livet. Jag skulle behöva tid för att hamna där. Han hade antingen behövt ringa på några gånger, med sämre och sämre prognoser, eller också hade han verkligen behövt genomföra en tidskrävande övertalning, med tydliga bevis och talande tecken. 
Här, när otroliga historier framförs och sensationella sammanträffanden sker, så accepteras dom till hundra procent med en gång, utan tvekan, utan ifrågasättande, utan försök till att genom humor försöka lätta upp eller mildra.
Jag vet att det är så på teatern: någon säger plötsligt något om en hemlig ungdomsförälskelse till ett apotekarbiträde från Rotterdam, och givetvis så ringer det ganska snart på dörren, och där står han, med en lam historia om en bil med soppatorsk, eller också får vi veta att Lord Oystersauce har en syster som sveptes iväg av en översvämning, och i nästa scen berättar pigan för butlern att hon som liten hittades ilandspolad på Themsens strand. 
Här får vi först veta att den lungsjuke konstnären ska måla en tavla inspirerad av en historia som han fått berättad för sej av en man han träffat på sjön för några år sen, sen berättar kvinnan att hon för tiotalet år sen varit förlovad med en sjöman, och sen, givetvis, redan samma dag, kommer han på besök. 
Kanske hade det varit bättre, i en sån här kortversion, att mannen först dök upp, och att vi sen fick höra historien. Jag vet att det är en väldigt odramatisk lösning, men jag tror att den hade gjort det hela lättare att köpa. 
Jag hade också uppskattat lite humor och värme i utmejslandet av titelrollen. Flera personer är dragna, förälskade och älskar henne, men det är lite svårt att förstå vad det är som lockar med den här tragiska, dystra och melankoliska kvinnan.
Vad jag förstår försöker hon dölja sin oro och sin längtan till havet från de andra, men hon lyckas inget vidare. Det är klart och tydligt för alla och en var att hon har problem, att hon inte trivs, att hon är orolig. Hon påminner mej om en vän jag hade i gymnasiet, en mycket självupptagen kvinna som såg sej själv som huvudrollen i en egenhändigt dramatiserad tragedi: hade hon inte kärleksproblem så hade hon ont i huvudet, eller ryggsmärtor, och om inget värkte så bar hon stoiskt omvärldens inbillade illvilja. Jag antar att alla hennes problem egentligen bara var ett underbart sätt att slippa bry sej om någon annan. 

Jag antar att man med uppsättningen vill säga någonting om om trohet, tvång och tvåsamhet, jag är bara inte säker på vad, eller om jag håller med.  


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman

- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar

LÖWENSKÖLDSKA RINGEN på Uppsala Stadsteater: 

Jag är inte onyttigt neurotisk, jag är snarare onödigt energisk, men tidtabeller gör mej nervös. Och biljettköp. 
Vanligtvis reser jag tillsammans med min kompis Patti-Li Leuk, och då är det alltid han som bokar och beställer, och jag dyker bara upp, packad och klar.
Den här gången ska han inte med. Den här gången måste jag fixa allting själv. 
Snygg, dramatisk uppbyggnad, eller hur? Man riktigt undrar vart det är jag är på väg: Tokyo, Sydney, den thailändska övärlden…

Jag ska till Uppsala. 


FUNHOME på Kulturhuset Stadsteatern: 

Jag brukar försöka leva som om jämlikhetsrevolutionen redan var över, som om alla hade samma rättigheter. Och som om alla hade samma skyldigheter. Jag anser nämligen att skyldigheterna är nästan viktigare än rättigheterna, för utan rättigheter har du inga skyldigheter. 
Det är därför jag har bestämt mej för att inte hip-hurra-a när en kvinnlig chef blir tillsatt, eller när vi ser en person med icke-europeisk utseende på scenen. 
Det borde inte vara så jävla fantastiskt, eller hur? 


THE HUMANS på Playhouse Teater: 

Ibland, ganska ofta, föredrar jag en reading framför en fullt utförd föreställning. Varför? Därför att det finns något levande, vacklande, trevande över det hela. Inget är klart, ingen är färdig, och det känns som om skådespelarna - trots att dom ofta är mycket bekanta med materialet - upptäcker pjäsen tillsammans med oss, publiken. 



Viewing all 815 articles
Browse latest View live