Quantcast
Channel: Minst En Gång i Veckan
Viewing all 815 articles
Browse latest View live

THE MOUSETRAP, St. Martins Theatre, London, föreställning 89 22/11 2016.

$
0
0

Av Agatha Christie, regi Hugh Ross, med Karen Archer, Simon Haines, JamieHutchins, Christopher Knott, Hannah Lee, Simon Roberts, Tom Rooke, Kirsten Hazel Smith. 

If these old walls,
If these old walls could speak
Of things that they remember well,
Stories and faces dearly held,
A couple in love
Livin' week to week,
Rooms full of laughter,
If these walls could speak.
If these old halls,
Hallowed halls could talk,
These would have a tale to tell
Of sun goin' down and dinner bell,
And children playing at hide and seek
From floor to rafter,
If these halls could speak.
They would tell you that I'm sorry
For bein' cold and blind and weak.
They would tell you that it's only
That I have a stubborn streak,
If these walls could speak.

If These Walls Could Speak
av Amy Grant

Vi är i London, på ett trenätters, sexföreställningars kortbesök. Dagen innan hade vi guidat varandra på varsin gata: jag hade haft ansvar för att kolla upp Charing Cross Road, och min kompis Patti-Li Leuk hade haft hand om Shaftesbury Avenue, och det hade varit under hans guidning som vi hade hittat stället där vi hade bestämt att vi skulle käka frukost, följande dag.
 Det vill säga; idag. 

Hotellet vi bor på, St. Giles, på Bedford Avenue, i Fitzrovia, nästan längst ner vid Tottenham Court Road, serverar inte frukost. Eller, det ingår liksom inte, vilket är helt okej med oss, för det får oss ut på stan mycket tidigare, i jakt på frukost. Och då underlättar det om man redan i förväg vet vart man ska

Det var precis i början av hans runda, nästan längst upp vid New Oxford Street, när man precis har gått förbi Shaftesbury Theatre och korsat den svårkorsade High Holborn, som vi dagen innan hade stött på Franx Continental Cafe, bara en liten bit ifrån där Neal Street och Monmouth Street rinner upp i Shaftesbury Avenue
Min frukost: man har plockat bort allt kött och lagt till stekt svamp.
Det är inte mycket mer än ett hål i väggen, en avlång lokal med en disk längs den högra väggen, vid entrén, och ett fåtal bord på någorlunda obehörigt avstånd från varandra. Vi sätter oss längst in, och jag beställer en Veggie Brekkie, och Patti-Li tar köttalternativet, med bacon, korv hashbrowns, bönor och bröd, men byter ut det stekta ägget mot en extra tomat. 

Förra gången vi var här i London, i våras, var vi helt upptagna av att Snapchatta, men sen dess har Instagram lanserat Instagram Stories, och det har liksom tagit över, eftersom det är så mycket mer lättillgängligt. Precis som på Snapchat försvinner historien man lägger upp efter 24 timmar, men jag har kommit på ett knep: om man först filmar tio sekunder med telefonens egen kamera, och sen lägger upp den filmen på Instagram Stories, så har man kvar filmen på telefonen. Man måste bara komma ihåg att slänga filmsnuttar man inte kommer att vilja spara, något jag är väldigt dålig på. 

Teatern vi ska på, St. Martins, ligger inte långt härifrån, bara en bit nedanför Seven Dials, på West Street, så vi vill inte göra en för stor runda, bort från området, men eftersom vi dagen innan gjort Shaftesbury Avenue, bestämmer vi oss efter frukosten för att göra en irrare, och börjar vandra in på Neal Street, en av gatorna som omger Seven Dials.
Det är inte ofta vi gör en irrare, det vill säga, bara vandrar, utan något specifikt mål, eller plan. Visst, vi kan göra små avstickare, om vi ser något intressant på väg till något annat, men det här, att bara spankulera, är något vi gör väldigt sällan. 

Det är ingen tillfällighet att Seven Dials ser ut som det gör. På 1690-talet designade Tomas Neal en plan där man kunde maximera den del av tomternas fasad som vätte mot gatan genom att göra kvarteren trekantiga, eftersom det var på bredden, och inte på djupet, man tog ut hyra, och ett fyrkantigt kvarter skulle ha en himla massa innergård. Det är antagligen därför så många andra, enklare tomter är smala, men djupa. 
Jag förevigar min Rocky Road Cupcake från Lola's på Neal Street.
Hela det här området är översått med små, mysiga butiker, med fasader som ser ut som om man just spelat in Charles Dickens En Julsaga, och ännu inte hunnit demolera kulisserna. Här ligger tebutiker, smyckesbutiker, små skoaffärer och caféer, och vi köper en varsin minicupcake från Lola’s Cupcakes, en butik som inte är mer än en slags kiosk, och där man inte kan gå in, utan handlar över disk. Jag testar en Rocky Road, och Patti-Li provar en Oreo. Ibland är socker och fett precis vad man behöver.

Första gången jag hörde talas om Seven Dials - ett område som kallas så eftersom sju gator möts här, som visarna på en klocka - var genom en Agatha Christiebok, The Seven Dials Mystery, en av hennes tidiga, mindre intressanta historier, när hon liksom flörtade lite med spionhistorier och thrillers, innan hennes mord blev mysiga. Men det brydde jag mej inte om då: jag slukade allt Agatha. Det är faktiskt tack vare henne som jag är så fenomenastiskt bra på engelska: Jag antar att jag började läsa hennes deckare när jag gick i högre mellanstadiet, eller i högstadiet, och när jag länsat skolbiblioteket gick jag lös på ortens bibliotek, och när jag läst mej igenom det gick jag till bokhandeln, och det var där jag upptäckte att man kunde få tag i böcker av henne som inte var översatta. Och ärligt talat: dom är väldigt lättlästa. Det mesta är dialog. 

Jag, som tänker gator i nord-sydlig, eller öst-västlig riktning, uppfattar det som att gatan vi går på, Neal Street, går söderut, när den i verkligheten går lite mittemellan. Säger man sydösterut? Den går liksom inte rakt neråt, men inte heller rakt högerut, om man tittar ner på en karta, utan går liksom parallellt med den lilla visaren om klockan är halv fem. 
Följaktligen, när gatan tar slut, vid Long Acre och vi går till vänster, så tror jag att vi får österut, när vi i verkligheten går snett uppåt. Det hela är mycket förvirrande, på ett fascinerande sätt. 

Det går inte att skriva en bra guidebok över London. Det finns för många byggnader och ställen som intresserar, och om man tog med allt skulle den bli för tung att bära med sej, och bara övervikten när man flög skulle göra det hela ekonomiskt oförsvarbart. Kanske om det fanns en enorm pdf-fil att bära med sej på en iPad?
Följaktligen stöter vi hela tiden på imponerade, intressanta byggnader som inte omnämns i vår guidebok. 
Som Freemasons Hall, på Great Queen Street. Vi ser den på långt håll, en hög, vit byggnad som liknar något romarna kunde ha lämnat efter sej när dom drog från landet, på 400-talet. Eller, det ser nästan ut som om man huggit ut den ur en vit sandstensklippa, som om samma gubbar som hyvlade ut fasaderna i Petra tog en sväng förbi London, och hackade lite. Givetvis, när man kommer närmre, ser man att den är byggd i Art Deco-stil, vilket inte gör den mindre imponerande. Men i vår guidebok omnämns den inte alls. 
Det är en kyrka, av något slag, tror vi, men blir lite förvirrade över tidsinskrifterna över vad vi tror är ingången. 1717 och 1967? Kan det ena vara när dom började bygga, och det andra när dom var klara? Nej. Nog för att man hört om hantverkare som tar tid på sej, men det här är väl ändå över gränsen?
Vi vet inte var vi är. 
Givetvis kunde vi ha googlat, men vi var för cupcakehöga för att tanken skulle slå oss. Och vad googlar man på om man inte vet vad något heter? Det är inte förrän efteråt, när vi kommit hem och jag gått ut på google maps som jag lär mej vad byggnaden heter, och vad den är. 
Imponerade, förundrade, men med fler frågor än svar vänder vi tillbaka, och upptäcker att vi på vägen dit korsat Drury Lane, vilket ger Patti-Li en liten härdsmälta, rent geografiskt. 
”Hur-, men-, var-” mumlar han och ser sej omkring, totalförvirrad. ”Jag trodde Drury Lane låg därborta,” han pekar lite vagt åt något håll, ”inte här…” 
Vi svänger in på den förvirrande gatan, går förbi New London Theatre, där vi för några år sen tittade in för att undersöka om det fanns några biljetter kvar till kvällens föreställning av WAR HORSE, och kände oss lite förnedrade när vi bara fick ett elakt skratt tillbaka. Eller, i alla fall kändes det så. Vi tittar in på Oxfam, utan att köpa något, och eftersom det börjar bli dags att dra sej mot teatern. 

Agatha Christie Memorial. Och Patti-Li. 
Vid det lilla torget som bildas när Cranbourn Street möter Newport Street, på en plats som kalls St. Martins Cross, står Agatha Christie Memorial. Det är en två och halv meter fyrkant i tjock brons, formad som en stor, stående bok, genombrutan av en stor cirkel, i vilken man format en bild av författaren i profil, som en slags camébrosch. Jag vet inte varför det står just här, förutom att det bara är något kvarter till St. Martins Theatre, där hennes pjäs som vi snart ska se, THE MOUSTRAP, som överlägset innehar rekordet av att vara den förställning som spelats längst. 

Vi lunchar på ett Pret-a-Manger som låg, trodde jag, och har trott fram till skrivande stund, precis nu, när jag kollade fakta, på Charing Cross Road. Detta till trots att jag utger mej för att vara en någorlunda expert på just den gatan, efter dagar av idogt studerande, och borde har känt igen att vi inte var där jag trodde vi var. 
Lunch.
Det är den där förvirrande stadsplanen igen: enligt min uppfattning lämnar vi Agatha Christie Memorial och tar Cranbourn Street sydväst, ut till Charing Cross Road, när vi i realiteten måste ha tagit Upper St. Martins Lane, rakt norrut, förbi teatern vi skulle till, St. Martins Theatre, och sen vikt in på West Street, och gått nordväst, ut till Shaftesbury Avenue, inte långt från Palace Theatre.
Jag köper en ägg-trekantsmacka, en kaffe, och så lyxar jag till det med en Victoria Sponge Cake, en liten rund, sockerkaksliknande bulle, som delats och limmats ihop med smörkräm och jordgubbssylt. 

THE MOUSETRAP började som en kort radiopjäs 1947, kallad Three Blind Mice, efter den kända barnramsan från 1609:

Three blind mice. Three blind mice.
See how they run. See how they run.
They all ran after the farmer's wife,
Who cut off their tails with a carving knife,
Did you ever see such a sight in your life,


As three blind mice


 Den bygger på en verklig händelse, där en pojke, Dennis O’Neill, dog efter att ha vanvårdats av sina fosterföräldrar på en bondgård på landet, under andra världskriget.  
Föreställningens manus bygger på en novell, som i sin tur bygger på den ursprungliga radiopjäsen, men Agatha Christie ville inte att novellen skulle publiceras så länge föreställningen fortfarande gick. Den har inte utgivits i Storbritannien, men kom 1950 ut i USA under samlingen Three Blind Mice and Other Stories.
Pjäsen var tvungen att få ett annat namn, eftersom det redan fanns en pjäs med namnet THREE BLIND MICE. Den nya titeln, Råttfällan, föreslagen av författarens svåger, kommer från HAMLET, och är den titel Hamlet hittar på till den pjäs som gycklargruppen  ska spelas upp. 
Föreställningen hade sin världspremiär på Theatre Royal i Nottingham, 1952, innan den samma år, efter en kortare turné den 25:e November, kom till Ambassadors Theatre, på West Street, nära Cambridge Circus, en av de minsta West Endteatrarna, med en publikkapacitet på 444 sittande. Man planerar att sälja teatern till Delfont Mackintosh Theatres, som ha meddelat att dom kommer att döpa om den efter Stephen Sondheim när köpet gått igenom. 
Den 23:e Mars 1974 flyttade föreställningen, och två dagar senare, den 25:e Mars, öppnade man i den något större men mycket närbelägna St. Martins Theatre, som öppnade 1916 och har plats för 550 sittande, en flytt på endast 35 meter. Eftersom föreställningen bara gjorde ett uppehåll på två dagar för flytten, anses det att man inte har brutit spelperioden, och föreställningen har rekordet som den världens längst spelade pjäs, med över 25,000 föreställningar. Dramatikern själv trodde att pjäsen skulle gå i max åtta månader. 
Originalpolisen spelades av Richard Attenborough, som bland annat regisserade den ganska taffliga filmversionen av A CHORUS LINE, liksom Gandhi och Oh, What a Lovely War, en film som är väl värd att se för det korta nummer som Maggie Smith är med i. 
1965 och 1999 bytte man scenografi, men klockan som står på hyllan ovanför öppna spisen är kvar sen originaluppsättningen. 

Föreställningen vi går på har nummer 26.688, står det att läsa på en slags mekaniskt föreställningsräknare som hänger på väggen i foajén, tillsammans med många andra certifikat och utmärkelser. 

Som vanligt, på de flesta äldre teatrar i London, finns det ont om plats överallt utom i själva auditoriet. Foajén är inte mindre än många andra, här i stan, ungefär lika stor som en väldigt liten restaurang, eller ett normalt vardagsrum, och då har man ändå lyckats klämma in en biljettbås, och en liten hytt för försäljaren som säljer minnesmuggar, t-shirts och nyckelringar, handdukar och magneter. 

Det finns en liten bar i rummet ovanför foajén, och jag hoppas dom är mer populära i pausen, för när vi tittade förbi strax innan föreställningen, var den lika folktom som sista kapitlet i Agatha Christies Och Så Var Det Bara En, om man låtsas att bartendern är mördaren. 
Vi har plats på parketten, the stalls, och kommer dit genom några vindlande, smala trappor vars väggar också dom är fyllda av fotografier och memorabili från historiska tillfällen i pjäsens över 60-åriga historia.

Det är en mysig salong, helt olik någon teater jag tidigare har varit i. Den här går visserligen i rött, vilket inte är ovanligt, tvärtom, men istället för en inredning i vitt och guld, med änglar, gudar och utsirade gipsfigurer, eller en helt avskalad blackbox, har man här en inredning i mörkt, mahognyfärgat trä, med pelare och balustrader, och intrycket blir mer av en någorlunda modern kyrka, eller en hörsal på ett framgångsrikt universitet. Eller som en stor chippendalesoffa med knapptuftat läderklädsel. Om jag skulle ge den en könstillhörighet skulle jag nog säga att det är en mycket manlig inredning. Men då kanske man får bortse från färgen och mönstret på tapeter och heltäckningsmatta: vinrött med stora guldprickar. Längst bak, genom två breda dörröppningar, finns en liten bar, väl värd ett besök:  om inte annat än för utställningen av historiska råttfällor.

Publiken är en eklektisk samling: dom är inte övervägande teaterturister, och det känns som om många inte har kommit så mycket för att dom brukar gå och se föreställningar hemma eller här, utan för att detta, att se den föreställning som är med i Guiness rekordbok, är något man måste ha gjort när man är i London. Den, och London Eye, antar jag.

Det handlar om ett någorlunda ungt par, Mollie och Giles, som har köpt en herrgård för att öppna ett slags hotell. Det är vinter, och det snöar, och de första gästerna som kommit hit inser snabbt att dom inte kommer kunna ta sej därifrån. Vägarna har snöat igen, och telefonen har slutat fungera. Så dyker en skidande polis upp, och han berättar att det mycket väl kan finnas en mördare bland dom: en kvinna som just släppts ut från fängelset där hon suttit av sitt staff för att ha dödat ett fosterbarn genom vanvård har hittats mördad i sin lägenhet, och i en anteckningsbok funnen på brottsplatsen stod adressen till herrgården, tillsammans med en rad ur en känd barnramsa Three Blind Mice, och på en lapp som satt fastnålad på offret stod det ”Detta är den första”.
Precis innan paus begås mord nummer två. 

Scenografin är enkel på så sätt att den är konstant, det hela utspelar sej i ett av de större panelklädda rummen i herrgården, ett sånt som har fler dörrar och fönster per kvadratmeter än verkliga väggar. Det är fullt av gamla målningar, tunga draperier hänger framför fönstren, och fåtöljer och soffor i blommig klädsel står utställda på slitna mattor. 
Kostymerna är förvånansvärt moderna, eller tidlöst engelskt, kanske man ska säga. Herrarna har kostym, kavaj, västar, slipovrar och slipsar, kvinnorna klänningar och koftor och i ett fall till och med byxor. 

Man byter ut skådespelare varje år, någon gång i November, och det är kanske därför uppsättningen känns överraskande fräsch, eftersom jag antar att vi ser den efter att en ny trupp aktörer repats in. Om inte, det vill säga om de skådisar vi ser har spelat den åtta gånger i veckan i snart ett år, är det imponerande hur dom lyckas hålla liv i både föreställningen och sina roller.

När det är över stiger den person som begått morden fram och ber oss att inte avslöja vem det var som gjorde’t, så om du vill veta vem mördaren var får du själv åka dit och kolla, för jag har lovat att inget säga. 

Jag försöker att alltid köpa något från föreställningar vi ser, i första hand en t-shirt, men den här resan har jag haft otur: ingenstans har dom sålt några. På PETER PAN GOES WRONG köpte jag en mugg, på DISASTER ett program och en affisch, och på SIDESHOW fick jag nöja mej med bara ett program. Men här har jag tur och köper en marinblå t-shirt med en tecknad bild av den insnöade herrgården. Patti-Li köper en handduk och en magnet.
När vi kommer ut har det hunnit bli mörkt, och nästa kull av åskådare har börjat samlas. Jag, som har läst manuset, och redan visste vem mördaren var, tyckte att det var en förvånansvärt underhållande föreställning, medan Patti-Li inte alls var lika begeistrad. Han hade önskat lite mer rörelse i rummet, säger han, lite mer action, och det kan man ju förstå att vissa vill ha, om man går på en deckarhistoria. Jag, å andra sidan, gillade att folk inte bara förflyttade sej för att skapa rörelse, utan tyckte att de ganska låsta positionerna och bristen på rörelse hjälpte till att skapa en stämning av spänning och skräck.

Snart är det dags för den föreställning vi har högst förväntningar på: Cameron Mackintosh uppsättning av HALF A SIXPENCE. Jag är säker på att dom har både t-shirtar, kepsar, nyckelringar och väskor.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

677:-  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 7530:-

Du vet väl -

- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


SIDE SHOW, på Southwark Playhouse, i London:

"Men vad den här produktionen har åstadkommit med materialet är imponerande. Det är inte långt till West End, rent geografiskt, men rent publik- och prestigemässigt kunde teatern lika väl ha legat i en helt annan stad. Hit hittar få teaterturister, bara de mest inbitna musikalälskarna, och så förstås lokalpatrioterna. Men kanske det är det som ger en viss frihet att skapa."


DISASTER, på Charing Cross Theater i London: 

Några dagar senare, när vi sitter på planet hem till Sverige, ber jag Patti-Li att ranka alla föreställningarna vi har sett. Han behöver knappt tänka efter, innan han sätter DISASTER, på första plats. Och jag håller med. Det var som en särdeles lyckad nyårsafton, utan post-party depression.


PETER PAN GOES WRONG, på Apollo Theater,  i London:

Jag vet inte inte riktigt hur det började, eller hur det gick till: Ena dagen fanns det inga direkta planer på att åka till London, bara en ständig och oföränderlig önskan, och nästa dag var hotellrum, resa och flera föreställningar bokade och betalda. Jag och min kompis Patti-Li Leuk hade nämligen lyckats hitta en gemensam lucka i vårt späckade höstschema, och när vi slår våra huvuden ihop är eftertänksamhet inte en dominerande faktor. 
Frågor som "Borde vi?", "Kan vi?", "Ska vi?" besvaras alltid, eller oftast, med ett rungande ja!

Så under vår trenättersresa till London lyckas vi klämma in sex föreställningar, och vi hade kunnat se fler, men det verkar inte som om man spelar några matinéer på måndagar. Latmaskar.




Playhouse Teater

$
0
0
BILJETTERNA SLÄPPTA TILL INSTANT PLAYHOUSE 2017!
Fem dramatiker, fem regissörer och Sveriges hetaste skådespelare med ett gemensamt uppdrag: att inom loppet av 24 arbetstimmar skriva, repetera in och ha premiär på fem helt nya pjäser!

Förra årets Instant Playhouse var en stor succé! Vi drog in 185.000 kr till Röda Korset och medverkade gjorde bl a Johan Rheborg, Bengt Ohlsson, Helena af Sandeberg, Olle Sarri och Sofia Ledarp. Vi kan redan nu utlova ett fantastiskt startfält även 2017! Den här gången kommer alla intäkter gå till Läkare utan gränser, och vi har satt som mål att samla in 300.000 kr!

Startskottet går 3:e februari kl 08.30 - då lottas dramatikerna ihop med skådespelarna i TV4's morgonsoffa - sen väntar 24 timmars intensivt arbete! Premiär 4:e februari kl 19! Biljettintäkterna går oavkortat till Läkare utan gränser.

Biljetterna kommer ta slut i rödaste rappet så vänta inte utan säkra din plats redan nu!

Varmt välkommen!

HALF A SIXPENCE, Noel Coward Theatre, London, 22/11 2016, föreställning 90.

$
0
0

Manus: Julian Fellowes, Text och Musik: George Stiles and Anthony Drewe, Producent och medskapare: Cameron Mackintosh, medförfattare av ursprungsmanus och ursprunglig musik och text: David Heneker MBE, Medförfattare av ursprungsmusikal: Beverley Cross, Regi: Rachel Kavanaugh Koreografi: Andrew Wright, Scenografi: Paul Brown, Ljusdesign:Paule Constable, Ljuddesign: Mick Potter, med Charlie Stemp, Ian Bartholomew, Devon-Elise Johnson, Emma Williams, Vivien Parry, Jane How, Gerard Carey, David Birch, Kimberly Blake, David Burrows, Nick Butcher, John Conroy, Matthew Dale, Jaye Juliette Elster, Tim Hodges, Alex Hope, Bethany Huckle, Samantha Hull, Rebecca Jayne Davies, Jennifer Louise Jones, Philip Marriott, Harry Morrison, Sam O’Rourke, Callum Train, Lauren Varnham, Annie Wensak

Look at her, a prisoner of the gutter,
Condemned by every syllable she utters
By right she should be taken out and hung,
For the cold-blooded murder of the English tongue.

Why Can’t the English 
ur MY FAIR LADY
Text: Alan Jay Lerner
Musik: Frederick Loewe

Det är eftermiddag, nästan kväll, när vi spankulerar nerför de upplysta gatorna i Covent Garden. Det är inte kallt, men lite kyligt, och den fuktiga luften piggar upp. Det är relativt bilfritt; bilisterna föredrar nog den större, parallella Charing Cross Road, som brusar bara något kvarter bort. 
En del av oss verkar lite osäker på vem som egentligen
var mördaren; andra verkar mest glada att det är över. 
Vi precis har sett THE MOUSETRAP på St. Martins Theatre, och vi ska snart in i en ny salong, lite längre ner på gatan, för att se ännu en föreställning, den här gången musikalen HALF A SIXPENCE.
Vid St. Martin’s Cross byter gatan vi går på både namn och karaktär. Den har hetat Upper St. Martins Lane, och har gett intrycket av att vara en slags bakgata, där man upplevde att fasaderna man gick förbi var baksidorna av hus som var mer intressanta från andra sidan. 
Nu heter den plötsligt bara St. Martins Lane, och den är kantad av mysiga butiksfasader som alla innehåller ställen  man kan äta på: Pizza Express, Pret A Manger, Steak & Co, Murakami, McDonalds, och den lite flådiga restaurangen Browns
Vi är lite hungriga, men vi har gott om tid: det är nästan två timmar till det är dags. 
Förra gången vi var här i London, i våras, hade vi ett helsike att hitta Kings Cross Theatre, där vi skulle se musikalen IN THE HEIGHTS. Vi kom nästan försent. Eller, vi kom försent, men på grund av sjukdom var man tvungen att kalla in en ersättare för en av rollerna, och därför fick man dröja lite. 
Så, även om vi vet var teatern vi ska till ligger, så tänker vi att det i alla fall är bäst att dubbelkolla att byggnaden står kvar, och sen hålla oss i närheten. 

Okej, den ligger kvar. Man har precis haft en matinéföreställning, och publiken som just släppts ut dröjer kvar, osäkra på vart dom nu ska ta vägen. 
Teatern, som är ganska liten, och som max kan klämma in 874 personer, hette ursprungligen New Theatre, öppnade 1903 och var byggd av skådespelaren och teaterdirektören Sir Charles Wyndham, vars andra teater, den något mindre Wyndham Theatre, byggd 1899, ligger precis bakom, rygg-i-rygg, med entré mot Charing Cross Road.
1973 bytte den namn till Albery Theatre, efter Sir Bronson Albery, som förvaltat teatern i flera år, men 2005 köptes den av Delfont-Mackingtosh Ltd, som gav den det mer flärdfulla namnet Noël Coward Theatre, när man efter en stor upprustning öppnade med AVENUE Q, 2006. 
Anledningen till att man valde just det namnet var att Coward för första gången uppträdde i en egenförfattad pjäs I’LL LEAVE IT TO YOU, här, 1920. 
Det var förresten här som Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft spelade ROMEO AND JULIET, och 1960 hade Lionel Barts musikal OLIVER! premiär här, och spelade 2,618 föreställningar.

Nästan rakt över gatan från teatern ligger en EAT!-restaurang, en snabbmatskedja som funnits i över 20 år, och som har över 100 restauranger i Storbrittanien, och dom har en ganska intressant meny: här finns inte hamburgare eller pizza, tacos, korv eller sushi, utan man har istället matiga soppor, grytor, raguer, dahl, miso, laksa och pho, eller olika pajer som serveras med sås och potatismos. Rejäla saker, med andra ord. 
Det är alltid ganska knepigt att lite på vad personen i kassan rekommenderar. Ganska ofta försöker dom kränga vad dom har gott om, eller vad som är enkelt och går snabbt att ställa fram, men ibland föreslår dom verkligen vad som är rekommendabelt. Jag var egentligen sugen på en Caulifower and Kale Cheese Pie, men tänkte att jag skulle vara öppen för förslag, så när jag blev rekommenderad en Spiced Roast Vegetable & Freekah, en slags hot pot, kändes det liksom obekvämt att säga nej. 
Jag fick min lilla runda pappersburk fylld med en grönsaksgryta, inte olikt något jag kunde, och brukar göra, själv, och såg avundsjukt på när Patti-Li beställde en Steak, Mushroom & Red Whine Pie.
Någorlunda missnöjd med min mat.
 När dom dunkar på en hel hög ångande, gyllengult potatismos och slungar över tjock sås, då övervägen jag att slänga min pappersburk och gå och ställa mej längst bak i kön igen, men min snålhet, och en plötsligt konflikträdsla, hindrar mej. 

HALF A SIXPENCE började med H.G. Wells, en författare som nu för tiden är  mest känd för sina science-fictionböcker; Tidsmaskinen, Doktor Moreaus Ö, Den Osynlige Mannen och Världarnas Krig, allihop författade under 1890-talet. Han var en socialist, en pacifist, en diabetiker och var även nominerad till nobelpriset fyra gånger. 

1905 kom hans Kipps: The Story of a Simpel Soul, en berättelse om Arthur Kipps, en föräldralös oäkting som växer upp hos sin moster och morbror i en liten by i Kent, i sydöstra England. Som tonåring förälskar han sej i en kamrats syster, och hon ger honom ena halvan av ett sexpencemynt som ett minne, när han i en annan stad får jobb som försäljare i en tygaffär. Där förälskar han sej i en annan kvinna, som lär ut träsmide på en kvällskurs. En dag blir han påkörd av en skådespelare och dramatiker, vilket leder till en rejäl krogrunda, vilket i sin tur gör att han försvor sej, och får sparken. Men det visar sej att hans farfar har dött och han har ärvt 26,000 pund, så han friar till kvinnan med kvällskursen, vars bror erbjuder sej att förvalta hans förmögenhet. 
Försöken att ta sej fram och upp inom societeten gör honom mycket olycklig, och när han möter kvinnan som gett honom sexpencemyntet, som nu jobbar som jungfru, bestämmer han sej för att gifta sej med henne. Då visar det sej att hans tidigare tilltänkte svåger har spekulerat bort hans pengar, men eftersom han investerat några tusen i dramatikerns pjäs, som visar sej vara en hit, blir han återigen förmögen. 
Ja, det är en ganska idiotisk historia. 

1963 blev den idiotiska historien musikal, med text och musik av David Heneker, en kompositör och textförfattare som bland annat också skrivit texten till musikalen IRMA LA DOUCE, och text och musik till CHARLIE GIRL, tillsammans med Monty Norman, mest känd för att ha skrivit James Bonds signaturmelodi. 
Musikalen skrevs för Tommy Steele, en rock and roll-sångare som ansågs vara Englands svar på Elvis Presley, och eftersom han var skicklig på banjo skrev man in att det första huvudrollen gjorde när han blev rik, var att köpa en banjo. Rollen som flickan med sexpencemyntet var den första huvudrollen för  Marti Webb, som senare skulle blir den första att göra Andres Lloyd Webbers TELL ME ON A SUNDAY, 1980.
Man spelade 678 föreställningar på Cambridge Theatre i Seven Dials, där MATILDA THE MUSICAL går sen 2011, innan man öppnade på Broadway 1965, på Broadhurst Theatre, där man spelade 511 föreställningar med en någorlunda ung John Cleese i rollen som den förskingrande brodern. 
I musikalen har man gjort en stor förändring: I boken är det flickan som ger slanten till pojken, men nu är det han som ger den till henne. 
1967 kom en filmversion, också den med Steele, men Marti Webb fick nöja sej med att bara dubba Julia Foster som spelade den kvinnliga huvudrollen.  Detta blev förresten den sista filmen av George Sidney, regissören till bland andra filmmusikalerna  Annie Get Your Gun, Show Boat, Kiss Me Kate, Pal Joey och Bye, Bye Birdy

1962 öppnade The Chichester Festival Theatre i Chichester, en stad i Västra Sussex, i södra England, en bit nedanför London. Teaterns första artistiska ledare var Laurence Olivier, och det var här som den första National Theater Company startade, 1963, och det var här, 53 år senare, i Juli 2016, som en ny version av musikalen HALF A SIXPENCE, hade premiär. 
Eftersom producenten Cameron Mackintroshs scenbearbetning  av filmversionen av MARY POPPINS hade blivit en rungande succé, hade han kontaktat samma kreativa team igen. Manusförfattaren, Julian Felloges  är kanske mest känd för att ha skrivit teveserien Downton Abbey, men han ligger också bakom scenmanuset till Andrew Llloyd Webbers SCHOOL OF ROCK, som hade premiär på Brodway 2015. 
Kompositören George Stiles och textförfattaren Anthony Drewe, har arbetat ihop i över 30 år, och har skrivit elva musikaler, där den kanske mest bekanta är MARY POPPINS, men de har även skrivit HONK! , en bearbetning av H.C. Andersens Den Fula Ankungen, en musikal som nylingen satts upp av Teater Poff, på Farsta Teater i Stockholm.
De är långtifrån mina favoritmusikalskapare, och de tiotalet nya sångerna de bidragit med håller inte samma standard som originalets rejält mer trallvänliga hits, som Half A Sixpence, If The Rains Got To Fall, och Flash Band Wollop.

Hur långsamt man än äter kan man inte sitta på en snabbmatstrestaurang i över två timmar, och vi, som är snabba glufsare, är klara efter bara en halvtimme. Maten - grytan, pajen och moset - har lagt sej tung i magen, och vi bestämmer oss för en liten promenad i området. 
Vi går in på den mysiga St. Martins Court, en smal liten gränd, inte mycket bredare än en brandgata, som löper ut mot Charing Cross Road, och är smockfull av små mysiga, lite dyrare restauranger och flådiga designbutiker, alla ganska ointressanta för oss. 
Leicester Square har man öppnat julmarknad. Man har slagit upp ett plank runt hela torget, och först har vi lite svårt att hitta in, och när vi väl kommit till entrén är vi osäkra på om man ska behöva betala för att gå in. Men det är gratis. Man säljer godis och julkulor, handgjorda saker och rena rama souvenirer, och det är inget problem att få tiden att går. Patti-Li överväger att köpa en slags snurrande metall-mobil, att hänga i taket, en precis likadan som den han inte köpte förrförra våren, när vi var i Prag, men resonerar så att dom den nu har kommit till England är det bara en tidsfråga innan de kommer till Sverige. 

Teatern är inredd i något som påminner om Louis XIV och empir. Paletten är övervägande solkigt vit, beige och ljusgrå, med lite guld och köttrosa i horisontella stråk.  Trots att man rustade upp teatern för bra åtta år sen, tycker jag den redan känns sliten och liksom dammig, som en övergiven, fuktskadad herrgård. Smala, enkla kransar och girlanger i guld klättrar runt det välvda innertaket, och på väggarna på nedre balkong och parkett hänger vita medaljongporträtt mot en ärggrön bakgrund, som förstorade kamébroscher. 
Stolarna på parketten är puderrosa prickig plysch, och trots att dom antagligen är helt tidskorrekta, får färgen, mönstret och de rundade ryggarna mej att tänka på något som var nytt på åttiotalet. 

Vi sitter oförskämt bra
Vi sitter oförskämt bra, nästan i mitten på parkett, inte för långt fram, inte för långt bak, kanske något åt höger, men ganska rejält perfekt. När vi hade bestämt datum för vår Londonresa började vi köpa biljetter till olika intressanta föreställningar, och den här hade ännu inte haft sin första provpublik, så jag antar det var därför vi kunde få biljetter till en föreställning bara fem dagar efter premiären, för sen dess har recensenterna försökt hitta nya superlativ, för att kunna berömma föreställningen.

Vi har inte suttit länge, innan jag får en ganska rejäl puff i ryggen, bakifrån. 
”Sorry,” säger den äldre kvinnan, bakom mej, när jag vänder mej om, ”I was just trying to read your back…” 
Det fanns en tid när jag tyckte man skulle klä upp sej när man gick på teater; en fin kavaj, en snygg klänning, borsta igenom rufset, spray lite doft, du vet. Göra det hela till en lite förhöjd upplevelse, nånting extra. Det var förstås innan jag började gå på teater minst en gång i veckan. 
En del av mej tycker fortfarande om att folk klär upp sej. Bara jag slipper. Jag fullständigt avskyr att göra det. Jag känner mej utklädd, liksom. Obekväm.
Det var därför jag kom till teatern i en grön kermit-träningsjacka. Jag hade hittat den på Stadsmissionen vid Mariatorget i Stockholm några veckor tidigare, och den hade snabbt blivit en favorit. Det var inte det att jag kände mej fin: jag kände mej bekväm. Och färgen piggade upp. 
Det var ingen skitjacka, vilken som helst förresten, det var en adicolor, en slags klorofyllgrön limited edition-jacka från Adidas, med en Kemit broderad på bröstet.
En snabb sökning på Ebay visade mej att man kan köpa en likadan för uppemot 2,000 kronor. 
Jackan må bara dyr, men jag skulle nog inte kalla mej uppklädd, direkt.  
Jag lutar mej framåt, så och kvinnan böjer sej fram och läser högt på min rygg: It’s not easy being green, står det, i maskinbroderade bokstäver.
”No, it isn’t, no it isn’t!” skrattar hon, bakom mej.

Vi hade kanske för höga förväntningar, för vi var båda ganska besvikna på föreställningen. Visst, scenografin, kostymer och scenlösningar imponerade, och koreografi och dans var suverän, men regin och själva berättelsen var som från en ytligt, onaturlig hollywoodmusikal, en sån som folk menar när dom säger att dom inte gillar musikaler. Sångerna bidrar väldigt sällan till själva historien, och skulle kunna strykas utan att det påverka handlingen, eller stå på egna ben som nummer i en revy. De är inte heller framåtsträvande i sitt berättande, Pick Out A Simple Tune handlar om att spela banjo, If the Rain’s Got to Fall handlar om önskan att det inte ska regna just här, just nu, Flash, Bang, Wallop berättar om vikten av bröllopsfoton och Look Alive handlar om att arbeta i en tygaffär. 

De flesta karaktärer framstår faktiskt som tecknade. Det är ganska vanligt att småroller, eller biroller, är ganska grällt målade, och ofta inte är direkt trovärdiga, men det är ovanligt att en huvudroll är så irriterande grovt tillyxad. I manuset finns inskriven en slags vilja att utvecklas, att studera, men i realiteten har han stannat av. 

Foto av Manuel Harlan
I början får vi se huvudrollen som pojke, när han ger halva slanten till en flicka han är kär i, men när vi ser honom i nästa scen, sju år senare, verkar det som om han helt har stannat i utvecklingen, eller som om han är lite bakom flötet. Det är som om han bara fått regianvisningarna: 
"Var glad, positiv, naiv och lite dum. Dummare. Ännu dummare. Och var rejält energisk. Mycket mer rejält energisk."
Detta är den första, stor rollen för huvudrollsinnehavaren, som just slutat skolan och som påminner om en lycklig, dansant Sigourney Weaver. Han spelade rollen även i Chichesterversionen, men det var tal om att han skulle bli ersatt av en annan man, som senare backade ur. Jag kan inte låta bli att fundera på hur det skulle kunna ha blivit, kanske inte med en annan person, men med en annan personregi. 

Foto: Manuel Harlan
Kanske hade man också behövt göra en rockad eller rondat i manuset, och inte börjat berätta historien från huvudrollens barndom, utan låtit oss komma in mitt i handlingen, och få undra lite vad det är vi har missat, varifrån huvudrollen kommer, och vad som har hänt honom. Det finns en fin scen där huvudrollen, nu som rik och förlovad med kvinnan med kvällskursen, kommer till ett högborgerligt hem och träffar flickan med slanten, som nu jobbar som hembiträde. Ett bra ställe att börja. 

Men jag tyckte mycket om att kvinnan som han först skulle gifta sej med, inte splelas som en borskämd bitch, typ Nellie i Lilla Huset På Prärien, eller Baronessan i SOUND OF MUSIC. För mej är hon den enda verkliga personen på scenen, en levande människa, fast i en plastig musikalvärld.

I England har man en syn på klasstillhörighet som vi inte har i Sverige. Precis som i musikalen ME AND MY GIRL eller  MY FAIR LADY, verkar man vilja säga att man är liksom lyckligast i den klass där man hör hemma, där man har vuxit upp. Visst, du kan ta dej upp, men du kommer aldrig att bli lycklig någon annanstans.
Musikalen hade premiär i mitten av 60-talet, en tid av krig, revolutioner, kärnvapenhot, mord på politiska ledare, och jag tror att musikalens framgång berodde mycket på att när man inte orkar blicka framåt, inte vågar tro på framtiden, så börjar man titta bakåt, mot en tid då man uppfattade att landet, livet och folket var lyckligare. 
Den edwardianska eran, tiden då föreställningen utspelar sej, var en relativt kort period, från 1901 till 1910, efter drottning Victorias 60 år långa sorgtyngda styre, innan skotten i Sarajevo och första världskriget för alltid skulle förändra allt. 

Och kanske väljer man att sätta upp den nu och hoppas att folk ska komma av samma anledning: när Brexit, eu-haveri, främlingsfientlighet, pk-fascism, rasism, homofobism,  misogynism, religiös fanatism och terrorism breder ut sej, kan det vara skönt att titta lite bakåt, mot en tid när man tror att alla var lyckliga, även om allt givetvis är relativt. Skillnaden är kanske att på den tiden trodde man på framtiden, medan för oss ser det för tillfället ganska mörkt ut. 



Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

1066:-  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 8596:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


THE MOUSETRAP, St Martins Theatre, i London: 

Det började som en kort radiopjäs 1947, kallad Three Blind Mice, efter den kända barnramsan från 1609:


Three blind mice. Three blind mice.
See how they run. See how they run.
They all ran after the farmer's wife,
Who cut off their tails with a carving knife,
Did you ever see such a sight in your life,
As three blind mice

 Den bygger på en verklig händelse, där en pojke, Dennis O’Neill, dog efter att ha vanvårdats av sina fosterföräldrar på en bondgård på landet, under andra världskriget." 


SIDE SHOW, på Southwark Playhouse, i London:

"Men vad den här produktionen har åstadkommit med materialet är imponerande. Det är inte långt till West End, rent geografiskt, men rent publik- och prestigemässigt kunde teatern lika väl ha legat i en helt annan stad. Hit hittar få teaterturister, bara de mest inbitna musikalälskarna, och så förstås lokalpatrioterna. Men kanske det är det som ger en viss frihet att skapa."


DISASTER, på Charing Cross Theater i London: 

Några dagar senare, när vi sitter på planet hem till Sverige, ber jag Patti-Li att ranka alla föreställningarna vi har sett. Han behöver knappt tänka efter, innan han sätter DISASTER, på första plats. Och jag håller med. Det var som en särdeles lyckad nyårsafton, utan post-party depression.



RAGTIME, Charing Cross Theatre, London, föreställning 91, 23/11 2016

$
0
0

Regi: THOM SOUTHERLAND, Orkestrering och Musikaliskt ansvarig: MARK ASPINALL Koreografi: EWAN JONES, Scenografi: TOM ROGERS AND TOOTS BUTCHER, Ljusdesign: HOWARD HUDSON, Ljuddesign: ANDREW JOHNSON, Kostymdesign: JONATHAN LIPMAN, Musikaliskt ansvarig: Jordan Li-Smith, Rollbesättare och producent: DANIELLE TARENTO, Producent: STEVEN M. LEVY, Producent: SEAN SWEENEY, Producent: VAUGHAN WILLIAMS, Med: Anita Louise Combe, Earl Carpenter, Jonathan Stewart, Anthony Cable, Ako Mithcell, Jennifer Saayeng, Gary Tushaw, Joanna Hickman, Valeria Cutko, Christopher Dickins, Tom Giles, Simon Anthony, Nolan Frederick, Seyi Omooba, Kate Robson-Stuart, James Mack, Lemuel Knights, Bernatdett Bangura, Sufia Manya, Martine Ludenbach, Jess Ryan, Alana Hinge, Riya Vyas, Ethan Quinn, Samuel Peterson.

Any time my little world is blue
I just have to look at you
And every thing seems to be
Some kind of wonderful
I know I can't express
This feeling of tenderness
There's so much I wanna say
But the right words just don't come my way

Some Kind Of Wonderful
av Carole King & Gerry Goffin.


”Has it started?”
Den unga biljettriverskan ser på oss, förvånad, och så verkar hon fatta:
”Oh, are you here for the show?”
Vi nickar, båda två, upp och ner, ivrigt.

Vi kommer aldrig för sent. Faktum är att jag ofta är pinsamt tidig, och Patti-Li, som gillar att ha koll, brukar också vara ute i god tid. Men den här gången har vi goofat: Trots att vi visste att föreställningen började 14:30, så hade vi på något sätt lyckats förtränga det, och istället ställt in oss på att det skulle starta 15:00. 
Och det fåniga är att vi faktiskt var här, bra mycket tidigare än 14:30; vi satt och käkade Bahn-mi, en slags underbar vietnamesisk baguett, på en liten restaurang, mittemot teatern.


Det är vår sista dag i London. Vi ska bara riva av en liten föreställning, innan vi sätter oss på tunnelbanan, åker ut till Heathrow och tar sista flyget hem. 
Vi har redan checkat ut från vårt hotell, St. Giles, uppe vid Bedford Avenue, nära St. Giles Circus, men vi har lämnat vår packing kvar i väskförvaringen och ska tillbaka dit och hämta dom när föreställningen är över. Vi har köpt en hudkräm åt vår vän Skäggige Skalman på Boots, och har käkat frukost på en Pret A MangerMortimer Street i Fitzrovia. Egentligen hade vi tänka käkat någon annanstans, var som helst, bara inte på en kedjerestaurang vi redan testat, men vi irrade runt för länge med tomma magar, och när blodsockret började sjunka började det bli omöjligt att välja, så vi tog det säkra före det osäkra, och gick in. 
Om jag inte var så snål och lat och benägen att lägga på mej, skulle jag käka frukost på lokal varje dag. Det är underbart att bara strosa in, slå mej ner, och bara få allt serverat. Jag beställer en stor kaffe, en äggfralla och en en slags ost- och tomatcroissant. Det låter som en rejäl frukost, jag vet, men vi kanske skulle kunna kalla det brunch, klockan är ju trots allt en bra bit över tio?
För att roa oss, mellan föreställningar, hade vi den här resan bestämt att vi skulle guida varandra på varsin londongata, och eftersom jag ännu inte var klar med min gata, Charing Cross Road, tar vi oss så småningom ner till  Cambridge Circus, där jag börjar babbla. 
Jag berättar om Palace Theatre, om London Hipprome, om Leicester Square tunnelbanestation, Wyndhams Theatre, vi irrar runt i St. Martins court, ett slags gränder bakom och runt teatern, och inne på Cecil Court berättar jag om Mozart och om Mrs. Calloway, kärringen som drev konjaksbar och bordell och som brände ner halva gatan för att få ut försäkringspengarna. 

Det ligger många teatrar på Charing Cross Road; Phonenix Theatre, Palace Theatre, Wyndham’s Theatre och Garrick Theatre, men Charing Cross Theatre, där vi ska se dagens matiné, är konstigt nog inte en av dom. Den ligger inte ens vid platsen Charing Cross, dit Charing Cross Road, också det lite oväntat, inte ens går. 
Gatan jag guidar på tar slut vid National Portrait Gallery, vid St. Martins Place, och man måste gå förbi Tafalgar Square för att komma till Charing Cross, som egentligen bara är en stor refug med en staty, omgiven av en massa trafik.
Báhn mì-macka på Báhn mì-restaurang.
Charing Cross Theatre ligger flera kvarter bort, lite undanskymt, lite hemligt, i ett tegelklätt valv bakom Charing Cross Station, men vi har inga problem att hitta dit, för vi var där två kvällar tidigare, för en välgörenhetsföreställning av musikalen DISASTER, till förmån för Make A Difference - MAD - trust, som stöder HIV/AIDS-projekt i Storbritannien och andra länder.
Anledningen till att vi kommer hit så tidigt är att vi den kvällen såg att det låg en Bahn Mi-restaurangn mittemot teatern. 
Vi gick in, beställde och satte oss och såg att folk började anlända, men vi tänkte att dom kanske skulle käka på teaterns restaurang, eller ta ett glas i baren, så vi bestämde oss för att ta en liten runda, istället.

”Oh, I’m sorry, it’s already started,” säger hon nu, kvinnan som var den enda som mötte oss vid dörren till den tomma teaterfoajén, när vi strosade in, i god - trodde vi - tid. De få människor vi för en stund sen hade sett här utanför, och som vi trodde var tidiga, måste egentligen ha varit såna som var lite sena.

Vissa teatrar släpper inte in någon efter att föreställningen börjat, men det här är gudskelov inte en sån. Vi får instruktioner att vänta, för om bara någon minut kommer det att komma ut några genom dörren, och då kan vi passa på att smita in. 
”Don’t bother looking for your places, just go up to the left, there are plenty of seats…”

Musikstilen Ragtimeär en slags musikalisk legering av marchmusiken, populariserad av John Philip Sousa, och polyrytmik med afrikanska rötter, och den var populär mellan 1895 och 1918, då jazzen tog över. Ragtime sägs ha påverkat såna klassiska tonsättare som Erik Satie, Claude Debussy och Igor Stravinsky.

Så tystnar musiken därinne i salongen, dörren öppnas och ett gäng personer i kostymer och med instrument i händerna ser på oss, lite förvånade, innan dom skyndar vidare, och kvicka som krypskyttar skyndar vi in i auditoriet och fram till att par lediga stolar, nånstans mitt i salongen. Eftersom vi har varit här förut så är salongen är inte okänd för oss. 
Inte heller scenen, visar det sej, för vi känner igen golvet av obehandlade plankor, och väggarna som är täckta av horisontellt liggande brädor, som väggarna på ett enkelt skjul. Längs fonden, och  bakre delen av vänster och höger vägg, löper en slags balkonger, eller lejdare, och - visar det sej - de två delarna på sidorna går att vrida in så att de möts, som för att till exempel bilda fören på ett skepp. Den enda övriga scenografi är två pianon, som kan rullas runt och användas på många sätt, och får föreställa många olika saker, som till exempel en bilen som blir demolerad i en rasistisk attack. 

På scenen står en mycket slank kvinna i vit klänning dekorerad med rosa tygrosor och spelar cello och sjunger ”Whee, Whee…” som när man gungar ett någon i en slänggunga.
I hennes blonda, uppsatta hår sitter två tygblommor, vid varje tinnig, som stora, spretiga astrar, och det ger henne ett lite vansinnigt, fjolligt utseende.
Hon och två korister verkar framföra nån slags musikalisk rättegång:

EVELYN NESBIT:
Your honor,
I was once the lady friend of Stanford White.

KÖR:
He's the famous architect!

EVELYN NESBIT:
Yes, that's right.
He put me on a velvet swing,
And made me wear... well... hardly anything!
Ruined at the age of fifteen,
Your honor!
Then I went a married Mr. Harry Thaw...

EVELYN NESBIT OCH KÖR:
Eccentric millionaire.

KÖR:
Oh! Oh!

EVELYN NESBIT
Harry's a jealous man.

KÖR:
Bang! Bang!

EVELYN NESBIT
That was the end of Stan.

Evelyn Nesbit och hennes cello.
Det visar sej att sångerskan föreställer en person som verkligen levt, Evelyn Nesbit, en it-girl från början på seklet, vars make sköt hennes älskare, men det visste jag inte då. Min enda kontakt med musikalen, och i förlängningen boken - som jag nu köpt men inte läst - och filmen - som jag ännu inte sett, men är väldigt nyfiken på - var genom min CD-skiva Forbidden Broadway Cleans Up Its Act! 
Forbidden Broadway är ett samlingsnamn för flera off-broadwayrevyer parodierande föreställningar på Broadway, skapade, skrivna och regisserade av Gerard Alessandrini, för vilka han vunnit en Tony Honors for Excellence in the Theatre, en Obie Award, fyra Drama Desk Awards, en Outer Critics Circle Award, två Lucille Lortel Awards och ett Drama League Award for Lifetime Achievement in Musical Theatre. Revyn hade premiär 1982, på Palssons Supper Club, där den spelade 2,332 föreställningar. Sen dess har man gjort 21 olika versioner, gett ut 13 skivor, och spelat 9,000 föreställningar, under 25 år.
Av döma av låt nummer 14, det nästan tio minuter långa Ragtime Segmet, handlar musikalen om en kvinna som hittar ett svart spädbarn i sin trädgård, tar hand om barnet och barnets mamma, medan barnets pappan spelar ragtime på pianot på nedre våningen, men eftersom sången är en parodi väver man in saker som Tony Awards och kritikern Ben Brantley, så när den svarta kvinnan ska be USA:s president om hjälp, och blir skjuten, vet jag inte om det tillhör musikalen eller bara parodin. 

Musikalen började 1975, som boken Ragtime, skriven av E. L. Doctorow, en författare berömd för sina verk inom historisk fiktion, en genre som blandar faktiska och fiktiva personer och händelser. Han var en storrökare och dog av lungcancer 84 år gammal, 2015, och skrev tolv böcker, tre volymer av noveller och en pjäs,  men han är mest känd för den här boken. 

Boken handlar om tre familjer, där allas liv på något sätt flätas ihop i en historisk kontext; en vit, förmögen familj, en judisk, fattig invandrande far och dotter från Lettland, och en svart ogift kvinna, hennes barn, och barnet far, en svart ragtimepianist. De påhittade karaktärer träffar verkliga, historiska personer, som Evelyn Nesbit, Harry Houdini, Henry Ford, J. P Morgan och Emma Goldman, och verkliga händelser följs av påhittade.

1981 kom en filmatisering, regisserad av Milos Forman, och blev nominerad till åtta Oscars. 

Musikalen hade världspremiär på Ford Centre of the Performing Arts i Toronto, Kanada, 1996, och 1997 öppnade man  i Los Angeles, där den gick i ett helt år, innan man flyttade till Broadway 1998. Man nominerades till tretton Tony Awards, men hade tyvärr premiär samma år som THE LION KING, som visserligen bara nominerades i 11 kategorier, men lyckades ta hem priset för bästa musikal.
Ragtime vann i fyra kategorier, för bästa manus, bästa text och musik, bästa orkestrering och bästa kvinnliga biroll gick till Audra McDonald, som har rekord i att både vara den aktris som vunnit flest Tony Awards, 6 stycken, och i att vara den ende person som har vunnit i alla fyra kategorier: Kvinnlig huvudroll och biroll i respektive pjäs och musikal.

Manuset var skrivet av Terrence McNally, som också bland annat ligger bakom manus till musikalerna KISS OF THE SPIDER WOMAN, THE RINK, THE FULL MONTY och CATCH ME IF YOU CANT, liksom pjäserna FRANKIE AND JOHNNY IN THE CLAIR DE LUNE, THE LISBON TRAVIAT, MASTER CLASS, och även min stora favorit, THE RITZ, i vars filmatisering Rita Moreno är bland det roligaste jag någonsin har sett. 
Text av Lynn Ahrens och musik skrevs av Stephen Flaherty, ett kreativt par som ligger bakom LUCKY STIFF, ONCE ON THIS ISLAND, MY FAVORITE YEAR, SEUSSICAL och ROCKY THE MUSICAL. 

Det är en tung musikal att sätta upp, rent ekonomiskt, med många roller och en stor ensembel och orkester. Man har haft ytterligare en uppsättning på Broadway, 2009, men den var inte framgångsrik. 2016 satte man upp en slags konsertversion på Ellis Island, en ö utanför New York där många immigranter hamnade innan de släpptes in i landet, och det talas om att sätta upp fullständigt produktion. 

Fattiga immigranter på skeppets undre däck.
Man skulle kunna beskriva musikalen som en slags amerikansk LES MISERABLES, med en handling som är om möjligt ännu mer invecklad. Det är nästan omöjligt att försöka berätta handlingen, för fakta och fiktion flätas samman, och omkring 21 olika livtrådar vävs ihop. Sånt som har hänt blandas med sånt som aldrig hände, men som skulle kunnat hända.

Gary Tushaw som Tateh, den judiska immigranten.
Det handlar om kärlek, hat, våld, rasism, främlingsfientlighet, men ingenting är svart eller vitt. Alla gör lite fel, och lite rätt. Det känns vuxet. Till exempel; den svarta, ganska framgångsrike, svarte mannen Coalhouse Walker Jr, stoppas av rasister som förbjuder honom att köra på vägen, som dom säger är privat. Han vägrar vända, och säger till sin fästmö - jag tror att dom är på väg att gifta sej - att hon ska stig ur bilen och återvända hem, utan en tanke på att hennes säkerhet. När sen bilen saboteras skjuter han upp deras bröllop för att istället gå till domstolen och försöka sätta dit de skyldiga, och under tiden går hans giftassugna flickvän på ett politiskt möte där hon hoppas kunna förmå presidentkandidaten att hjälpa henne, men hon blir istället misstagen för att vara ute för att skjuta honom, och blir ihjälslagen av säkerhetsmän, vilket gör att Coalhouse går över till den andra sidan: börjar bränna ner brandstationer och förstöra fabriker.
 Jag säger inte att han har fel i sitt agerande, eller, jo, det gör jag nog: det finns smartare sätt att hantera sånt här. 

Kostymerna känns utvalda och sparsmakade. Ingenstans upprepas ett klädval, ett snitt eller mönster, och allt är så detaljerat och precist att det känns som om man gjort ett inbrott på ett museum och skövlat skyltdockorna på avdelningen för historiska kostymer. Färgskalan går från skelettvitt till sotigt svart, med ett brunstigt spektrum, och lite köttrosa trasor inslängda. 
Sarah, Jennifer Saaeng 
Man har inte några uttalade musiker, ingen ren orkester, utan man kånkar runt instrument och spelar i de scener man inte deltar i, eller i vissa fall gör man både och. Jag antar att vissa personers styrka måste ligga i att hantera ett instrument, inte i att sjunga, och absolut inte i att agera, men det är omöjligt att avgöra vem som i första hand är vad; musiker eller skådis, för dom flesta verkar kunna allt.
Så har den här produktionen också nominerats till rekordraserande 11 Off West End-nomineringar, så kallde Offies, bland annat för regi, kostym, scenografi och koreografi, förutom manlig och kvinnlig huvudroll, och manlig och kvinnlig biroll.

Objectophilia kallas det när man förälskar sej i föremål, som Eiffeltornet, Frihetsgudinnan eller, vad-vet-jag: ett kylskåp. Jag har ingen aning om vad man kallar det när man faller för en föreställning, men jag föll, pladask. Lika hårt som jag för några år sen föll för Wermland Operas uppsättning av PARADE

Ibland är det här bloggandet av föreställningar ett rejält lidande, speciellt om det man sett inte varit vidare utmanande eller minnesvärt, men ibland är det ett rent nöje att försöka minnas:
Mother, Anita Louise Combre, med
Coalhouses och Sarahs son.
Du vet hur du dagen efter en särdeles rungande fest ligger i sängen och pinsamma minnen liksom bara sköljer över dej? Saker du knappt kommit ihåg att du sagt eller gjort bubblar plötsligt upp till ytan och får dej att gny av ångest?  
Just så är det skriva om den här föreställningen, men precis tvärt om.  
Ibland, mycket sällan, när jag går på en musikal, glömmer jag bort att dom sjunger, för dom agerar sångerna? Ibland, förresten, händer det i en pjäs att dom agerar så bra att det känns som om dom sjunger. 
Så är det hela tiden, här. Nästan alla är på scenen hela tiden, och alla, över lag, inte bara i de stora rollern, är nästan löjligt begåvade, och det känns liksom inte som om man tittar på en musikal, om du förstår vad jag menar. 

Eftersom vi kom in precis efter att huvudkaraktärerna presenteras tar det en stund att sätta sej in i handlingen, vem är vem, vem är vad, var är man och vad vill man, men det bidrog nästan till en starkare upplevelse, man hamnar liksom mitt i handlingen, och det faktum att vi missat några minuter i början ger föreställningen, när jag ser tillbaka på den, en nästan mytisk, och samtidigt nostalgisk kvalitet. Jag kan liksom fantisera ihop början själv. Det är lite som en arkeolog som hittar en staty som saknar en arm, ett ben, ett huvud eller en hand. Det som saknas blir nästan vackrare än det som finns. Jag minns den här föreställningen som jag antar att man minns ett sorgligt, vackert ögonblick, som ett sånt där sista farväl som man vet varar för evigt.


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Vanlig biljett, 453:-  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 9049:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


HALF A SIXPENCE på Noel Coward Theatre, i London: 

"Vi sitter oförskämt bra, nästan i mitten på parkett, inte för långt fram, inte för långt bak, kanske något åt höger, men vi har inte suttit länge, innan jag får en ganska rejäl puff i ryggen, bakifrån. 

”Sorry,” säger den äldre kvinnan, bakom mej, när jag vänder mej om, ”I was just trying to read your back…” 


THE MOUSETRAP, St Martins Theatre, i London: 

Det började som en kort radiopjäs 1947, kallad Three Blind Mice, efter den kända barnramsan från 1609:


Three blind mice. Three blind mice.
See how they run. See how they run.
They all ran after the farmer's wife,
Who cut off their tails with a carving knife,
Did you ever see such a sight in your life,
As three blind mice

 Den bygger på en verklig händelse, där en pojke, Dennis O’Neill, dog efter att ha vanvårdats av sina fosterföräldrar på en bondgård på landet, under andra världskriget." 


SIDE SHOW, på Southwark Playhouse, i London:

"Men vad den här produktionen har åstadkommit med materialet är imponerande. Det är inte långt till West End, rent geografiskt, men rent publik- och prestigemässigt kunde teatern lika väl ha legat i en helt annan stad. Hit hittar få teaterturister, bara de mest inbitna musikalälskarna, och så förstås lokalpatrioterna. Men kanske det är det som ger en viss frihet att skapa."








SparaSpara

Just nu ser jag fram emot -

$
0
0
Genrepet av NATTVANDRINGAR I DEN UNDRE VÄRLDEN, på Kilen i Kulturhuset Stadsteatern.





"Någonting har hänt med Euyrdike. Hon verkar inte trivas på sitt jobb som systemutvecklare på företaget Digital Flux. Det är någonting som känns fel i livet, men det är svårt att sätta fingret på vad det är. En resa genom underjorden kanske kan få henne på andra tankar?"

Ensembleverket samarbetar med Drömmarnas Hus i Malmö och ungas röster 
från Rosengård utgör en del av den här berättelsen. Röster:
Fortunata Kolompar, Leonardo Secic, Adrian Secic, Ebba Backlund, Gabriella Jädert, Tala Radwan, Ali Hussein, Zahed Yossefi, Annie DeFay Hallworth och Josef Abbas. 
Verksamhetsledare Drömmarnas Hus: Liza Fry.

AV/REGI/SÅNGTEXTER JACOB HIRDWALL
MUSIK FREDRIK SÖDERBERG 
KOREOGRAFI JOHANNA LINDH
SCENOGRAFI CAROLINE ROMARE och PETER STOCKHAUS
VIDEOSCENOGRAFI TOM WALDTON
LJUS PETER STOCKHAUS
KOSTYM CAROLINE ROMARE
REGIASSISTENT PATRICIA OLMOS POLANCO
KOMMUNIKATÖR MARGARETA HALLQVIST
GRAFISK FORMGIVARE OLA CARLSON
FOTO KAROLINA HENKE
PRODUCENT BIRGITTA RÖNNHEDH

PÅ SCEN:
ANDREAS LILJEHOLM, CAMILLA LARSSON, ANNAKARIN HIRDWALL, 
LINDA LÖNNERFELDT, MALIN GÜETTLER och NIKLAS JARNEHEIM.


Hemsida HÄR
Biljetter och mer Kulturhusets information HÄR

Föreställningsdatum:

14/1 PREMIÄR 18.00
17/1 FST 19.00
19/1 FST 19.00
20/1 FST 19.00
21/1 FST 18.00
29/1 FST 16.00
2/2 FST 19.00
4/2 FST 18.00
6/2 FST 19.00
9/2 FST 19.00
10/2 FST 18.00


HONK, Fanfaren Kultur, Farsta, föreställning 92, 27/11 2016.

$
0
0
Jag håller nu på och skriver om HONK! med Poff! på Fanfaren i Farsta, och under tiden lägger jag upp lite länkar:


Idag ser jag fram emot -

$
0
0
- ett publikrep av FIGAROS BRÖLLOP av P.A.C. de Beaumarchais, Regi Tobias Theorell, Scenografi Herbert Barz Murauer, Ljus Torben Lendorph, Kostym Maria Gyllenhoff, Koreograf Anna Ståhl, Musik Janne Tavares och W. A. Mozart, Sångtexter Janne Tavares, Musiker Janne Tavares och Göran Martling, Peruk och mask Lena Strandmark och Anne-Charlotte Reinhold, Med Andreas Rothlin Svensson, Tova Magnusson, Grevinnan Almaviva, Eric Stern, Bahar Pars, Tanja Lorentzon, Pontus Gustafsson, Rakel Benér Gajdusek, Andreas T Olsson. 


Från Dramatens hemsida: 
 "Den galna dagen är mer galen än någonsin! En musikalisk och lekfull uppsättning i kabarékostym som blandar disco och Mozart, erotik och politik, allvar och fars.
Figaro och Susanna ska gifta sig. Båda är tjänstefolk till en greve som lider av åldersnoja och sviktande framgångar hos det motsatta könet och därför försöker använda alla möjliga maktmedel för att få till det med Susanna. Något som Figaro, Susanna och grevens hustru tänker förhindra. Att husan Marcellina älskar Figaro i hemlighet och att grevens unge page Cherubino är galet attraherad av alla kvinnor gör inte bröllopsbestyren enklare... Innan dagen är över har alla roller och relationer vänts upp och ned.
Denna pjäs, förlaga till Mozarts älskade opera med samma namn, blev en stor succé efter premiären 1778 – och ett subtilt startskott till den franska revolutionen genom sitt fräcka förkastande av adelns privilegier. På Dramaten spelades den för första gången redan 1799.
När regissören Tobias Theorell, senast Dramatenaktuell med De stora vidderna, tar sig an denna klassiker skapar han en vild blandning mellan olika stilar som förstärker verkets ytterligheter snarare än att försöka tona ner dem. En utgångspunkt som anknyter till pjäsens ursprungliga titel: Den galna dagen, eller Figaros bröllop. Publiken guidas genom handlingen av Andreas T OIsson som vill förklara så att allt blir precis rätt för publiken och samtidigt se till att alla håller tiden.
Musik blir det givetvis också. Uppsättningen är fylld av nyskriven disco, pop och punk av Janne Tavares som blandas med personliga tolkningar av Mozarts operaörhängen."

Biljetter och speldatum hittar du HÄR.

Jag vill passa på att rekommendera -

$
0
0

- en av mina absoluta favoritpodcaster: Behind the Curtain: Broadways Living Legend.

Det är en podcast med program två gånger i veckan: i ett av programmen intervjuar dom en person som är eller har varit verksam på Broadway, i det andra presenterar dom varsin favoritsak, det kan vara en skiva, en person, ett Youtubeklipp   och så vidare.   

Behind the Curtain: Broadways Living Legends är en podcast vars ambitions är att  bevara minnen, visdom och anekdoter från några av Broadways största artister. Från skådespelare till regissörer, designers till producenter, podcaster ger lyssnare den sällsynta chansen att höra Broadways mest intima berättelser från legender som var där när det hände. 

Podcastens värdar är regissören Robert W. Schneider och skådespelaren Kevin David Thomas
Det produceras med hjälp av Daniel J. Gutierrez.



Just nu ser jag fram emot -

$
0
0


- musikalen BOOK OF MORMON, som har premiär på Chinateatern den 29/1 2017. 

Från deras hemsidaThe Book of Mormon är mirakelmusikalen från South Park skaparna och kompositören bakom Disneysuccén Frost. Överöst med priser och hyllad som en frälsare av den komiska musikalgenren är den Broadways största succé under 2000-talet. Genom sin kärleksfulla historia som mästerligt kryddats med knivskarp komik har den attraherat såväl unga som äldre teaterbesökare och fått dem att både tappa hakan och garva käkarna ur led.


Biljetter hittar du HÄR.


SparaSpara

STJÄRNKLART, Stockholm Waterfront, föreställning 93, 7/12 2016.

$
0
0

Kostym Stefan Wåhlberg, Med Ola Salo, Jill Johnson, Henrik Schyffert, Molly Sandén och Martin Stenmarck.

What good is sitting, alone in your room?
Come hear the music play!
Life is a cabaret, old chum!
Come to the cabaret!
Put down the knitting, the book and the broom
It's time for a holiday
Life is a cabaret, old chum!
Come to the cabaret!
Come taste the wine
Come hear the band
Come blow your horn
Start celebrating
Right this way your table's waiting.
What good's permitting some prophet of doom?
To wipe every smile away
Life is a cabaret, old chum!
So come to the cabaret!


Cabaret
ur CABARET
av Kander & Ebb

Det är väldigt skönt, ibland, att bara sätta sej ner och se en show. Att liksom slippa ta ställning till en handling, hur väl den berättas, och hur man förhåller sej till vad det är den berättar. Att liksom bara luta sej tillbaka och säga: Underhåll mej!
Och har man tur så sitter man efter en stund inte alls lutad tillbaka, utan framåt, för man vill komma så nära scenen som möjligt.

Jag var lite småirriterad, för jag hade precis varit och tagit en step-up-klass på Friskis och Svettis, och det verkar som om det finns en - för mej, som är lite koreografiskt handikappad - irriterande trend att föra in mer och mer dans, och dra ner på själva handlingen som är anledningen till att jag är där: själva uppstigandet på en låda. Det snurras, det tas mambo-steg och cha-cha-steg omkring lådan, men sällan, och nästan bara i förbifarten, i brist på andra idéer, verkar det som, kliver vi upp på den. Givetvis är det inte så hos alla ledare, på alla step-klasser, så det gäller att hitta vad som passar var och en, men det är själva sökandet som kan vara lite deprimerande. Jag har också en irriterade vana att glömma namnen på de olika ledarna, så att jag inte minns vilken klass jag gillade, och vilken som bara gjorde mej på dåligt humör. 
Dessutom regnade det.

Stjärnklart är en show som dyker upp varje jul, och gör en julbordsturné, runt om i landet. När man säger julbord, så kanske det låter som något litet, intimt, som en trubadur som surrar i bakgrunden när man får sin välkomstglögg och en barbershopogrupp som river av några julhits till kaffet och konfekten. Det här är inte en sån show. Det är här är showernas motsvarighet till melodifestivalen. Det här är stort. Det här är några Börsen-shower på turné.
Varje år har man nya stjärnor som gästar, och det här året hade man Martin Stenmarck, Ola Salo, Jill Johnson, Henrik Schyffert, och Molly Sandén. Ganska generöst, eller hur? Jag menar, Salo, Johnson och Stenmarck skulle väl kunna sälja ut några arenor på egen hand?

Det är alltid lite knepigt att ta sej hit till Stockholm Waterfront, när man cyklar, tycker jag. På något sätt hamnar jag alltid på Kungsgatan, istället för på Klarabergsviadukten, och måste sen irra runt ett bra tag innan jag hittar dit jag ska. Förra gången jag var här, i somras, när jag såg familjeföreställningen BAMSE OCH VÄRLDENS STARKASTE MAN, kom jag från andra hållet, på något sätt, över nån av broarna från Kungsholmen, men den här gången lyckades jag trassla in mej med bland flygbussarnas vid World Trade Center, innan jag hamnade rätt.

Länge kunde privatpersoner inte komma och titta, utan man vände sej uteslutande till företag. Tyvärr kanske den här inställningen - att inte vara offentlig - har dröjt sej kvar vad gäller marknadsföringen, för tidigare på dagen, innan den förödande stepklassen, när jag hade försökt kolla upp vilka - förutom stjärnorna - som stod på scenen, och vilka som ingick i det kreativa teamet, hittade jag ingen information. Det var som om ingen hade ljussatt, koreograferat, regisserat, gjort kostymerna, körat, lirat instrument och bakgrundsdansat. 

Jag och min kompis Mackie Vazá har platser på balkongen, en bit upp, nästan i mitten. Lokalen är enorm, så man känner av att man sitter en bit ifrån scenen, men det gör inte så mycket, för det här är stor show, med stora uttryck, och hög volym. Det är bara om man, som jag, verkligen vill se vad det är för skor som Jill Johnson har på sej, eller vill se dansarna i vitögat, som man borde sätta sej närmre.
Halvvägs igenom showen gör man en lite längre paus, så att dom på parketten ska kunna avsluta sitt julbord, och jag och Mackie smyger ner till några lediga platser, nästan längst fram på balkongen. 

Scenen är byggd i två nivåer; med två trappar som löper och genom orkestern, med en slags mindre scen däruppe. Man har fyra dansare, två män och två kvinnor, och en körkvinna, och ingen av de fem behöver känna sej outnyttjad. Det känns lite som om de enda gånger dom inte är på scenen, det är när dom är ute i kulissen och byter kläder. 

Jag har ingen teve, och läser inga skvallertidningar, så jag har väldigt dålig koll på popsverige. På Sverige över lag, kanska man ska säga, men populärkulturen, som teveserier och underhållningsprogram, har liksom gått mej förbi. Jag känner till Jill Johnson, eftersom jag såg hennes show på Börsen. Och Ola Salo eftersom han varit med i några musikaler, men Molly Sandén är mej lite obekant. Jag tänker inte googla för att se om hon har varit med i Melodifestivalen, jag utgår från det, men jag tror att jag kanske blandar ihop henne med någon som heter Amy Diamond? 
Man kanske kan tycka att Henrik Schyffert är lite fel i det här sammanhanget, i en grupp av idel sångare, men han fungerar som en slags konferencier, kör lite intervjuer, stand-up, och till och med river av en egen version av en Back Street Boys-låten Everybody, komplett med koreografi, och sång. Det låter inte väldigt bra, och han rör sej lite som om tyngdlagen vore hans fiende, och det är underbart att se någon bjuda så mycket på sej själv. 

Vad som mest imponerar, musikaliskt, är att dom inte bara framför låtarna som vi är vana att höra dom. Jag älskar en bra cover, men inte en sån där som Robbie Willams skiva Swing When You’re Winning, när man liksom bara apar efter vad någon annan har gjort, och det imponerande är hur likt originalet man lyckas komma, utan att har gjort något helt eget av låten, som Annie Lennox gör på sin skiva Medusa, eller en av mina favoriter: K. D. Langs Drag

Flera gånger kommer Jill Johnson in på scenen, och efter en stund kommer Jill Johnson in på scenen, och jag inser att den första Jill Johnson inte var Jill Johnson, utan Molly Sandén, för Jill Johnson är liksom ”Jill Johnson” medan Molly Sandén är en Jill Johnson som liksom inte skulle kunna kicka omkull en pall. Hon har inte samma output, på nåt vis. Förutom rösten. Den är där. Om Jill Johnson är mer hämtade från musikalen RENT, är Molly mer en voiceoveraktris för en Disneyfilm. Absolut inget fel med det, men hon är mer en sångerska än en scenperson.

Kostymerna i första delen, går uteslutande i vitt och svart, men ett princemedleyt, kostymt, innebär en övergång till lila, som en liten pekning mot hans Purple Rain
Det måste vara ganska härligt att få ekipera Ola Salo, för den grabben kan bära upp kläder. Det verkar nästan som om man skulle kunna klä honom i vad som helst, och han skulle gå in på scenen och bara äga den. Många av hans kläder skulle få andra att se utklädda ut; han verkar bara uppklädd. 
Men kostymerna över lag är inte vad man skulle kalla dämpade. Det är fjädrar, fransar, paljetter och plymer, glitter och glans, precis som det ska vara. Det här är inte minimalism, det är maximalism av den där sorten som önskar att jag bara kunde frysa skeendet för att hinna ta in allt på scenen.

Det finns ett ganska slitet skämt som lyder: Det är konstiga tider vi lever i; nu dör folk som aldrig har dött förut. Men visst känns det som om 2016 var året då en hel drös av dom där man trodde var odödliga, försvann? Författarna Harper Lee, Edward Albee, Richard Adams, och Umberto Eco, fotografen Bill Cunningham, kläddesignern Sonia Rykiel, skådespelarna Gene Wilder, Zsa-Zsa Gabor, Carrie Fisher och hennes mamma Debbie Reynolds. Och den kanske lite mer obskyra, men världsberömda för mej: Lady Chablis, från boken och filmen Midnight in the Garden of Good and Evil. Till och med Fidel Castro och Muhammed Ali, men dom var kanske lite mer väntade.
Musikaliskt var det nämligen rena katastrofen: David Bowie, George Michael och Prince, under samma år. Vilka giganter finns kvar?

Timing är allt, och visst är det lite synd att Toots Thielman och Leonard Cohen dog just i år, och alltså blir rejält överskuggade av de mer kommersiellt framgångsrika grabbarna, annars kanske vi hade fått se en hyllning till dom på scenen, ikväll, men istället blir det Prince och Bowie som uppmärksammas. George Michael dog den 25:e December, och var alltså forfarande vid liv. 
Jag kan inte låta bli att fundera på hur Martin Stenmarck skulle framfört Too Funky

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Fribiljett, tack Stefan!  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 9049:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


HONK! med Poff! på Fanfaren i Farsta: 

Ordet amatör kommer från franskans amateur, som i sin tur är hämtad från det latinska amator, en som älskar, och betecknar någon som håller på med något av kärlek, inte för pengar. Så egentligen är det inget nedsättande med uttrycket; i själva definitionen finns inget som tyder på att man också måste vara dålig på det man håller på med. En amatörskådis är bara någon som älskar teater så mycket att betalningen inte är det primära.
 Är det inte också intressant att det också på något sätt betyder att ”riktiga” skådisar inte älskar det dom håller på med?


RAGTIME, på Charing Cross Theatre, i London: Anthony Drewe, och musiken av 

”Has it started?”
Den unga biljettriverskan ser på oss, förvånad, och så verkar hon fatta:
”Oh, are you here for the show?”
Vi nickar, båda två, upp och ner, ivrigt.

Vi kommer aldrig för sent. Faktum är att jag ofta är pinsamt tidig, och Patti-Li, som gillar att ha koll, brukar också vara ute i god tid. Men den här gången har vi goofat: Trots att vi visste att föreställningen började 14:30, så hade vi på något sätt lyckats förtränga det, och istället ställt in oss på att det skulle starta 15:00. 


HALF A SIXPENCE på Noel Coward Theatre, i London: 

"Vi sitter oförskämt bra, nästan i mitten på parkett, inte för långt fram, inte för långt bak, kanske något åt höger, men vi har inte suttit länge, innan jag får en ganska rejäl puff i ryggen, bakifrån. 

”Sorry,” säger den äldre kvinnan, bakom mej, när jag vänder mej om, ”I was just trying to read your back…” 




EN MAN SOM HETER OVE, Rival, föreställning 94, 13/12 2016.

$
0
0

This is a man who thinks with his heart,
His heart is not always wise.
This is a man who stumbles and falls,
But this is a man who tries.
This is a man you'll forgive and forgive
And help and protect, as long as you live.
He will not always say what you would have him say
But, now and then he'll say something wonderful.
The thoughtless things he'll do will hurt and worry you,
Then, all at once he'll do something wonderful.

Something Wunderful 
Ur THE KING AND I
av Rodgers och Hammerstein

Är det bara jag, eller har Rival blivit en väldigt kreddig scen? 
”Den har alltid varit det,” kanske du säger, ”från det att dom öppnade och körde KVARTERET SKATAN, RAINMAN och Sissela Kyles DINA DAGAR ÄR RÄKNADE. Den är en sån där scen dit de hippa Stockholmarna går, om dom går någonstans överhuvudtaget. 
”Okej…” säger jag, för det verkar som om du vet vad du snackar om.

Tidigare på dagen har jag suttit och skrivit om PETER PAN GOES WRONG, som jag någorlunda nyligen hade sett i London. Jag hade också försökt läsa på lite om kvällens föreställning, men jag vet inte om det är en trend, eller bara ett irriterande sammanträffande, men jag tycker produktionsbolag har blivit ganska slarviga med att kreditera kreatörer. Någon vecka innan hade jag varit och sett STJÄRNKLART, och ingenstans på nätet hade jag hittat namn på vem om som koreograferat, regisserat, gjort kostym, scenografi och så vidare. Och det är samma sak med den här föreställningen: Det är inget problem att på Blixtens hemsida hitta bild och namn på den som är redovisningsansvarig, eller receptionist, eller grafisk formgivare, men att hitta information om vem som har ljussatt och designat ljudbilden är helt omöjligt.

Det regnade, och det tog lång tid att skriva om min londonresa. På fejsbook peppras det med länkar om folk som hade åsikter om Åhlens val av Lucia: en liten, mörkhyad kille. Jag kan ibland bli fascinerad över att folk orkar bry sej,  men jag kan bli mer förundrad över att medierna ger utrymme åt idiotiska åsikter, bara för att skapa stormar. 
En halvtimme senare är jag klar med mitt svar: jag har gaffat fast några liljeholmens runt mitt huvud, tänt på dom, och filmat mej när jag rivit av en ganska respektös version av Luciasången. Alltid irriterar det väl någon, men förhoppningsvis piggar det upp desto fler. Jag lägger ut filmen på fejjan och insta. 
Det går en halvtimme, kanske, och jag står i hallen, i regnkläder, på väg att cykla till Rival, då det ringer på min mobil. Nån på nån tidning har sett min film på instagram, och vill lägga ut den. Jag är lite förbehållsam, för jag är rädd att filmen ska användas som ännu en klabbe i åhlensluciabrasan, men har man sagt A får man man skeden i vacker hand och ro honom i land, så jag skickar över den. 
Jag sätter mej på cykeln och trampar in till stan, fullt beredd att medialt bli utnyttjad, missförstådd och hatad och avskydd av alla.


För två år sen, 2015, på julafton, precis när jag och mina föräldrar stod ute i fastun och tackade för oss, på väg hem, frågade min kusin, Meta Summer, om jag ville följa med på bio på annandag  och sen En Man Som Heter Ove. Det är kanske inget konstigt med det, om det inte vore så att vi firade jul nere på Öland, och det finns inga biografer där. Inte på södra Öland, i alla fall, och det var där vi var. Det fanns en aula i Mörbylånga, visste jag, för julen innan hade jag sett Hundraåringen Som Hoppade Ut Genom Ett Fönster Och Försvann, där. Men ingen riktigt biograf.
”Det finns en biograf i Torngård,” börjar Meta förklara.
”Ja,” avbryter min mamma, och jag hör på hennes ton att detta är något speciellt, ”den ligger egentligen i  Gräsgård, och dom gör avbrott mitt i filmen - ”
”- för att sälja korv,” skrattar min kusins sambo. ”Och den ligger i Degerhamn, kan man säga.”
Sånt kan man väl inte säga nej till? 

Uppe i Stockholm, på varje elskåp och lyktstolte, på varje buss, taxi och anslagstavla, hade man precis börjat göra reklam för Rheborgs monologversion, så när vi några dagar senare sätter oss i en bil och kör rakt ut i den mörka, snölösa ölandsnatten, har jag liksom inte klart för mej att Rheborg inte är med i filmen. Jag har inte läst boken, som kom 2012, för jag läser sällan svenska böcker, så jag har ingen aning om vad den handlar om. Nån som är sur, ser det ut som, på affischen, och jag antar att han heter Ove. 
Det visade sej vara en mycket fin film, och en lika bra biograf.

När jag nu äntligen ser scenversionen, saknar jag ingenting från filmen. Kanske är det så att jag fortfarande minns scener, och liksom omedvetet spelar upp dom i mitt minne, men jag tror inte det. Det känns som om jag är här och nu. 

Det handlar om Ove, en man som ännu inte uppnått pensionsåldern, men som fått gå från sitt jobb. Ingenting har blivit som han trodde att han hade rätt att förvänta sej. Hans liv och hans land har förändrats, och han känner inte igen sej. Han är, antar jag, vad vissa skulle kalla en vit, privilegierad man. Det är bara det att ingen talat om det för honom. Hans fru har dött, han har inga vännner, och han bestämmer sej för att ta livet av sej. Då ringer det på dörren. Livet, på gott och ont, har kommit på besök. 

Scenografin är enkel, men effektiv: i fonden en plankvägg som går att belysa bakifrån, så att ljus sipprar in mellan springorna. Några bänkar. Mer behövs inte. Kostymen likaså: en blåblek skjorta, en stickad väst med knäppning, ett par gubbjeans. 
Och en ensam man på scenen. 

Jag älskar monologer. Detta är dessutom en ypperligt utförd och iscensatt monolog, så jag sitter i på salongen, längst upp, längst bak,  och myser som en kliad katt. Framför mej sitter ett gäng ungdomar med invandrarbakgrund. När Ove nere på scenen börjar härma Parvaneh, en nyinflyttad granne som pratar svenska med brytning, tittar jag nervöst för att se hur dom reagerar. Dom skrattar, och armbågar varandra i sidan. Tydligen har ingen talat om för dom att den politiskt korrekta reaktionen borde vara att bli förnärmad. 

Om jag har några åsikter så är det att det går lite fort i början, nästan forcerat, men jag antar att man måste sno sej på att fånga publiken. Jag önskar också att man någonstans skulle få se Ove eller monologisten när han inte vet vad han känner, eller vad han ska tycka. En man som blir utsatt, perlex, bara någon gång. 
Men det här är bölande bra, sådär rörande att man får små harklingsklumpar längst bak i halsen. Man förälskar sej i Ove utan att han - både skådespelaren och rollen - verkar be om det. Det finns liksom inget poppispockande publikfrieri, tvärtom, gubben är hur sur som helst, och avig, mest hela tiden. Men långsamt, på något sätt, blir han en hjälte. En förebild. En person som försöker göra det rätta. Som inte fegar. 

Och jag skulle inte kalla mej en hjälte, men min luciafilm användes inte till att orsaka en folkstorm. Den dog en stilla död i mediaflödet, som vid det här laget var lite trötta på luciakriget. Hans Luciakrona kan vara landets fyndigaste stod det över ett foto av mej på deras hemsida. Videons röda playknapp har hamnat mitt i mitt ansikte och gör att jag ser ut som en clown, eller Rudolf med röda mulen. 
Jag har i skrivande stund inte emottagit ett enda dödshot.




Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Fribiljett, tack Git!  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 9049:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


STJÄRNKLART, på Stockholm Waterfront:

Stjärnklart är en show som dyker upp varje jul, och gör en julbordsturné, runt om i landet. När man säger julbord, så kanske det låter som något litet, intimt, som en trubadur som surrar i bakgrunden när man får sin välkomstglögg och en barbershopogrupp som river av några julhits till kaffet och konfekten. Det här är inte en sån show. Det är här är showernas motsvarighet till melodifestivalen. Det här är stort. Det här är några Börsen-shower på turné.


HONK! med Poff! på Fanfaren i Farsta: 

Ordet amatör kommer från franskans amateur, som i sin tur är hämtad från det latinska amator, en som älskar, och betecknar någon som håller på med något av kärlek, inte för pengar. Så egentligen är det inget nedsättande med uttrycket; i själva definitionen finns inget som tyder på att man också måste vara dålig på det man håller på med. En amatörskådis är bara någon som älskar teater så mycket att betalningen inte är det primära.
 Är det inte också intressant att det också på något sätt betyder att ”riktiga” skådisar inte älskar det dom håller på med?


RAGTIME, på Charing Cross Theatre, i London: Anthony Drewe, och musiken av 

”Has it started?”
Den unga biljettriverskan ser på oss, förvånad, och så verkar hon fatta:
”Oh, are you here for the show?”
Vi nickar, båda två, upp och ner, ivrigt.

Vi kommer aldrig för sent. Faktum är att jag ofta är pinsamt tidig, och Patti-Li, som gillar att ha koll, brukar också vara ute i god tid. Men den här gången har vi goofat: Trots att vi visste att föreställningen började 14:30, så hade vi på något sätt lyckats förtränga det, och istället ställt in oss på att det skulle starta 15:00. 



DONNA JUANITA, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 95, 21/12 2016.

$
0
0
Foto: Carl Bengtsson/Skarp Agent och Matilda Rahm

Sångtexter Hans Alfredson & Tage Danielsson, Av och regi Johanna Garpe, Av Erik Norberg, Scenografi Lars Östbergh, Kostym Kersti Vitali Rudolfsson, Ljus Erik Berglund, Ljud Kristian Oscarsson & Petter Samuelsson, Mask Katrin Wahlberg, Koreograf Roger Lybeck, Kapellmästare Carl Bagge, Musik av bl a Franz Schubert, Gunnar Svensson, Hoagy Carmichael, Stylist lanseringsbild Ursula Wångander, MED: Gina Dirawi, Claire Wikholm, Matilda Ragnerstam, Robin Keller, Kristofer Kamiyasu, Kajsa Reingardt, Ole Forsberg, Fredrik Lycke, Kalle Westerdahl, Ann-Sofie Rase, Sven Ahlström, Maja Rung, Stran Cetin, Kristofer Kamiyasu, Albin Flinkas, Musiker Carl Bagge, Per Ekdahl, Per "Texas" Johansson, Nils Janson, Joe Williamson

Why can't a woman be more like a man?
Men are so honest, so thoroughly square;
Eternally noble, historically fair;
Who, when you win, will always give your back a pat.
Why can't a woman be like that?
Why does ev'ryone do what the others do?
Can't a woman learn to use her head?
Why do they do ev'rything their mothers do?
Why don't they grow up- well, like their father instead?
Why can't a woman take after a man?
Men are so pleasant, so easy to please;
Wherever you're with them, you're always at ease

A Hymn to Him
ur MY FAIR LADY,
musik: Fredrick Loewe
text: Alan Jay Lerner

Ibland har man tur: innan föreställningen hade jag försökt köpa en sistaminutenbiljett från automaten i Kulturhusets biljetthall. Det fanns en plats nästan längst fram, i mitten, men när jag försökte välja den blev det hela tiden fel på automaten, och jag fick börja om. Automaten och jag är inte vänner, sen gammalt, jag vet inte vad jag gör för fel, och efter femte försöket gav jag upp, och tog en nummerlapp.
När det blev min tur var platsen redan såld, till någon annan. Och det är vad jag menar med tur: skådisar gör oftast ett väldigt bra jobb, och det är oftast inte deras fel om föreställningen är ointressant, så jag försöker ofta se intresserad ut, för deras skull.
I det här fallet hade det varit omöjligt. 
Jag satt utom synhåll och suckade, irriterat, uppe på första balkong, tillsammans med en massa pensionärer - detta är en föreställning som verkar attrahera den äldre demografin - ackompanjerad av illa viskade utrop som ”Jag hör inte vad hon säger!”, ”Förstår du vad hon säger?”och ”Vad sa hon?”
Man har valt att låta Gina Dirawi prata en mycket bred dialekt, trots att ingen annan i hennes familj gör det. 

Jag hade kommit dit, kanske inte förväntansfull, men på gott humör, för jag hade tidigare skrivit klart mitt blogginlägg om SIDE SHOW, i London, och hade även lyckats handla årets sista julklappar. Eftersom vi närmar oss slutet på Januari kan jag berätta vad det blev: Jag cyklade till Gudrun Sjödéns outlet i Årsta, gick lös bland vintage-ställningarna, och cyklade hem nån timme senare, några tusen fattigare, men med mammas, mosters och kusinens julklappar fixade. Några trisslotter löste problemet med resten av familjen. 

Det tog inte lång tid in i föreställningen innan jag började tänka: det här skulle kunna ha blivit riktigt bra. Med en annan regissör, kanske, nej, säkert, och definitivt med ett annat manus. Skådisarna - många av dom - är klara favoriter, kostym, scenografi, mask och peruk är bra, och koreografi och iscensättning wobblar mellan bra och mycket bra. 
Tänk, vad innovativt det hade varit om man hade rekonstruerat någon av Hasse och Tages gamla revyer, som GULA HUND, LÅDAN, GLASET I ÖRAT eller 88-öresrevyn, istället för att antagligen tro att man kan göra något bättre. Eller i alla fall intressantare?
Hasse och Tages revy SPADER MADAME floppade rejält när den sattes upp på Oscarsteatern 1969. Den kallade sej själv ett överklassnöje, och använde sej uteslutande av Shubert-musik. Kanske är vi redo för den nu? Vi har Robin Keller, Fredrik Lycke, Kalle Westerdahl och Sven Ahlström som kan täcka upp för Hasse Alfredsson, Tage Daniellson, Gösta Ekman och Martin Ljung, och Kajsa Reingart, Ann-Sofi Rase och Maja Rung som kan ta över från Monica Zetterlund, Birgitta Andersson och Grynet Molvig.
Eller varför inte göra en best of-föreställning? 
I alla fall är det musiken, och många gånger sången, som är den stora behållningen. 

En jukebox-musikal är en musikal som återanvänder redan inspelad musik i ett nytt sammanhang, och som sådan brukar musiken vara det viktiga, och själva handlingen brukar vara ett slags mer eller mindre begåvat dramatiserade övergånger mellan sångerna, men när jag tänker tillbaka på den här föreställningen, och läser låtlistan, är det handlingen jag kommer ihåg, och har svårt att ens minnas hur många av sångerna var iscensatta, så lite verkar dom ha fört handlingen framåt. Man verkar bara riva av dom, och var i föreställningen man sjunger dom, och varför, verkar inte vara förankrat i handlingen. Jag minns att Kajsa Reingart sjöng O Vad En Liten Gumma Kan Gno, och att Kalle Westerdahl och Ann-Sofi Rase rev av Hon Och Jag, men vem sjöng Grym och Vidrig, Är Jag För Banal, och Pigornas Kurt? 
Och det mest talande kanske är att man inte sjunger Donna Juanita, sången om Don Juans syster, som försökte göra samma erotiskt erövringar som sin bror, men som bemöttes på ett helt annat sätt. 

Det handlar om Anita, en ung flicka från Kramfors, som efter middagen blir ombedd av sin mamma att hjälpa till att duka av. När hon frågar varför hennes bror inte behöver hjälpa till, får hon till svar att mamman minsann inte tänker låta en man hantera hennes porslin, eller nåt sånt. Detta, obegripligt nog, får Anita att slita in brevbäraren i en skrubb, ha sex med honom, och sen fotografera honom. Jag vet inte riktigt vad det är hon fotograferar, om hon bara tar ett kort på pillesnoppen, à la Cynthia Plaster Caster, en groupie som gjorde avgjutningar av rockmusikers organ, eller om hon på något sätt lyckas fotografer hela akten. Det kontroversiellt intressanta är kanske att män som gillar att skicka dickpics får veta att det verkligen verkar finnas kvinnor som uppskattar en bånge på bild.
Så ger sej Anita - nu med det mer hippa, något sökta namnet Donna Juanita - ut i världen, för att fucka och fota. Hennes bror, som till skillnad från sångens Don Juan, verkar vara något av en eunuck, följer med för att hjälpa henne dokumentera framfarten. 
Vad som känns lite ojämlikt, är att alla män, istället för att säga tack och adjö, efter akten, verkar kära ner sej i Juanita. Det är som om man inte riktigt kan förmå sej att berätta en historia där man och kvinna bara har suverän sex, och sen aldrig ses. Det blir liksom inte ett ömsesidigt, samtyckande sex, där man båda bara utnyttjar varandras kroppar, utan man har av någon anledning valt att männen förälskar sej i henne, och börjar jaga henne land och rike runt, så att dom genom en högmoralisk läsning fortfarande är henne trogen. Jag anar ett slags tvivelaktigt, dolt budskap där kvinnans egentliga mål är att bli uppvaktad, jagad, beundrad, fortfarande, till syvende och sist, ett objekt; den som jagas, inte den som jagar. 

I en parallellhandling får vi följa den äldre Donna Juanita, nu med hemtjänsthjälp, några vilka hon verkar ha sex med - dom är män, så det är inte övergrepp eller maktmissbruk, även om motsatt situation hade varit omöjlig att visa upp på en politisk korrekt scen  - för givetvis måste man visa att en äldre kvinna är sexuellt attraktiv för mycket yngre män, även om ordet gerontofil aldrig nämns. 
En man som kallar sej Don Juan verkar ha stulit hennes livs historia och skrivit en bok, och Donna Juanita, med en hemtjänstkvinna som sin Sancho Panza, ska försöka avslöja, med sina foton som bevis. 
Det är ganska uppenbart att varken författare eller regissör har arbetat inom hemtjänsten, för man ger en fullständigt inkompetent bild av hur mycket tid var brukare får tilldelad, och vilka pensionärer som anses ha rätt till hemtjänst. Givetvis får man ta sej konstnärliga friheter, men många i publiken - de flesta har inte långt dit - kommer att bli väldigt besvikna om detta är vad dom förväntar sej av vårdsverige. 

På något sätt, lyckas man säga precis motsatsen till det jag förväntat mej. Jag hade trott att jag skulle få se en slag pretto-feministisk föreställning som antingen bara beklagade att kvinnor inte kunde leva loppan på samma sätt som män, eller kanske en mer intressant läsning där man kom fram till att det kunde dom visst, om dom bara slutade snacka skit om andra kvinnor som gjorde det. 
I ett Sverige som börjat gå från frigjort och jämlikt, och där antifeministiska kulturer ökar, beter hon sej precis som ett typexempel på vad patriarkerna tror att kvinnor skulle göra utan övervakning: Det finns inget stolt, maktfullt eller ens en erotiskt njutning över denna Donna Juanita. Hon är i det närmsta nästan förståndshandikappad och borde kanske ha en ledsagare med sej om hon går ut, precis som vissa fäder förespråkar. Att hon inte är så smart hade inte gjort så mycket, om det hade verkat som om hon hade fått någon slags sexuell stimulans av alla män hon ligger med, men nu verkar hon bara syssla med något slags hämnd-knullande, för att hennes mamma bett henne hjälpa till med disken. Jag förstår inte vad hon får ut, om hon inte njuter av det, och vad man i såna fall vill säga.

När jag åker hem funderar jag på vad Albin Flinkas och Fredrik Meyer hade kunnat åstadkomma om dom fått tillgång till denna scen, en dramaturg och motsvarande budget. 


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Sista minutenbiljett, 175:-!  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 9224:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 

EN MAN SOM HETER OVE, på Rival: 

"Är det bara jag, eller har Rival blivit en väldigt kreddig scen? 
”Den har alltid varit det,” kanske du säger, ”från det att dom öppnade och körde KVARTERET SKATAN, RAINMAN och Sissela Kyles DINA DAGAR ÄR RÄKNADE. Den är en sån där scen dit de hippa Stockholmarna går, om dom går någonstans överhuvudtaget. 
”Okej…” säger jag, för det verkar som om du vet vad du snackar om."


STJÄRNKLART, på Stockholm Waterfront:

Stjärnklart är en show som dyker upp varje jul, och gör en julbordsturné, runt om i landet. När man säger julbord, så kanske det låter som något litet, intimt, som en trubadur som surrar i bakgrunden när man får sin välkomstglögg och en barbershopogrupp som river av några julhits till kaffet och konfekten. Det här är inte en sån show. Det är här är showernas motsvarighet till melodifestivalen. Det här är stort. Det här är några Börsen-shower på turné.


HONK! med Poff! på Fanfaren i Farsta: 

Ordet amatör kommer från franskans amateur, som i sin tur är hämtad från det latinska amator, en som älskar, och betecknar någon som håller på med något av kärlek, inte för pengar. Så egentligen är det inget nedsättande med uttrycket; i själva definitionen finns inget som tyder på att man också måste vara dålig på det man håller på med. En amatörskådis är bara någon som älskar teater så mycket att betalningen inte är det primära.
 Är det inte också intressant att det också på något sätt betyder att ”riktiga” skådisar inte älskar det dom håller på med?



GRUPPEN KÖPER SIG FRI, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 96, 31/12 2016.

$
0
0
Foto: Parinazz Iranmanesh

Idé Aida Paridad, Idé, manus, koreografi & regi Gruppen, Scenografi Sven Haraldsson, Kostymidé Gruppen, Kostym Daniela Krestelica, Ljus Åsa Holtz, Ljud Pia Do, Kompositör Emil Roijer, Koreograf Niki Tsappos och Tarika Wahlberg, Affisch Parinazz Iranmanesh, Syntolk Felicia Kronlöf, med Medverkande: Elin Söderquist, Bianca Kronlöf, Nina Haber, Teckenspråksgestaltare: Mina Lilja Zwedberg

Money makes the world go around
The world go around
The world go around
Money makes the world go around
It makes the world go 'round.

A mark, a yen, a buck, or a pound
A buck or a pound
A buck or a pound
Is all that makes the world go around,
That clinking clanking sound
Can make the world go ’round.

Money
Ur CABARET,
Musik John Kander, 
Text Fred Ebb.

När en teatergrupp, eller en förställning, ger sej själv epitetet feministisk, drar jag ofta öronen åt mej. Inte för att jag har något emot jämlikhet, det är bara det att ordet i sej har blivit lite nött och utnyttjat. Exploaterat. Jag vet ingen föreställning eller teatergrupp som skulle säga att den inte är feministisk. Det är lite som när vissa livsmedelsproducenter för några år sen skröt med att dom hade naturliga råvaror. Man kan liksom klämma in vad som helst under den rubriken. Bly, cyanid och kvicksilver är väl också naturliga råvaror?
Om en föreställning säger att den är antirasistisk, eller antihomofobisk, så finns det alltid någon som kan ha åsikter om hur flatorna framställs, eller hur puertoricanerana porträtteras, som kan känna sej förolämpad, angripen eller utpekad, som kan ställa sej, upp, protestera, skapa facebook-grupper, protestsidor och ge teatern dåligt betyg.
Men det verkar inte funka så med feminism: ordet i sej har blivit en slags garant för att vad som sägs är rätt och riktigt, och ingen kan liksom komma och säga att den inte är vad den påstår sej vara. 
Borde det inte skrivas en pjäs som heter Kejsarinnans Nya Kläder?
På samma sätt kan man inte ifrågasätta eller kritisera något som säger sej vara feministiskt. En tavla, som annars skulle fått hård kritisk, får nog både en andra och en tredje chans om man läser att den heter Ett Feministiskt Mästerverk, speciellt om konstnären är en kvinna. Det kvittar om den verkligen är bra, den är bra, på grund av vad den påstår sej vara. Tycker man inte att en feministisk cabaret är rolig, då har man inte fattar grejen, förklarar man att man tycker att texterna i en feministisk musikal är undermåliga, rent av dåliga, då är det på gränsen att man mansplainar, och säger man att en feministisk pjäs är inkompetent regisserad eller dramatiserad, då står man på andra sidan, och kan se fram emot ett mobb-angrepp.
Jag förstår att man utnyttjar ordet, för det är liksom ett frikort, i sej: i förlängningen betyder det att om man inte går på en föreställning som påstår sej vara feministisk, då är man en manschauvinist, eller ett offer för patriarkatets förtryck. 
Det konstnärliga värdet, kvaliteten, är liksom sekundär, nästan marginell.

Men det finns, gudskelov, feministiska föreställningar och formationer som är fenomenala.

Ofta händer det bara på Dansens Hus, det här att jag sitter och upplever att jag ser något helt nytt, något jag inte kunde fantisera ihop själv, eller föreställa mej. På teater händer det väldigt sällan, eller nästan aldrig. Den fysiska formen är på något sätt fastställd; man går omkring och pratar, ibland sjunger man, eller dansar, det kan vara urspännande, utmanande eller urdåligt, men formen är någorlunda densamma, hela tiden. 

Det är nyårsafton på Kulturhuset Stadsteatern, och i Lilla Scenens salong är det ganska folktomt. Det verkar vara fler lediga platser än personer, och jag, som har fått en biljett på andra bänkraden, har hela längan för mej själv. 
Det sitter bara två personer på raden framför mej, en man och en kvinna, och kvinnan håller på och skriver något på vad som ser ut som baksidan på ett kuvert, eller ett vikt A4:a:
”Ni är fantastiska (hjärta)
Hade köpt en chamgneflaska 
om det varit öppet på systemet”

Är det inte öppet på systemet? tänker jag. Visst har dom väl öppet på nyårsafton? 
Jag tror inte hon har tänkt igenom sin nödlögn.

Ja, det är nyårsafton, och vi som är här har valt att fira den på teatern, inte med en glassig operett, eller någon slags nyårskonsert, utan med en feministisk pjäs om kapitalismen. Jag är på gränsen till självgod, men också lite förbehållsam: det kan hända att det hela kommer att vara lite undervisande, lite nedlåtande, lite patroniserande. Högerkritiska föreställningar - som jag förutsätter att detta är - kan vara väldigt elitistiska, konstigt nog. 

På det vita scengolvet ligger fyra kvinnor, med hjässorna mot salongen. Tre är vitklädda, en är svartklädd. Alla verkar ha håret i någon slags flätat frisyr, med olika varianter för alla. Inga kostymer är identiska, inga val upprepar sej, förutom tre par vita gympaskor. Någon har en vit overall, någon annan, vita shorts, skjorta och pullover, ytterligare någon annan har en kort kjol, vita stumpbyxor, och en kortärmad vit skjorta över en långärmad vit skjorta. Den svartklädda kvinnan har tröja och vida byxor. 
På allas kläder, står ordet Gruppen tryckt, någonstans, som om dom var sponsrade av sej själva, eller hade köpt skrytkläder från klädföretaget Gruppen
Vid fonden står en gigantisk spegel, lutad lätt framåt, så att vi i publiken ser de liggande som om dom står upp, liksom ovanifrån. Vid sidan om scenen, som bokstöd, står ljusriggar.
Den svartklädda kvinnan visar sej vara teckentolk, vilket inte betyder att hon står vid sidan om och liksom återger vad som sägs. Hon är integrerad i många av scenerna, och står ofta ställd centralt.

Så börjar dom, och det är bara att hålla i sej, för nu bär det av. 
Det handlar om kapitalismen, sedd ur alla tänkbara vinklar, med över trettio texter hämtade från alla möjliga håll, från Selma Lagerlöfs Herr Arnes Penningar, George Bernhard Shaws Den intelligenta kvinnans vägvisare till socialism och kapitalism, till Nietches Så Talade Zarathustra, Shakespeares Köpmannen i Venedig och artiklar hämtade från DN, Etc och SVD.
Det är humoristiskt, friskt, och - antar jag - feministiskt. Det går väldigt, väldigt fort. I början av föreställningar brukar man på något sätt förklara premisserna, och här försöker jag vara lite kritiskt, avvaktande och ifrågasättande, men det finns helt enklet tid: fakta levereras med fiberoptisk hastighet, man hinner inte tugga, smaka, det är bara att svälja. 

Jag vet inte hur jag skulle beskriva den här genren. Jag skulle kunna säga att det är en slags fysisk iscensättning av text, om det inte hade fått det att låta tråkigt, vilket detta absolut inte är.  Det är nästan motsatsen till tråkigt, det är nästan som om det vore riktad mot en publiken med koncentrationssvårigheter, som lätt tröttnar, och som behöver konstant stimulans.
Det är lite Molière, tänker jag. Politiskt, snabbt, humoristiskt och rytmiskt. Jag, som är ganska koreografiskt handikappad - ni skulle se mej på en stepklass på friskis; jag är det där skalliga knubbot som står längst bak och ser förvirrad ut - förstår inte hur dom gör det: det måste vara som att klappa sej på huvudet och gnida sej på magen, samtidigt som man reciterar ORESTIEN. 
Säg till exempel att dom skulle iscensätta början på det här blogginlägget:

När en teatergrupp, eller en förställning ger sej själv epitetet feministisk, drar jag ofta öronen åt mej.

Skulle det kunna se ut såhär: 

Fyra kvinnor, CHANSON, HEKABE, BANDIT och TECKENTOLKEN står mitt på scenen.

CHANSON: När en teatergrupp (Visar på BANDIT.)

BANDIT: Hej, jag är en teatergrupp -

HEKABE:- eller en föreställning (Visar på BANDIT.)

BANDIT: Hej, jag föreställer en föreställning -

CHANSON:ger sej själv epitetet feministisk (Knyter näven, flexar armen, tar sej på biceps à la Rosie the Riveter)

BANDIT: Hej, jag är en feministisk (Knyter näven, flexar armen, tar sej på biceps à la Rosie the Riveter) föreställning - 

HEKABE:(Rättar:) eller en teatergrupp -

BANDIT: - eller en feministisk (Knyter näven, flexar armen, tar sej på biceps à la Rosie the Riveter) teatergrupp - 

CHANSON:- så (Tar sej på öronen) -

HEKABE:(Till CHANSON:) Vad gör du?

CHANSON:Jag drar öronen åt mej.

ALLA: (Drar öronen åt sej.)

1995 hade Tom Stoppards ARKADIEN premiär på Stockholms Stadsteater. Det är en komedi om ordning och ordning, om då och nu, om osäkerhet och sånt man vet med säkerhet. Jag såg den sju gånger. Både för att jag var helt fascinerat, men också för att det var mycket jag inte fattade. 

Den här föreställningen är likadan: jag är helt fast, men märker också mina begränsningar vad gäller min hjärna och mitt allmänvetande. Förhoppningsvis har något tagit sej in undermedvetet, utan mitt aktiva lyssnande, för jag är helt förtrollad av rörelserna, spelglädjen och energin, men inte så uppmärksam på vad det är dom berättar. 

Gruppen, som är baserad i Göteborg, har tidigare satt upp GRUPPEN GÖR FREDRA!, GRUPPEN GER SKULD OCH SKAM!, GRUPPEN GOES ONDA KVINNOR!, och GRUPPEN OCH HERRARNA.
2015 gästade dom Kulturhuset Stadsteatern med GRUPPEN KARTLÄGGER DEN SCENISKT TEATERN, och jag önskar så att jag hade sett den. 

Och det är skönt att få avsluta teateråret med en riktig höjdare.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Vanlig biljett, 220:-!  Hittills har scenkonsten 2016 kostat mej 9444:-

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


DONNA JUANITA på Kulturhuset Stadsteatern: 

Det tog inte lång tid in i föreställningen innan jag började tänka: det här skulle kunna ha blivit riktigt bra. Med en annan regissör, kanske, nej, säkert, och definitivt med ett annat manus. 


EN MAN SOM HETER OVE, på Rival: 

"Är det bara jag, eller har Rival blivit en väldigt kreddig scen? 
”Den har alltid varit det,” kanske du säger, ”från det att dom öppnade och körde KVARTERET SKATAN, RAINMAN och Sissela Kyles DINA DAGAR ÄR RÄKNADE. Den är en sån där scen dit de hippa Stockholmarna går, om dom går någonstans överhuvudtaget. 
”Okej…” säger jag, för det verkar som om du vet vad du snackar om."


STJÄRNKLART, på Stockholm Waterfront:

Stjärnklart är en show som dyker upp varje jul, och gör en julbordsturné, runt om i landet. När man säger julbord, så kanske det låter som något litet, intimt, som en trubadur som surrar i bakgrunden när man får sin välkomstglögg och en barbershopogrupp som river av några julhits till kaffet och konfekten. Det här är inte en sån show. Det är här är showernas motsvarighet till melodifestivalen. Det här är stort. Det här är några Börsen-shower på turné.



SparaSpara

FIGAROS BRÖLLOP, genrep på Dramaten, Föreställning 1, 9/1 2017.

$
0
0

Pierre_Augustin Caron de Beaumarchais, Regi Tobias Theorell, Scenografi Herbert Barz Murauer, Ljus Torben Lendorph, Kostym Maria Gyllenhoff, Koreograf Anna Ståhl, Musik Janne Tavares och W. A. Mozart, Sångtexter Janne Tavares, Musiker Janne Tavares och Göran Martling, Peruk och mask Lena Strandmark och Anne-Charlotte Reinhold, Med Andreas Rothlin Svensson, Tova Magnusson, Grevinnan Almaviva, Eric Stern, Bahar Pars, Tanja Lorentzon, Pontus Gustafsson, Rakel Benér Gajdusek, Andreas T Olsson. 

Bless this day,
Tragedy of life,
Husband joined to wife.
The heart sinks down and feels dead
This dreadful day.

Listen, everybody, look, I don't know what you're waiting for,
a wedding, what's a wedding, it's a prehistoric ritual
where everybody promises fidelity forever, which is
maybe the most horrifying word I ever heard of, which is
followed by a honeymoon, where suddenly he'll realize he's
saddled with a nut, and wanna kill me, which he should--
Thanks a bunch,
But I'm not getting married--
Go have lunch,
'Cause I'm not getting married--
You've been grand,
But I'm not getting married--
Don't just stand there,
I'm not getting married--
And don't tell Paul,
But I'm not getting married today.

Go, can't you go?
Why is no-
Body listening?
Goodbye,
Go and cry
At another person's wake.
If you're quick,
For a kick,
You could pick
Up a christening,
But please,
On my knees,
There's a human life at stake!

Getting Married Todey
Ur COMPANY
Text och Musik av Stephen Sondheim

Efter föreställningen, när vi väntade på att de längre bort i bänkraden skulle resa sej, så att vi kunde komma ut, började jag prata med det äldre, äkta paret som satt bredvid mej:
”Vet du, det är så länge sen man såg något som var bra,” sa mannen som satt bredvid mej.
”Ja, allt ska göra så konstigt, nu för tiden,” beklagade han som satt bredvid honom.
”Som om det var barnteater.”
”Som om vi var dumma i huvudet.”

Och jag höll med. För några år sen, på Elverket, såg jag en uppsättning av DON GIOVANNI av Hannes Meidal och Jens Ohlin, i regi av den senare, och det känns lite som om det var något åt det hållet man försökte göra på Stora Scenen. Det var bara det att den uppsättningen, trots att den var riktad till skolelever, kändes verkligare, mognare, mer genomarbetad, mer tänkvärd, och både mer komisk och skrämmande. 
Sommaren 2015 såg jag dessutom en bearbetning av pjäsen, DEN GALNA DAGEN - ELLER FIGAROS BRÖLLOP, på Mälardalens Friluftsteater, en version som var avsevärt mer underhållande.

Det hade börjat bra. Jag menar, jag vet inte när Andreas T. Olsson inte är bra. Såhär i efterhand önskar jag att det aldrig hade börjat, för när vi kommer in i salongen är han redan igång, som en slags ciceron, värd eller M.C., master of Ceremonies. Han pratar med publiken, skämtar, och fungerar lite som en klassisk publikuppvärmare, bara mycket, mycket bättre. Han berättar om dramatikerns förflutna som urmakare, och knyter ihop olika trådar och infall, som värsta stand-upparen. Man kanske skulle kunna tänka att det inte är så svårt att vara rolig när man inte behöver förhålla sej till en handling, men även när han senare stiger upp på scenen, i små biroller, är han suveränt intressant, och lyckas göra de små inhoppen till det mest spännande som händer, på scenen.

Det handlar om Figaro, grevens betjänt, som ska gifta sej med Suzanna, grevinnans jungfru, idag, men får veta av sin fästmö att rummet dom fått som ligger mittemellan Greven och Grevinnans sängkammare, blivit dom tilldelade för att husets herre är lite sugen på den unga bruden. 
Det handlar också om Marceline, en äldre kvinna som arbetar som hushållerska åt greveparet, och som lånat en stor summa pengar till Figaro, med förbehållet att om han inte kan betala tillbaka dom ska han gifta sej med henne.
Och det handlar om Cherubin, en page som är förälskad i Grevinnan. 

Detta var den mest framgångsrika pjäsen i Frankrike under hela 1700-talet. Den är skriven av Pierre Beaumarchais, en verklig renässansman: Han var en urmakare, uppfinnare, dramatiker, musiker, diplomat, spion, förläggare, hortonom - en vetenskaplig trädgårdsodlare, en vapenhandlare, en finänsiär och en revolutionär. Någon borde skriva en pjäs om honom, tycker jag. 
Han föddes i Frankrike 1732, som son till en urmakaren i en småstad. Tjuogoett år gammal uppfann han ett sätt för fickur att bli mer tillförlitliga, genom något som heter spärrhake, och efter lite tjafs om rättigheter blev han en av de mest kände klockmakarna i landet, något som gjorde honom förmögen, och han började fnula med att skriva pjäser. 
Den här pjäsen ingår i en trilogi om Figaro, och den föregås av BARBERAREN AV SEVILLA, och följs av DEN SKYLDIGA MODERN, en pjäs som utspelar sej 20 år efter bröllopet, och handlar om hur Cherubin och Grevinnan har fått en son, och om Grevens oäkta dotter, som är kära. Den är också dramatikerns sista pjäs.

FIGAROS BRÖLLOP var tänkt att sättas upp 1781, på Comédie Francaise, en av Frankrikes få statliga teatrar som fortfarande existerar. Den skapades 1680, genom att Louis XIV slog ihop de två enda existerande teatergrupperna i Paris, Guénégaud Threatre och Hôtel de Bourgogne. Ursprungligen hade pjäsen godkänts av censorn, men en privat läsning inför Louis XVI, chockade monarken, och han förbjöd dess framförande. Det var först sen författaren gjort ändringar och förflyttat handlingen till Spanien, som man fick kungens tillstånd att framför den. 
Den hade premiär 1784, på den då två år gamla Théâtre Français, och spelade 68 föreställningar i rad. Författaren gav sin del av förtjänsten till välgörenhet. 
Två år senare, 1786, hade Mozarts operaversion, med ett italienskt libretto av Lorenzo Da Ponte, premiär på Burgtheater i Wien. 

Kanske har man en liten kris på Dramaten. I alla fall borde man kanske ha det: stan är full av dramatenaffischer där man gör reklam, inte för uppsättningar, utan för olika dramatenskådisar, och i den stora foajén har man täckt över den stora fondmålningen View of the Park av Oscar Björck med ett ganska ful plankvägg där man har satt upp svartvita foton på alla skådespelare som jobbar på teatern. Det är inget fel i att vilja synliggöra artisterna, att liksom skapa kändisar, men då måste man liksom kunna följa upp; vad nytta är det att locka med till exempel Adam Pålsson, att utnyttja hans ansikte och namn, om man sen inte ger honom ett sammanhang att infria förväntningarna? Man verkar inte har några produktioner där de marknadsförda skådespelarna  kan få briljera.

Jag vet inte om regissören Tobias Theorellär känd för sina rafflande, lekfulla komedier. Jag skulle inte säga det. För mej skulle han nog sortera in under det ganska svarta, poetiska, så jag trodde verkligen att detta kunde bli en intressant föreställning. Jag tyckte mycket om hans SVARTA DJURET SORG, på Dramatens Lilla, och SWEENEY TODD, på Kulturhuset Stadsteatern. 

Det hela utspelar sej i ett slags tidslöst, regellöst, och principlöst samhälle där ingen verkligen verkar riskera något. Lite som såna där tecknade filmer där folk blir krossade av smidesstäd för att sen dyka upp igen, oskadda. 
Scenografin föreställer ett ingenstans, och ser ut lite som en replokal, och verkar vara tänkt för en avsevärt mindre scen. Ett draperi av kätting hänger i fonden, och i mitten löper en slags böljande, upphöjd scen från bakre scen och fram, ner över scenkanten. På höger sida står ett trumset. På vänster en tvättmaskin och några stolar. Senare i föreställningen kommer man att sänka ner ett fantastiskt tak av hängande glödlampor, men den plötsliga poesin känns lite malplacé
Musikaliskt är det lite… förvirrande. Man sätter upp FIGAROS BRÖLLOP, pjäsen, den som ligger till grund för den oändligt mycket mer kända operan. Sen tar man trots det tillbaka mycket av Mozarts musik. Men sen, som om Mozarts musik inte duger, skriver man till ny, ofta rejält ointressant musik.

Spelstilen är vad jag skulle kalla för öppen, vilket vill säga att alla, när som helst verkar kunna ta steget ut ur handlingen och börja prata med publiken, vilket gör att om historien haft någon som helst vikt, tyngd och relevans, så försvinner den känslan ganska fort. Tänk själv en rysare där offret hela tiden kan gå ur handlingen för att tala till åskådarna. Det blir lite svårt att ta något på allvar. 

I vad jag tolkar som ett missriktat försök att visa att man är feministisk - om någon nu trott att denna uppsättning inte var det - så låter man Marceline, den åldrade hushållerskan, ha en lång om monolog om alla dick-pics som hon får. 
Jag har svårt att tänka mej att detta är något som Dramatens stålullshårade publik inte är vidare bekanta med, varken som mottagare eller sändare. Känner man verkligen sin publik så illa? Dessutom verkar hon mer irriterad och störd på alla foton hon får, så publiken får liksom en bild av att dagens damer tycker att dickpicks är lite störande, men ofarliga, som skräppost, eller snöblandad motvind, medan jag tror att det inte alls är vad man vill säga. Om man vill göra ett inlägg i den här debatten så tror jag man måste visa en kvinna som känner sej som ett offer, inträngd, äcklad, ansatt, istället för någon som blir lite störd av att det plingar i telefonen. 
Eftersom detta är en repetition tänker jag att detta är något dom testar, något som om man i repsalen av någon anledning kände var ett samhällsproblem som var viktig att ta upp i en uppsättning av FIGAROS BRÖLLOP, men som man efter idag kommer att ta bort, eftersom den känns lite apart i en sängkammarfars, men när jag någon vecka senare pratar med en kompis som såg föreställningen efter premiär, då var den oförklarligt nog, fortfarande kvar. 

Av någon anledning har man också låtit Cherubin, den kåta, förlåt, konstant förälskade gudsonen till Grevinnan, och Grevens page, spelas av en kvinna. Är det en flört med byxrollerna inom opera, där man låter kvinnor spela män, eller anser man flatflörtandet mer kittlande, eller tvärtom sexuellt oprovocerande, att låta en kvinna spela rollen som den person som i praktiken står längst ner i status, men högst den erotiska skalan? Blir Grevinnans skuld, eftersom hon har en liten flört med honom, mindre om han spelas av en kvinna?

Vad jag hade förväntat mej, eller i alla fall önskat, hade varit en djupdykning ner i verket, att man liksom tagit komedin, ruskat om den, tagit ett steg tillbaka och sett på den ur ett annat håll.  Lite som jag kan tänka mej att man gjorde 1927, när Konstantin Stanislavsky satte upp en produktion på Moskvas Konstnärliga teater.

Det finns ett citat som jag - har det precis visat sej - totalt har missförstått. Jag trodde det löd: Komedi är tragedi, minus tid, och jag hade tolkat det så att om man snabbade upp en tragedi, säg, scenen i HAMLET där Polonius gömmer sej bakom ett draperi, då skulle man ha en slags sängkammarfars. Citatet, som kan härföras till Steve Allen, lyder: Tragedi plus tid är lika med komedi, vilket betyder att det måste ha gått ett tag innan man kan skämta om en tragedi, men skämta måste man, annars blir man galen.
I alla fall, detta visste jag inte då, när jag satt i Dramatens Stora Salong, och jag förväntade mej en föreställning enligt den felaktiga tesen: att man kan göra tragedi av komedi om man drar ut på det. 
Och ja, det är utdraget, och inte är det komiskt, så lite rätt hade jag, men att kalla det en tragedi är att ta i.
Att skämta kan vara en slags försvarsmekanism. Vi skämtar om Donald Trump, om Hitler, om stadsministrar, chefer och ledare, för att dom skrämmer oss, och vi vill ta ner dom, lite som när en apflock försöker skrämma iväg en boa-orm, eller när fåglar luftanfaller en katt. Det är exempel på humor som attack. 
När Pierre Beaumarchais skrev FIGAROS BRÖLLOP, 1778, var det för en helt annan publik, en helt annan värld än den vi nu lever i, med andra sociala regler. Franska revolutionen låg ännu elva år in i framtiden, och klasskillnaderna var stora. Aristokraterna hade vissa privilegier. Underklassen var kanske inte slavar, men inte långt därifrån. Det var därför folk tyckte det var roligt att se en pjäs där tjänare och fruar lurar en greve, för han var någon man annars inte vågade sätta sej upp emot. Revolutionären Danton sa att den här pjäsen dödade adeln, och Napoleon Bonaparte, i exil, sa att pjäsen var revolutionen, redan i praktik.
När man ser pjäsen i våra dagar, med våra ögon, har den förlorat mycket av sin egg. Då, när en tjänare var uppstudsig mot en överordnad, riskerade han något, det var därför man skrattade, förtjust, åt hans mod och hans skicklighet. Överheten hade liksom en inbyggd makt, innerbar en verklig fara, det var lite som att munhuggas och skämta med Darth Vader. 
Idag, när man sätter upp den här typen av domestiska komedier, har inte maktmannen samma inbyggda värde, utan det måste klargöras. De sociala reglerna, och inbördes status, måste var tydlig. Greven, eller vem det nu är, måste upp på pidestalen, för att vi ska kunna störta honom. Men om Figaro bara fjantar runt, utan att verkligen riskera något, då blir han ju en större idiot än Greven, som i alla fall har ett mål, en mening.
Och det är inte han, maktpersonen, som ska spela sitt värde, det är de andra. Ifall Figaro, Suzanna och grevinnan Rosine inte är vettskrämda, verkligen fruktar honom, fungerar inte komedin. Om greven redan från början är en pellejöns som man visar öppet förakt, om han har lågstatus, då har han ingenstans att falla, och vi, publiken, upplever inte att vi vinner något. 


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 

GRUPPEN KÖPER SEJ FRI, på Kulturhuset Stadsteatern:

När en teatergrupp, eller en förställning, ger sej själv epitetet feministisk, drar jag ofta öronen åt mej. Inte för att jag har något emot jämlikhet, det är bara det att ordet i sej har blivit lite nött och utnyttjat. Exploaterat. Jag vet ingen föreställning eller teatergrupp som skulle säga att den inte är feministisk. 



DONNA JUANITA på Kulturhuset Stadsteatern: 

Det tog inte lång tid in i föreställningen innan jag började tänka: det här skulle kunna ha blivit riktigt bra. Med en annan regissör, kanske, nej, säkert, och definitivt med ett annat manus. 


EN MAN SOM HETER OVE, på Rival: 

"Är det bara jag, eller har Rival blivit en väldigt kreddig scen? 
”Den har alltid varit det,” kanske du säger, ”från det att dom öppnade och körde KVARTERET SKATAN, RAINMAN och Sissela Kyles DINA DAGAR ÄR RÄKNADE. Den är en sån där scen dit de hippa Stockholmarna går, om dom går någonstans överhuvudtaget. 
”Okej…” säger jag, för det verkar som om du vet vad du snackar om."



ROMEO OCH JULIA, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 2, 15/1 2017

$
0
0
Foto: Carl Thorborg

Av William Shakespeare, Översättning Göran O Eriksson, Bearbetning Armin Kerber, Regi Linus Tunström, Scenografi och kostym Julia Przedmojska, Musik Foad Arbabi, Ljus William Wenner, Mask Carina Saxenberg, Ljud Simon Mårtensson, Med Gizem Erdogan, Daniel Nyström, Emil Almén, Elin Skarin, Alma Pöysti, Robert Fux, Leonard Terfelt, Elin Skarin, Anna Wallander, Anders Johannisson, Gunilla Röör, Åke Lundqvist, Lennart Jähkel, 

If your heart always did
What a normal heart should do
If you always play a part
Instead of being who you really are

Then(And) you might just miss
The one who's standing there
So instead of passing by
Show him(the someone) that you care
Instead asking why
Why me? And why you?
Why not we two?

'Cause love don't need a reason
Love don't always rhyme
And love is all we have for now
What we don't have is time

Love Don’t Need a Reason
av Peter Allen, Micheal Callen Marsha Malamet.


Det hade varit skönt att se någonting riktigt, något som kändes, smärtade, rev och rappade. Jag hade velat se en föreställning där det var nära att jag ställt mej upp och skrikit: Nej, gör det inte, vänta, hon kommer att vakna!

Det finns två pjäsen, nej, en pjäs och en musikal, som jag inte behöver se igen, så länge jag lever. Det finns fler, men ROMEO OCH JULIA och WEST SIDE STORY, toppar listan. Det är historier jag inte behöver få berättade för mej, igen, nånsin. Varför? Därför att jag är ganska så ordentligt cynisk, som tänker: varför investera i två straighta ungdomar som ändå tar livet av sej i slutet?

Jag vet inte hur gammal jag var, men tillräckligt gammal för att få följa med på fest, tydligen, och tillräckligt gammal för att tycka det är pinsamt att böla öppet, inför alla, som en snorunge. 
Eller fest och fest; vi var hos några vuxna, hos någon väninna till min mamma. Musikalen Showboat, från 1951, gick på teven, och det var inte alls en sån där musikal som jag var van att se, en sån där Fred Astaire och Ginger Rogers snurrade runt, runt, och var lite sura på varandra, men blev vänner sen. 
Det här var sorgligt. Det var så ledsamt att jag fick en liten klump i halsen, du vet, längst bak, som gör att man inte kan prata ordentligt, man måste harkla sej. 
Idag skulle jag inte kunna säga dej vad filmen handlar om, och jag antar att jag missade en hel del av den, för så fort det blev för sorgligt, och jag tårarna började komma, då smet jag in på toaletten, och stod och lipade, ljudlöst. 
När jag försvann in för tredje eller fjärde gången undrade min mamma om jag hade fått blåskatarr, och jag förstod att det här att smita iväg var mer suspekt än jag hade tänkt.
Jag berättar det här för att illustrera att jag inte alltid varit en känslokall, distanserad, analytisk fetbobba utan något som helst romantiskt sinne.

Eftersom jag försöker se minst en föreställning i veckan, kan det ibland bli så att jag går på saker som jag inte är vidare nyfiken på, speciellt om det visar att jag har sett allt annat. Ärligt talat är det ganska ofta så, men det behöver inte betyda att föreställningen visar sej vara ointressant när jag väl ser den. 
Den här dagen, en söndag, stod jag och valde mellan att gå och se ROMEO OCH JULIA på Kulturhuset Stadsteatern, eller WEST SIDE STORY med Viktor Rydbergs Gymnasium, på Maxim. Jag vägde för och emot, och till slut fick ekonomin avgöra. 
Det var ännu ett fall där snålheten bedrog visheten.

Det är inga problem att få en sistaminutenbiljett, och det är så gott om lediga platser att man i princip kan välja och vraka. Jag väljer en plats långt fram, och hamnat precis bakom sufflören, visar det sej. Det är också den plats dit Mercutio går när han ska ställa sej på armstöden till en stol ute i salongen. 
Vi är så få i salongen att det mer känns som om man bjudit in personer för en diskussion om pjäsen efter föreställningen, än en föreställningspublik. Jag sitter länge och väntar på att resten ska komma, och det kommer som en verklig överraskning att det bara blir vi, ikväll, när dörrarna till salongen stängs, och det börjar.

Det handlar om Romeo och Juliet, nej, det handlar om Romeo Montague och Julia Capulet, för vilken familj dom tillhör är minst lika viktigt som vilka dom är som individer. Nästan viktigare, för man lär egentligen inte känna dom, mer än som två personer som blir förälskade i varandra. 
Vad det är hos varandra som dom blir förälskade i, blir jag aldrig riktigt klok på. Dom bara ska falla för varandra, så jag antar att det är varandras utseende, i första hand, och trots att dom båda har en ganska avancerad retorik och en fallenhet för ordsmideri, verkar det inte som om den talangen uppskattas, eller ens uppmärksammas, av den älskade.
I alla fall, deras familjer, Montague och Capulet, ligger i fejd. Romeo, som redan är förälskade i någon från det andra lägret, en Capulet; den då okända Julias kusin, Rosalie Capulet, smiter tillsammans med sina vänner Mercutio och Benvolio in på en fest som hålls av Capulet, där han och Julia för första gången träffas. Ögonblicklig kärlek uppstår. 

Jag tror aldrig jag har blivit förälskad vid första ögonkastet. Attraherad, javisst, nästan dagligen, men aldrig förälskad. Därför hade det varit intressant att se hur det går till. Hur attraktionen ögonblickligen går över i besatthet: Jag är kvinna, du är man, vi är någorlunda attraktiva, let’s get it on. Tyvärr så visas det väldigt sällan på scenen. Det är som om man inte riktigt har tid att undersöka vad det är man blir intresserad av. 
Men det som fascinerar med en förälskelse, till skillnad från attraktion, är allt den måste övervinna. Allt som sker trots, och på trots. Alla nej, på vägen. 

Det hela började som en italiensk sägen, med rötter i antiken, som översattes till vers av Arthur Brooke 1562, två år innan William Shakespeare föddes. 1567, när barden bara var tre år, skrev Willian Painter en prosaversion, Palace of Pleasure
Shakespeares version tros ha skrivits någon gång mellan 1591 och 1595, och är en av hans tidigare tragedier, skriven innan EN MIDSOMMARNATTSDRÖM, HAMLET, TRETTONDAGSAFTON och MACBETH, men efter RICHARD III och SÅ TUKTAS EN ARGBIGGA.
Han norpade en hel del från Brookes och Painters berättelser, eftersom upphovsrätten inte var vad den är idag, men han tillförde också en del intressanta biroller, som Mercutio och Paris. 
Berättelsen har använts i inte mindre än 27 operor, av alla från Berlioz till Tjajkovskij, med Gounods opera som den kanske bäst kända, och kritiskt erkända, och den mest välkända baletten är nog Prokofievs. Regissörer som George Cukor, Franco Zeffirelli och Baz Luhrman har filmat den.

På Stadsteatern har man bearbetat, strukit, styckat och suddat, så att vad som finns kvar kanske skulle passa bättre på en mycket mindre scen. Över trettiotalet roller har strukits ner till elva, med några dubbleringar,  men istället för att koncentrera handlingen till ett slags kammarspel, så känns det istället lite som om man rasslar runt i ett slags folktomt universum. Ibland går tankarna till något man skulle kunna skapa om man ville göra en Staffan Göthe, utan att ha den erfordrade fallenheten. Eller också är det bara de uppstoppade djuren som får mej att tänka så.

Jag hade velat se tvekan, tvivel och trevande, och upplever det här skeendet som stressat, övergripande och allmänt, som om man ville komma till kritan, utan att ha klart för sej vad det skulle vara. Det landar liksom inte i något. Jag känner nästan inte för någon De mer perifera rollerna blir för distanserade för att jag ska kunna läsa, eller i vissa fall ens förstå dom.
Innan föreställningen hade jag fruktat att detta skulle vara en högtravande uppsättning, en slags iscensatt litteratur, men hade faktiskt föredragit det, om skådespelarna hade tillåtits utveckla vändpunkter, fått vara här och nu, med fokus på sekunderna som tickar iväg. 
Till och med, tror jag, hade jag föredragit om man använt huvudrollsinnehavarnas olika kulturella bakgrund som något att bygga en konflikt på, men inte heller det används. Som det är nu förstår jag inte varför man sätter upp den, vad man tycker man har att tillföra med denna läsning. Jag hittar ingen romantik, sensualism, eller sexualitet. Och inget riktigt ställningastagande.

Kostymerna är kontemporära, med några få, förvirrande undantag, och scenografin är lite fyrkantigt. Lekfullt, kanske, och innovativt, men fyrkantigt. Bokstavligen. 
Den förra produktionen jag såg, där Julia Przedmojska gjort scenografin, DORIAN GRAY, på Kulturhuset Stadsteatern, hade två väggar, ställda i rät vinkel mot varandra. Den här har lagt till ytterligare en sådan modul, satt båda på hjul, och monterat dit gångjärn, så att väggarna går att fälla. 
Det är egentligen inte scenografens fel, men scenografin får för stort utrymme, i båda fallen. Den står ut, tar över. Det hade behövts en mycket mer lekfull och innovativ iscensättning för att utnyttja rummet, för att normalisera spelplatsen, för att skapa en verklig värld som karaktärerna lever i, och inte få oss att sitta och undrar vad man ska hitta på för underfundiga nedfällningar, lucköppningar eller väggvridningar härnäst

Vad som är svårt, när man som här tar ett avsteg från den historiska, faktiska verkligheten och skapar en slags fantasivärld, där plats och tid mer är luddiga, och konturslösa - vi vet inte när i tiden detta ska utspela sej, vi vet bara att det inte är en tillbakablick - är att de reglar som bygger detta sociala samhälle, och kultur, måste vara tydliga. Kan folk flyga? Är samhället ett patriarkat? Är det en synd att döda? Om det är nu, eller i framtiden, varför har man inga datorer eller mobiler? 
För att verkligen kunna förstå, uppskatta och bedöma en roll, så måste man veta de regler de lirar med, deras möjligheter och begränsningar. 
Här har man tagit en dåtid, klätt den i nutid, och hoppats på det bästa, utan att jag egentligen förstår varför man har valt att inte sätta det i historiskt kontext. 

När Julia sätter sej upp mot sina föräldrar och säger att hon inte vill gifta sej med greve Paris, så hade det hjälpt att veta om detta var vanligt: är det så att i denna världen brukar unga flickor själva få välja vem dom vill gifta sej med, eller är detta en omöjlig tanke? Det kvittar om vi som modern publik tycker att det borde vara så: det är viktigt för att måla Julias roll: är hon en mycket modig ung kvinna, med radikalt moderna idéer, eller är hennes krav normala, vilket gör hennes föräldrar krav, och följaktligen dom själva, mer intressanta, och hon själv blir en slags medelmaria?
Eftersom man här har valt att låta Romeos kusin Benvolio spelas av en kvinna som verkar vara en riktig fighter, och som inte tycks dra någon oresonlig uppmärksamhet till sej med sina blåmärken och märken efter slagsmål, så tolkar jag det som att detta är en värld där kvinnor inte förväntas hålla sej för sej själva, utan konkurrerar på lika villkor, vilket gör Julias konflikt med sina föräldrar till ganska ointressant, då den inte kräver något större mod från hennes sida. 

Jag har alltid tyckt att Mercutio är den mest fascinerande rollen i pjäsen, därför att han på något sätt står utanför handlingen. Kärleksparet blir ofta ganska ointressanta, som Barbie och Ken, mer som två ideér, två representanter för ung, blind kärlek, än två verkliga, intressanta människor. Mercutio på något sätt stoppar upp handlingen, ger tyngd, ger själ åt berättelsen. Hans död är så mycket mer upprörande - i alla fall för mej - än både Romeos och Julias. Han vill ju inte dö, medan de andra två inte vill något annat. 
Det blir så även här: jag dras till Mercutio, Benvolio, Amman - som av någon anledning spelas av en man, och spelas mycket bra, - och konstigt nog, Paris, greven som är den man som Julias föräldrar helst ser att hon skulle gifta sej med. Jag har aldrig sett en uppsättning där han, den tilltänkte, fått så stor uppmärksamhet, och lyckats hålla den, utan att jag egentligen vet varför, förutom att han på något sätt känns levande.

Man använder sej också av ett väldigt - låt oss säga - speciellt sätt att försöka ta livet av sej: man försöker kväva sej med en plastpåse. Det är lite svårt att förstå att i en värld där alla andra dör av knivhugg, så väljer inte en, utan båda, oberoende av den andra, att försöka ta livet av sej med en plastpåse över huvudet, även om det bara är en som lyckas. 

När det är över dröjer det innan applåderna kommer. Men sen klappar vi länge. Det är inte så mycket för det vi har sett, utan för att visa dom däruppe, skådisarna, att vi uppskattar deras slit, deras ambition och deras vilja att ge den bästa tänkbara föreställningen för den lilla publik som hittat dit. Jag önskar att dom hade fått mer utrymme att göra det dom är bäst på: att existera i stunden, fascinera och trollbinda.

Jag kan blir lite förundrad över att man i såna här förställningar, där man förefaller vilja säga Varför kan människor inte bara leva i fred? så sällan verkar undersöker varför människor inte bara kan leva i fred.

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 

FIGAROS BRÖLLOP,  på Dramaten: 

Efter föreställningen, när vi väntade på att de längre bort i bänkraden skulle resa sej, så att vi kunde komma ut, började jag prata med det äldre, äkta paret som satt bredvid mej:
”Vet du, det är så länge sen man såg något som var bra,” sa mannen som satt bredvid mej.
”Ja, allt ska göra så konstigt, nu för tiden,” beklagade han som satt bredvid honom.
”Som om det var barnteater.”
”Som om vi var dumma i huvudet.”


GRUPPEN KÖPER SEJ FRI, på Kulturhuset Stadsteatern:

När en teatergrupp, eller en förställning, ger sej själv epitetet feministisk, drar jag ofta öronen åt mej. Inte för att jag har något emot jämlikhet, det är bara det att ordet i sej har blivit lite nött och utnyttjat. Exploaterat. Jag vet ingen föreställning eller teatergrupp som skulle säga att den inte är feministisk. 



DONNA JUANITA på Kulturhuset Stadsteatern: 

Det tog inte lång tid in i föreställningen innan jag började tänka: det här skulle kunna ha blivit riktigt bra. Med en annan regissör, kanske, nej, säkert, och definitivt med ett annat manus. 




NATTVANDRINGAR I DEN UNDRE VÄRLDEN, Kilen, föreställning 3, 17/01 2016

$
0
0

Manus, regi & sångtexter Jacob Hirdwall, Musik Fredrik Söderberg, Koreografi Johanna Lindh, Scenografi och kostym, Caroline Romare, Scenografi och ljusPeter Stockhaus, Mask Carina Saxenberg, Videoscenografi Tom Waldton, Regiassistent, Patricia Nicole Olmos Polanco, Grafisk form Ola Carlson, Foto Karolina Henke, Producent Birgitta Rönnhedh, Teknik Robin Auoja, Mika Knutsson, Kommunikatör Margareta Hallqvist, Inspelad musik Anna Söderberg, MED Andreas Liljeholm, Camilla Larsson, AnnaKarin Hirdwall, Linda Lönnerfeldt, Malin Güettler, Niklas Jarneheim, Röster, Fortunata Kolompar, Leonardo Secic, Adrian Secic, Ebba Backlund, Gabriella Jädert, Tala Radwan, Ali Hussein, Zahed Yossefi, Annie DeFay Hallworth, Josef Abbas, Marika Lindström

We all must pay a price
To be safe, we lose our chance of ever knowing
What's around the river bend
Waiting just around the river bend
I look once more just around the river bend
Beyond the shore where the gulls fly free
Don't know what for what I dream the day might send
Just around the river bend for me, coming for me
I feel it there beyond those trees
Or right behind these waterfalls
Can I ignore that sound of distant drumming?
For a handsome sturdy husband who builds handsome sturdy walls
And never dreams that something might be coming?
Just around the river bend
Just around the river bend

Just Around the Riverbend, 
ur Pocahontas, 
av ALAN MENKEN, STEPHEN LAURENCE SCHWARTZ


Elaine Stritch, broadwaylegenden som kanske är mest känd för sin roll som Joanne i Stephen Sondheims och George Furths musikal COMPANY, spelade 1958 i GOLDILOCKS, en musikal som konstigt nog inte handlar om Guldlock, även om en   man utklädd till björn dyker upp i en scen. Föreställningen var ingen hit, och gick bara 161 föreställningar, även om den nominerades till fem Tony Awards, och vann två, för manliga och kvinnliga biroll. 
Dramatikern, kompositören, aktören och sångaren, Noël Coward, som en kväll sitter i publiken, kommer till hennes loge efter föreställningen, och säger “Any leading lady who doesn’t do a double take when a nine-foot bear asks her to dance is my kind of actress.” 
Det är lite det jag tänker på när jag sitter längst fram på Kilen och ser Ensembleverkets uppsättning av NATTVANDRING I UNDRE VÄRLDEN, för huvudrollsinnehaverskan gör lite samma sak: vad som än händer - och det händer henne en hel del - så tar hon in, och verkar tro på det som sker. Det är genom hennes spel som föreställningen får en trovärdighet och mänsklighet. Hennes sätt att förhålla sej till det som händer, hennes intresse för berättelsen, ger den ganska högtravande, intellektuellt ganska konstruerade berättelsen en själ. 

Det handlar om Eurydike, en högpresterande systemutvecklare som tror att hon fått i uppdrag av sin chef att åka över ”floden” till fel sida av stan och köpa ett konstverk på ett galleri. Givetvis, med ett sånt namn, så bär det raka vägen ner i underjorden. Hades, underjordens gud, har något att säga henne. Exakt vad vet jag inte. Syftningarna till grekisk mytologi blir lite förvirrande: jag saknar en Orpheus, och jag vet inte varför det är Hades som lockar ner Eurydike, och inte Aristaeus som jagar henne dit. Biten av en orm blir hon i alla fall, men då är hon redan därnere. 

Jag tycker att föreställningen förlorar lite på att flörta med legenden om Eurydike, eftersom den egentligen inte har så mycket med den att göra. Det hade kanske varit intressantare om man hållit parallellerna dolda, så att vi, publiken, eventuellt hade sett sambandet, utan att få det skrivet på näsan, för det får i alla fall mej att hela tiden falla ur historien och försöka förstå vad det är för symboler som man refererar till, även när det kanske inte alls finns några dolda meningar.  Och jag är inte tillräckligt smart att reda ut allt, känner jag.

En gång när jag försökte skriva en seriös pjäs, så var jag mer intresserad av att imponera på ett ansiktslöst övre kulturskikt med mitt geniala manus, med mina högtravande referenser och blinkningar till den antika mytologin och dramatiska arketyper, än jag var fokuserad på vad jag verkligen ville säga, vilket egentligen inte var så mycket, och absolut inte originellt.  Jag påstår inte att det är så i det här fallet, men mina tankar om föreställningen går lite åt det hållet.
Författaren verkar vilja säga något om vad han tycker är ett övre samhällsskikt, men jag uppfattar det som att han gör det von oben, själv, med en lite nedlåtande, överintellektualiserad attityd.

Mitt stora problem, när en dramatiker försöker göra en Tennessee Williams, det vill säga använda sej av myter och klä dom i moderna kläder, är att den verkliga världen måste vara verkligt verklig, för att det ska funka. Det blir annars så väldigt abstrakt och eteriskt att mycket förlorar sin distinktion: Blanche Dubois kommer visserligen till Elyseiska fälten, med spårvagnslinjen Linje Lusta, men det är namnet på en gata i ett mycket specifikt område, Latin Quarter, i New Orleans. I ORPHEUS DESCENDING är den poetiska handlingen fast förankrad i en spannmålsbutik i en liten stad i södern. Sebastian, i SUDDENLY LAST SUMMER, blir dödad och uppäten, som Dionysos, men platsen är en europeisk semesterort. 
Här vet jag inte riktigt var det är meningen att vi ska befinna oss, om den verkliga världen, den där huvudrollen arbetar, ska vara en plats som existerar, eller om allt är en saga, utan någon som helst fast förankring. Men det gör också att samhällskritiken blir lite uddlös. Det glider liksom över och blir en fabel, en distanserande saga.

Detta sagt om dramatikern, så vill jag framhålla att jag tycker regissören - som är en och samma person - gör ett utmärkt jobb. Föreställningen är iscensatt på ett mycket intressant och vackert sätt, med fantastiskt fina och finurliga scenbilder, projektioner och filmer. Där finns den poesi jag saknar i texterna. Jag går från föreställningen med känslan av att ha sett ett mycket intressant dansverk, där en apcharmig kvinna ur publiken letat sej upp på scenen. 

För den verkligt stora behållningen är huvudrollsinnehaverskan. Hon golvar mej, och man blir lite förälskad i hennes rollfigur. Det finns inga stora, dramatiska uttryck, à la grekiska dramer, med hjärta, smärta, hat och hämnd, utan det är i det totalt normala, smått komiska lilla livet som figuren får liv. Jag hade gärna sett henne och denna karaktär i andra saker, som Eurydike Försöker Ställa Allt Till Rätta, en föreställning där hon kanske dimper ner i den stora dramatiken och försöker lösa konflikter, lite som en slags dramatikens diplomat. Jag skulle gärna se henne försöka medla mellan Hamlet och Gertrude i, eller vad sägs om Eurydike Ordnar Upp i Orestien?


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


ROMEO OCH JULIA, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 2, 15/1 2017

Det hade varit skönt att se någonting riktigt, något som kändes, smärtade, rev och rappade. Jag hade velat se en föreställning där det var nära att jag ställt mej upp och skrikit: Nej, gör det inte, vänta, hon kommer att vakna!


FIGAROS BRÖLLOP,  på Dramaten: 

Efter föreställningen, när vi väntade på att de längre bort i bänkraden skulle resa sej, så att vi kunde komma ut, började jag prata med det äldre, äkta paret som satt bredvid mej:
”Vet du, det är så länge sen man såg något som var bra,” sa mannen som satt bredvid mej.
”Ja, allt ska göra så konstigt, nu för tiden,” beklagade han som satt bredvid honom.
”Som om det var barnteater.”
”Som om vi var dumma i huvudet.”


GRUPPEN KÖPER SEJ FRI, på Kulturhuset Stadsteatern:

När en teatergrupp, eller en förställning, ger sej själv epitetet feministisk, drar jag ofta öronen åt mej. Inte för att jag har något emot jämlikhet, det är bara det att ordet i sej har blivit lite nött och utnyttjat. Exploaterat. Jag vet ingen föreställning eller teatergrupp som skulle säga att den inte är feministisk. 



GLADA ÄNKAN, genrep, Operan, föreställning 3, 18/1 2017

$
0
0

MUSIK Franz Lehár, TEXT Henrik Dorsin efter Victor Léon och Leo Stein, REGI Ole Anders Tandberg, KOREOGRAFI Roine Söderlundh, SCENOGRAFI Erlend Birkeland, KOSTYM & MASK Maria Geber, LJUS Ellen Ruge,  DRAMATURG Katarina Aronsson, MED HANNA GLAWARI Elin Rombo, DANILO DANILOVITSCH Jeremy Carpenter, BENNY ZETTERBERG, OPERANS VD Henrik Dorsin, VERONICA, HANS HUSTRU Marianne Hellgren Staykov/Vivianne Holmberg, LEIF ”FISKEN” HERMANSSON Klas Hedlund, SØREN RUGBRØD Pierre Gylbert, CARL Å. ADAMSSON Joel Annmo, CATHARINA NJEGUS Miriam Treichl, DIRIGENT Joakim Unander, Fredrik Burstedt, Kungliga Operans Kör & Kungliga Hovkapellet

Bit by bit,
Putting it together...
Piece by Piece-
Only way to make a work of art.
Every moment makes a contribution,
Every little detail plays a part.
Having just a vision's no solution,
Everything depends on execution:
Putting it together-
That's what counts!

Putting it Together 
ur SUNDAY IN THE PARK WITH GEORGE
av Stephen Sondheim

I filmversionen av Truman Capotes Breakfast at Tiffanys, säger Audrey Hepburn, i rollen som Holly Golightly, angående ångest och panik: Well, when I get it the only thing that does any good is to jump in a cab and go to Tiffany's. Calms me down right away. The quietness and the proud look of it; nothing very bad could happen to you there.
Några år efter att jag flyttade till Stockholm, tidigt 90-tal, när jag kände mej rotlös, osäker, utsatt eller tröstlös, då brukade jag irra in på NK. Och även om jag visste att jag inte riktigt hörde till, passade in, var en av deras idealkunder - jag bodde vide den tiden på ett bostadshotell för ungdomar, sysslade med kultur och försörjde mej genom att sälja bröd i tunnelbanan - fick dom mej aldrig att känna att jag var mindre värd, oönskad eller fel. 
Nu för tiden, när NK verkar ha blivit ett samlingsnamn för olika butiker, känns det mer och mer som om den rollen har tagits över av Kungliga Operan. Där känner jag mej trygg, omhändertagen, som att min ålderdom är tryggad, och sjukvården säkrad.

Min kompis Ticket Master, som tipsat mej om att Operan hade genrep på GLADA ÄNKAN, hade visserligen gett mej ett exakt klockslag, men i tillfällig förvirring fick jag för mej att det var då man slog upp dörrarna, och släppte in oss, så när  jag kom fram till Gustaf Adolfs torg, låste fast min hoj och klampade uppför operans trappor, då var det redan smockfullt på parketten. 
Jag övervägde att vända och cykla hem igen, men så letade jag mej truligt upp på tredje raden - det är tre balkonger upp för dej som inte pratar teater, så högt man kan komma - där jag hittade en plats längst fram vid räcket, i mitten. Här var det luftigt, ledigt och det verkade som om det var här operans personal hade valt att sätta sej. Det fanns en förväntan i luften, som om vi alla var inställda på att få se något spektakulärt, dåligt eller bra kvittade, vi var där, innan premiär!

Ordet operettär en slags diminutivform av ordet opera, en förminskningsform som gör den till en mindre opera, i betydelsen lättare, enklare, mindre komplicerad.  Här dör någon väldigt sällan, och man sjunger för det mesta i dur. 
Konstformen operett växte i mitten av 1800-talet fram ur den franska opéra comique, en konstform som använde sej av existerande musik, men med ny text, och man ska inte hänga upp sej på ordet comique, och tro att det betydde en slags musikaliserad fars, där och då stod den mer för det vanliga livet, om realism, om borgare och bönder, till skillnad från verk om kungar, gudar och heroiska hjältedåd.
Operetten kom till för att det fanns ett behov av en lättare, kortare musikteater, och alla verkar vara överens om att den startades av Hervé, en sångare, kompositör, librettist, dirigent och teaterchef som skrev mer än hundra operetter som alla idag är ganska ordentligt bortglömda. Kungen över den franska operetten är och förblir Jaques Offenbach, men bland engelsmännen härskar Gilbert and Sullivan, och över den österrikiskt-ungerska, regerar Johann Strauss II, och det är också hit kvällens kompositör, Franz Lehár, räknas.
Kompositören Franz Lehár föddes 1870 i kungadömet Ungern, i en del som idag  är slovakien. Han dog så sent som 1948, 78 år gammal.  Hans förhållande till det nazisterna och tredje riket är speciellt: Många av hans librettister var judar, och hans fru hade varit judinna innan hon konverterade till katolicismen för att gifta sej, och 1938 fick hon av nazisterna titeln Ehrenarierin, vilket ungefär betyder att hon ”höjts upp” till en slags heders-arier. Trots detta försökte man få henne deporterad.
Hans mest kända verk, GLADA ÄNKAN, började ursprungligen som en pjäs från 1861, L’attaché d’ambassade, av Henri Meilhac, en särdeles produktiv dramatiker och librettist, som bland annat - tillsammans med sin arbetspartner Ludovic Halévy - skrev librettot till George Bizets CARMEN, men han författade även, på egen hand, librettot till flera av Offenbachs operetter, som SKÖNA HELENA, RIDDAR BLÅSKÄGG, och PARISERLIV.
Trots detta skrevs librettot till GLADA ÄNKAN inte av dramatikern själv, utan av Viktor Léon och Leo Stein, där det var den senare som hittade pjäsen och tänkte att den skulle kunna bli en bra operett. Han tog kontakt med en samarbetspartner, Léon, och dom kontaktade en teater, Theater an der Wien, som gillade idén, och så författades ett libretto. Först efter det kontaktade man tonsättaren Frans Lehár.
Operetten hade premiär i Wien 1905, samma år som den transsibiriska järnvägen öppnar, Ryssland har en revolution, Theodor Rosevelt blir USAs 26:e president, Mata Hari slår igenom i Paris, Albert Einstrein brottas med relativitetsteorin, Las Vegas grundas, Norge får självständighet från Sverige, bröderns Wrights tredje flygplan stannar i luften i 39 minuter, och vargar utrotas i Japan.
Ursprungligen handlar GLADA ÄNKAN om den rika franska änkan Hanna Glawari, som har ärvt 20 miljoner av sin döde make, från det utfattiga balkanska kungadömet Pontevedro, och landet är nu rädda att hon ska ta sina pengar ur landet och bankrutta landet. Man bestämmer sej för att hitta en ny make åt henne, en Pontevedran

I Dorsins och Tandbergs version handlar det i stort om konst och kommers, den där balansgången som jag antar varje teaterchef måste göra. Det utspelar sej på Kungliga Operan, där chefen, Benny Zetterberg, försöker tillfredsställa alla, både de som kräver att det ska gå bättre för Operan, rent ekonomiskt, men även de som önskar rent konstnärliga framgångar. I ett desperat försök att behålla sitt jobb lyckas han engagera en stor operadiva, Hanna Glawari, men det visar sej att hon är trött på att göra de stora, tunga roller, och vill sjunga operett. Speciellt Glada Änkan.
För att tillfredsställa den konstkrävande teaterledningen kontaktar operachefen Danilo Danilovitsch, en prettoregissör på en förortsteater, en sån som med att harem av beundrande, ambitiösa kvinnor med skådisambitioner och som kulturskribenter förut älskade att glorifiera, innan det blev allmänt vedertaget att han bara stod i vägen för en kvinna.
Det hela kompliceras av att det visar sej att divan Hanna och demonen Danilo har ett romantiskt förflutet.

Jag har sagt det förut, men jag har lätt för att upprepa mej: det är svårare att skriva om något man gillar än något man ställer sej kritiskt till. Det är så lätt att man bli någon slags illitterat hejarklack, utan vare sej ananlys, åsikt eller infallvinklar, någon som bara staplar superlativ och verbala applåder.
Med detta sagt, vill jag säga: 
Jag gillade det här jätte-, jätte- jättemycket, utropstecken, smiley, #operanärbäst!

När det är som bäst påminner det om Broadway, om Hasse och Tage, om Galenskaparna och After Shave, om Bröderna Mozart och farsen Rampfeber, och när det är som sämst måste jag ha blinkat, för jag hittar ingenting att hacka på. Det känns underbart påkostat, detaljregisserat och lustfyllt, och det är en humor och berättarglädje som inte gör sej lustig över någon, utan att för den skull kännas pk-kastrerad. 
Alla, och allt, glänser och briljerar. Till och med kören, som ofta kan få en lite styrmoderlig behandling - stå still, ta inte fokus, se arg ut och sjung när du ska - utnyttjas suveränt, och presterar stort. 
Scenografi, ljus och kostym känns lyxig, påkostad och ambitiös, som en stad i väntan på stadsbesök. Regissören Ole Anders Tandberg(FÅGLARNA, OTHELLO, , KUNG LEAR) och jag har ett ambivalent förhållande, från min sida. Jag älskade hans DON GIOVANNI på Kungliga Operan, och JAG ÄR VINDEN på Kulturhuset Stadsteatern, men andra produktioner har jag varit lite mer ljummen, för att inte säga kall, inför. 
Här är han het som en hårfön. 
Operasångare, har det visat sej, tillhör bland det roligaste som man kan se på en scen. Miriam Treichl, som operachefens assistent, är så vansinnigt rolig att det inte skulle förvåna mej om hon dyker upp i nån Jönssonliganfilm, eller i nån fars på en sommarteater. Hennes - och många av de övrigas - bredd är förunderlig: från Wagner över hela spektrat till fars. 
Och, det kanske viktigaste, i en produktion där formen får stort utrymme: det låter fantastiskt. På vägen hem lyckades jag skrämma en och annan turist som strosade på cykelbanan vid Munkbroleden genom min entusiastiska, men något tondöva version av Vilja-visan.

Jag tänker inte slösa bort din tid med att hylla Henrik Dorsin, men jag har svårt att förstå hur dom kan dela ut nobelpris i fysik, men inte i komik. Nåt slag pris borde han få i alla fall. Han är något så ovanligt - i dess dagar - som en komiker som inte verkar ironisera och göra sej lustig över någon annan, han verkar våga driva med sej själv. 

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 



"För den verkligt stora behållningen är huvudrollsinnehaverskan. Hon golvar mej, och man blir lite förälskad i hennes rollfigur. Det finns inga stora, dramatiska uttryck, à la grekiska dramer, med hjärta, smärta, hat och hämnd, utan det är i det totalt normala, smått komiska lilla livet som figuren får liv."


ROMEO OCH JULIA, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 2, 15/1 2017

Det hade varit skönt att se någonting riktigt, något som kändes, smärtade, rev och rappade. Jag hade velat se en föreställning där det var nära att jag ställt mej upp och skrikit: Nej, gör det inte, vänta, hon kommer att vakna!


FIGAROS BRÖLLOP,  på Dramaten: 

Efter föreställningen, när vi väntade på att de längre bort i bänkraden skulle resa sej, så att vi kunde komma ut, började jag prata med det äldre, äkta paret som satt bredvid mej:
”Vet du, det är så länge sen man såg något som var bra,” sa mannen som satt bredvid mej.
”Ja, allt ska göra så konstigt, nu för tiden,” beklagade han som satt bredvid honom.
”Som om det var barnteater.”
”Som om vi var dumma i huvudet.”







BOOK OF MORMON, publikrep, Chinateatern, föreställning 4,19/1 2017

$
0
0

Manus & Musik - TREY PARKER, ROBERT LOPEZ & MATT STONE, Originally Directed by CASEY NICHOLAW and TREY PARKER Regi & översättning Anders Albien, Koreograf Siân Playsted, Musikaliskt ansvarig Janne Radesjö, Scenograf Andreas Bini, Kostymdesigner Camilla Thulin, Mask & Perukdesigner Linda Kebbon, Ljusdesigner Palle Palmé, Ljuddesigner Oskar Johansson, Scengrafik/video Johan Larsson & Philip Sundbom, Producent Christoffer Bendixen, 2Entertain, Medproducent Vicky von der Lancken, Projektledare Nanette Hayes, Produktionsledare Charlotte Ryding, Marknadsföring Annika Cardell, Ekonomi Pernilla Wahlberg, Biljettansvarig Elisabeth Johansson, Kapellmästare / Keyboard Janne Radesjö, Keyboard Kristian Kraftling, Trummor Magnus Fritz, Gitarr Torbjörn Stener, Bas Mats ”Limpan” Lindberg, Träblås Mats Sundström, Trombon Anders Nordkvist, Trumpet Lars Almkvist, MED LINUS WAHLGREN, SAMANTHA GURAH, PER ANDERSON, PETER GARDINER, ANTON LUNDQVIST, CAMILO GE BRESKY, LARS GÖRAN PERSSON, ALEXANDER LARSSON, KIRALINA SALANDY, SARA ÖSTBERG DIAKITÉ, ELENOR MARGARITA ERIKSSON, CLARISSA KRABBE, STEVE SHUNGU, MALICK AFOCOZI, ANDREAS ÖSTERBERG, TONY JAMES-ANDERSSON, TOMAS STRÖMBERG, JAMES LUND, MARTIN REDHE NORD, NICKLAS BERGLUND, ROBERT SILLBERG, JESPER BLOMBERG, SIMEN GLOPPEN, SIVERT HAUGE

Many nights we prayed
With no proof anyone could hear
In our hearts a hope for a song
We barely understood
Now we are not afraid
Although we know there's much to fear
We were moving mountains
Long before we knew we could, whoa, yes
There can be miracles
When you believe
Though hope is frail
Its hard to kill
Who knows what miracles
You can achieve
When you believe somehow you will
You will when you believe

When You Believe
ur The Prince of Egypt 
av Stephen Schwartz

Det här är nog den produktion jag har sett fram emot mest den här teatersäsongen, hösten 2016 och våren 2017. Och jag har väntat med kanske lika delar hopp som rädsla. Hopp om att det skulle bli en fantastisk produktion, lika provocerande och rolig och politiskt inkorrekt som originalet, och rädsla för att man kanske skulle backa, inte ta ut svängarna, eller för att media skulle försöka skapa någon slags pk-driven proteststorm, med mormoner och representanter från afrikanska ambassader skanderande och upphållande protestplakat. 
Jag hade inte behövt vara orolig - utom för mina egna fördomar. 

BOOK OF MORMON hade premiär på Broadway i Mars 2011, på Eugene O’Neill Theatre, där man bland annat visat ANNIE, THE ODD COUPLE, THE BEST LITTLE WHOREHOUSE IN TEXAS, THE FULL MONTY och CAROLINE, OR CHANGE. Den följde musikalen FELA! som gått där i två år. 
Musikalen är skriven av Trey Parker, Robert Lopez och Matt Stone, som alla tillsammans skrivit manus, musik och text. 
Robert Lopez är mest känd för att tillsammans med Jeff Marx skrivit musiken till musikalen AVENUE Q, för vilket han fick en Tony, och för att tillsammans med sin fru Kristin ha skrivit musiken till filmen Frozen, för vilket dom fick en Oscar. Han är den yngste av bara tolv personer som har vunnit en Emmy, en Grammy, en Oscar och en Tony, och den som har vunnit dom snabbast, på bara tio år. 
Trey Parken och Matt Stone är mest kända för att ha skapat den animerade tv-serien South Park, men dom ligger också bakom musikalen CANNIBAL! THE MUSICAL.
2011 nominerades musikalen till 13 Tony priser, och vann 9: Bästa Musikal, Bästa Manus, Bästa Text och Musik, Bästa Kvinnliga Biroll, Bästa Regi, Bästa Orkestrering, Bästa Scenografi, Bästa Ljusdesign och Bästa Ljuddesign. Andrew Rannells och Josh Gad, de två manliga huvudrollerna, var också nominerade, men priset gick till Norbert Leo Butz, för rollen i CATCH ME IF YOU CAN, och Rory O’Malley, nominerad för bästa manlig biroll, förlorade till John Larroquette för HOW TO SUCCEED IN BUSINESS WITHOUT REALLY TRYING. Bästa koreografi gick till Kathleen Marshall för ANYTHING GOES, och Bästa Kostymdesign gick till PRISCILLA QUEEN OF THE DESERT.

Det är lite synd att vi inte har några teaterpriser i Sverige, för det hade blivit ett spännande år. Kanske inte för BOOK OF MORMON, som nog hade kammat hem det mesta, utom möjligtvis kvinnliga biroll, där man skulle ha fått tävla mot Helene Sjöholm och Shima Niavarani i BULLETS OVER BROADWAY, och Sara Jangfelt i BILLY ELLIOT. 
Och det skulle vara svårt att välja vem av dom som priset skulle gå till: Linus Wahlgren eller Per Andersson? Kanske skulle den splittande nomineringen göra att priset helt enkelt gick till Henrik Dorsin för DEN GLADA ÄNKAN, på Kungliga Operan?

Det är nämligen så att det är ganska svårt att avgöra vem som har den manliga huvudrollen. I början är man ganska säker på att det är Linus Wahlgren, han är den snygge, som man är säker kommer att finna kärlek och framgång, och Per Anderson är hans komiske kumpan, men i andra akten skiftar berättandet, och det är plötsligt den andre personen vi följer, vilket är väldigt ovanligt, och inget man lär ut på manusförfattarseminarier, där man ofta talar om hjältens resa, och ofta propagerar för att berättelsen ska berättas ur en synvinkel, om en person. Här byter man liksom båt, mitt i forsen. 

Vad handlar det om, då? Jo, två unga mormonmissionärer som tillsammans med sina klasskamrater från LDS Church Missionary Training Center i Utah ska skickas ut i världen för att berätta om The Book of Mormon, en skrift som är helig för Jesu Kristi Kyrka av Sista Dagars Heliga, och andra mormonkyrkor. Alla klasskamrater paras ihop, och den stilige, ambitöse Elder Price, som drömmer om att bli skickad till Orlando, Florida, skickas tillsammans med den något misslyckade Elder Cunningham till Uganda, en plats som styrs av militärer, man sysslar med kvinnlig könsstympning och där majoriteten av befolkningen har aids.
På missionsstationen har man inte lyckats omvända en enda ugandabo. Det vill säga, tills Elder Cunningham, med sin breda kunskap i sfi-fi, Harry Potter, Star Trek och Star Wars, börjar fabulera, i ett försök att stoppa våldtäkt av barn.
Inte den vanliga handlingen i en musikal, n’escafe?

Produktionen på Chinateatern är den första i världen med att ha en icke-engelsktalande version, och för tillfället kan man bara se BOOK OF MORMON i USA, på Broadway och i två turnéversioner, på West End, en splitter nyöppnad I Australien, och så den svenska. Om du lyckas få en biljett, vill säga. 

Detta är inte en franchisemusikal, i den betydelsen att den måste se likadan ut i alla produktioner, världen över, som MAMMA MIA!, eller THE PHANTOM OF THE OPERA, på Cirkus, eller PRISCILLA, QUEEN OF THE DESERT, som gick på Göta Lejon för några år sen, där det kommer ett engelsktalande team och lär det svenska teamet hur det ska göras. 
Trots detta håller den här produktionen en oändligt hög internationell standard, vilket i och för sej är något jag har kommit att förvänta mej av Chinateatern, av regissören Anders Albien och hans team. Bara på den här teatern är han ansvarig för många av de stora succéerna, från CHINAREVYN och HAIRSPRAY till ROCK OF AGES, FLASHDANCE THE MUSICAL, och JERSEYBOYS, men står även bakom såna stockholmsimporter från skånska Nöjesteatern som SPAMALOT och SÄLLSKAPSRESAN.
Trots det relativt lilla scenutrymmet lyckas man alltid - med stor hjälp av LED-skärmar - trolla fram en scenografi som håller Broadwaystandard. Jag vet inte hur dom gör det: ena stunden känns scenen översållad av hyddor, skjul och baracker, för att i nästa stund vara helt rensad, utan att jag tycker mej ha sett en enda människa vare sej bära eller putta på något. Det är lite Brynolf & Ljungvarning, ärligt talat. 

Branding, i betydelsen varumärkesmarknadsföring, är lite av en död konstform inom teatersverige, och det är ganska förståeligt, då knappt den största publiksuccen går längre än två säsonger, och det knappt finns ett behov av en logga, en font, ett bildspråk, en t-shirt eller en mugg. 
Här behöver man kanske inte, eller i alla fall kanske det känns onödigt ambitiöst att marknadsföra en produkt med något motsavarnde CATS ikoniska kattögon, PHANTOM OF THE OPERAS vita halvmask, eller HAMILTONS svarta personsiluett som den femte spetsen i en svart stjärna mot en bakgrund av bladguld. Men när man, som här, använder sej av originaluppsättningens layout och bildspråk, då blir det bland det bästa jag har sett i affischväg, på väldigt länge. Inte bara konstnärligt, utan rent igenkännligt. Då jag skulle ha svårt att beskriva många andra affischer, vilka bilder, vilka skådisar, vilka färger, motiv och fonter som används utan att först ta en titt, har jag inget som helst problem att beskriva Chinateaterns trycksaker och manérbilder. Jag behöver bara se en dörrklocka, eller en mörkorange bokstav, eller ett svartvitt, överexponeart foto, och jag vet vilken produktion det gäller. Man har en look.
Annars är det egentligen bara Turteater som har sitt eget, tydliga bildspråk, där det inte råder något tvivel om vilket teater det handlar om, även om produktionen i sej kanske inte är så tydlig. 

Per Andersson har aldrig haft en så här bra roll, och han har heller aldrig varit så här bra. 

Jag tror jag upptäckte Linus Wahlgren när han gjorde Gaston i SKÖNHETEN OCH ODJURET, på Göta Lejon, 2005-2006. Innan dess var jag nog en av dom där illinformerade jönsarna som bara antog att han hade fått jobbet för att han var en av dom, en Wahlgren, utan att egentligen fundera över att det kanske finns en anledning till att dom får jobben: dom är nämligen en begåvad familj. Efter föreställningen var jag sådär tröttsamt imponerad, som om jag egentligen hade förväntat mej att han knappt skulle kunna sina repliker, eller nåt. Det var inte bara det att han var bäst: han var så väldigt mycket bättre än alla andra, kanske med Ola Forssmed tätt bakom. Han var självklar, rolig, sexig och musikaliskt begåvad. Och han är en sån där som jag återupptäcker, och imponeras av, gång på gång på gång. När jag några år senare såg honom i AVENUE Q gjorde jag det igen: sa till mej själv: ”Han är ju faktiskt överraskande bra.” 
Som om det fortfarande vore en överraskning. 

Men här trodde jag nog nästan att han bitit av för mycket för att kunna tugga: inte skådespelarmässigt, utan musikalt. Speciellt låten ”I Believe” är en liten beltardänga från helvetet. Men han fixar det, den, och allt annat, utan problem. 
Jag bugar.

För att vara en historia om i stort sett tre personer, utnyttjas och synliggörs ensemblen så mycket att alla kommer till sin rätt, och alla får framträda. Många spelar så många roller att det blir ett binöje att försöka känna ingen vem från tidigare sen som gör vad. Snacka om snabba byten, för att inte tala om kostymkaskaden som måste ske bakom scen, när saker rivs av och andra slängs på. 
Till skillnad från andra produktioner där jag ibland kan vara lite osäker på om alla i applådtacket verkligen har medverkat på scenen, eftersom man knappt ha sett dom, då mycket av deras insatser har skett i bakgrunden, eller i halvmörker, känns det här mer som om de är omöjligt få: de människor jag ser har alla haft mindre roller, och jag väntar en stund på att den verkliga ensemblen ska välla in, när jag inser att det här, de här 20-talet människorna, är alla. 

Det kändes länge som om den här musikalen skulle vara en omöjlighet att sätta upp i Sverige. Den var för modern, på något sätt. För laddad med pk-ammunition. Det kändes som om vi som land måste ta ett demokratiskt beslut om ifall detta var något som fick visas upp, innan vi släppte något så kontroversiellt över våra gränser. 
Konstigt nog är det inte den senast skapade musikalen som går i Stockholm: BULLETS OVER BROADWAY, som går på Göta Lejon, hade premiär 2014.


Och så är vi framme vid mina fördomar, eller man kanska ska säga en inställningen som jag inte ens hade insett och ifrågasatt. 
Jag tror på humorn som vapen, och jag tror att skratt kan och ska verka avväpnande, inkluderande, och normaliserande. De sista tio åren har det kommit en strömning som propagerar på en viss toppstyrning och en tydligt separation av vad man får skämta om. En kock som bryter på franska, norska, engelska, tyska, går bra, en spanskbrytande kock är inte helt okej, speciellt om han jobbar på en mexikansk restaurang, och en kock som jobbar på en indisk restaurang kan bara vara rolig om han inte har en förväntad brytning. Man kan visa en vit man som går omkring och tigger, men att visa en romsk kvinna som sitter utanför Ica är att förstärka fördomar, även om det mer hör till ovanligheterna att ingen sitter utanför en mataffär, och inte är ett problem om någon gör det. 
Som bög föredrar jag att man kanske visar upp en grov parodi på en fjolla mot att man av missvisad hänsyn tar bort honom helt ur historien. Det är först när stereotypen inte längre är rolig som man har vunnit, normaliserats, accepterats. 
Jag menar inte att jag nödvändigt vill slåss för att för att få skämta om allt och alla, men jag vill uppmärksamma att om vi inte visar upp alla i en skrattspegel så osynliggör vi många. Det är som om dom inte finns. Om det här fortsätter, och snaran dras åt, kommer man till slut bara våga skämta om rika vita, blonda, blåögda män, och inga andra kommer att synas.
Detta till trots var det flera gånger under musikalen som jag tänkte: ”Nej, nu, det här går inte, nu går dom för långt…” för att i nästan stund inse att dom inte alls gått för långt, att det mycket väl går. 
Min fördom låg i att jag inte hade något som helst problem med att man visade upp vita män som fullständiga idioter, med en nästintill tecknad intelligens, men när man gjorde samma ska med svarta, då höll jag hela tiden undermedvetet på att kolla om det verkligen var okej att skratta. Privat har jag inga som helst problem att skratta åt och med mina vänner med utanförskandinaviska rötter, men om man ställer dom på scenen vill nån liten pk-gen i mej tydligen att dom plötsligt ska vara tråkigt och opersonligt representativa, som stadsmän på besök. 
Gudskelov varade det här pk-anfallet bara i några minuter. 

Kanske det mest underbara med den här musikalen, är att man tror att det handlar om hudfärg, och så visar sej att det inte alls har med det att göra, utan med kultur. Det är olika kulturer, olika religioner som skiljer oss människor, inte hur vi ser ut.
Men det visste du väl redan?

Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


GLADA ÄNKAN på Kungliga Operan: 

"När det är som bäst påminner det om Broadway, om Hasse och Tage, om Galenskaparna och After Shave, om Bröderna Mozart och farsen Rampfeber, och när det är som sämst måste jag ha blinkat, för jag hittar ingenting att hacka på."



"För den verkligt stora behållningen är huvudrollsinnehaverskan. Hon golvar mej, och man blir lite förälskad i hennes rollfigur. Det finns inga stora, dramatiska uttryck, à la grekiska dramer, med hjärta, smärta, hat och hämnd, utan det är i det totalt normala, smått komiska lilla livet som figuren får liv."


ROMEO OCH JULIA, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 2, 15/1 2017

Det hade varit skönt att se någonting riktigt, något som kändes, smärtade, rev och rappade. Jag hade velat se en föreställning där det var nära att jag ställt mej upp och skrikit: Nej, gör det inte, vänta, hon kommer att vakna!



PETRA MEDE, DEN OFRIVILLIGA DIVAN, Maxim, föreställning 5, 27/1 2017,

$
0
0

Medverkande: Petra Mede, Konstnärligt team Regissör & scenograf: Anders Lenhoff, Manusförfattare: Per Wickström, Manusförfattare: Samuel Åhman, Koreograf: Anna Vnuk, Musik: Jan Lundkvist, Produktionsteam, Scenchef: Simon Bellini, Ljusteknik: Kim Pons, Grafik: Pxlsld, Ljudteknik: Hans Anderson, Make up och kostym: Shada Gharib, Management: Clara Pawlo, MCM Management AB, Management: Maria Olanders, MCM Managemnet AB, Fotograf: Mattias Edwall, Föreställningsbilder: Håkan Larsson, Formgivare: Pär Wickholm,Wickholm Formavdelning, Produktionsledare: Myrna Samuelsson, Groundfloor production, Projektledare: Erik Gullberg, Groundfloor production/ Sofie Tallberg, Villman Produktion, PR: Rickard Werecki, Werecki Promotion, Ekonomi: Eva Gambel, Villman produktion, Foajé och biljettchef: Rickard Åberg, Maximteatern, Marknadsföring: Viktoria Ersmark, Villman produktion, Teaterchef & producent: Agneta Villman, Villman Produktion

I'm a-a diva (hey), I'm a, I'm a-a diva (hey)
I'm a, I'm a-a diva (hey), I'm a, I'm a-a diva
I'm a, I'm a-a diva (hey), I'm a, I'm a a diva
I'm a, I'm a a diva (hey), I'm a, I'm a a di...

Na-na-na, diva is a female version of a hustla, of a hustla, of a, of a hustla...
Na-na-na, diva is a female version of a hustla, of a hustla, of a, of a hustla...

Stop the track, lemme state facts:
I told you, gimme a minute and I'll be right back
Fifty million round the world and they say that I couldn't get it;
I done got so sick and filthy with Benjis, I can't spend it
How you gon' be talking shit? You act like I just got up in it;
Been the number one diva in this game for a minute!
I know you read the paper - the one that they call a queen,
Every radio round the world know me cause that's where I be (first!)

Diva,
av Beyoncé Knowles 
Shondrae Crawford 
Sean Garrett

De senaste åren har jag inte tittat på melodifestivalen, speciellt inte den svenska tävligen. Det är nog över tio år sen jag satt ner i en soffa, oståbågar i näven, gin och tonic i glaset, och verkligen kollade in programmet. Jag tänker inte raljera om varför, men det hela känns lite väl som ett forumla, som något som kopierar något som en gång var unikt. Som en remake på en remake.

Det är därför jag har en lite oklar bild av vem och vad Petra Mede är. Jag menar, jag har ingen historia med henne, vet inte när och var hon slog igenom, och blev Petra Mede med svenska folket. Var det melodifestivalen? 

Det intressanta, för mej, när jag ser den här föreställningen, förutom showen i sej, är att jag förstår att hon leker med någon slags bild av sej själv, men eftersom jag inte har koll på den bilden, så har jag lite svårt att hänga med i driften. Kanske har hon anklagats för att vara divig? Kanske har hon fått kritik för sina klädval? Jag vet inte, och det spelar egentligen ingen roll: det är som gå på en föreställning utomlands och se någon man inte känner till, men som man förstår på den övriga publikens gensvar, är omtyckt och respekterad.

En enkel googling, nu, såhär efteråt, och jag har min bild: Dansare som skadade ryggen, blev långtidssjukskriven, började med stand up, och började leda olika galor, medverka i humorprogram och gästa morgonsoffor.

Genrepet som jag och min vän Majorka Estate går på, är igångsparken på några föreställningar på Maximteatern, innan en liten vårturne´. Samma show har varit ute förut, men nu har hon jobbat om materialet, och testar det på oss. Vissa saker bombar, andra funkar fint. Det är ingen föreställningen fylld av asgarv, utan den är bitsk, fnissframkallande och underhållande.
Det är kul att se den här typen av bastant stand up: ett längre pass som förefaller ge oss en insikt i någons liv, någons inställning till sin omgivning. Hon avhandlar tiggare, sommarpratare och politik med en oförutsägbar humor, och skämten jag hör är nya, i alla fall för mej. 
Allra bäst är hennes teknik när hon levererar poängen i en slags bisats, så att man som publik  nästan missar skämtet. Jag är lite nyfiken på hur det funkar om hon uppträder för en grupp människor som fått sej några glas. Men hon kanske bara anpassar materialet och talar långsammare. 

Scenografin är enkel, men är mer ambitiös än jag hade förväntat mej. Till höger: ett litet, runt guldmålat sidbord bredvid en röd, stoppad sammetsfåtölj av den där typen som kallas badkars-fåtölj, för att det är lite som att sitta i ett badkar, eftersom rygg och armstöd är lika höga. 
Till vänster: en röd sammetsskärm på hjul, bakom vilken divan byter om. Två gånger. Vilket är minst en gång för mycket, kan jag tycka. Kanske vill man ha något nytt, visuellt, men - och nota bene att detta var ett publikrep - bytena tog så lång tid att resultaten hade behövt vara mer effektfulla för att rättfärdigas. 
Men kanske är det så att scenografi och kostymbyte är där för att poängtera att detta inte baraär en standup?

Kvinnor är roligare än män, tycker jag, men jag har sett några kvinnliga standuppare/komiker som använder sej av sin könstillhörighet som ett slags  angreppssätt och image, och som hela tiden ställer sej själv i förhållande till Det Manliga Könet, som om någon sagt till henne: din infallsvinkel är att du är kvinna, jobba på det, det är ditt genus som utmärker dej. 
Som om dom var den enda kvinnan som nånsin ställt sej på en scen.
Jag menar inte att man inte ska medge att man är kvinna, eller undvika ”kvinnliga” ämnen, men när man påpekar att man är en kvinna - ”som kvinna tänker jag, eller tycker jag, eller känner jag” - så blir upplevelsen liksom allmän, som om vilket kvinna som helst skulle kunna ställa sej upp och säga det som blir sagt. 
Petra Mede blir aldrig allmän, en av många, en i mängden.

Jag tror att det kreativa teamet tyckte att ”Den Ofrilliga Divan” var en kul titel, men jag tycker inte jag märker så mycket av det, och det är absolut inget jag saknar. Jag hade varit rädd för en slags överdramatisk, överspelad stereotypdiva, men jag tycker att jag får Petra Mede, som jag tror att hon är. Vass, kul och lite egen.

Mer om föreställningen hittar du HÄR, och biljetter köper du HÄR


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


Jag har sett BOOK OF MORMON på Chinateatern: 

Trots det relativt lilla scenutrymmet lyckas man alltid - med stor hjälp av LED-skärmar - trolla fram en scenografi som håller Broadwaystandard. Jag vet inte hur dom gör det: ena stunden känns scenen översållad av hyddor, skjul och baracker, för att i nästa stund vara helt rensad, utan att jag tycker mej ha sett en enda människa vare sej bära eller putta på något. Det är lite Brynolf & Ljungvarning, ärligt talat. 


GLADA ÄNKAN på Kungliga Operan: 

"När det är som bäst påminner det om Broadway, om Hasse och Tage, om Galenskaparna och After Shave, om Bröderna Mozart och farsen Rampfeber, och när det är som sämst måste jag ha blinkat, för jag hittar ingenting att hacka på."



"För den verkligt stora behållningen är huvudrollsinnehaverskan. Hon golvar mej, och man blir lite förälskad i hennes rollfigur. Det finns inga stora, dramatiska uttryck, à la grekiska dramer, med hjärta, smärta, hat och hämnd, utan det är i det totalt normala, smått komiska lilla livet som figuren får liv."





BANKDIREKTÖR BORKMAN, Genrep, Kulturhuset Stadsteatern, föreställning 6, 2/2 2017

$
0
0

Av Henrik Ibsen, Översättning Klas Östergren, Regi och bearbetning Dritëro Kasapi, Bearbetning Sofia Fredén, Scenografi och kostym Annika Nieminen Bromberg, Ljus Patrik Bogårdh, Ljud Michael Breschi, Ljud Johan Ehn, Mask Maria Lindstedt, Video Visual Relief Med Peter Andersson, Kajsa Ernst, Emil Ljungestig, Chatarina Larsson, Helena af Sandeberg, Jan Mybrand, Mari-Helen Hyvärinen

I original är den här föreställningen runt fyra timmar lång. Här har man strukit ner den till 90 minuter, och förlorat en hel del på vägen.  

Det handlar om före detta bandirektören Borkman som förskingrat en massa pengar, hamnat i fängelse, kommit ut, och nu, sen åtta år, på nåder får bo på övervåningen i en gammal flickväns hus, utanför stan. På undervåningen bor hans fru, den gamla flickvännens syster. 

JOHN GABRIEL BORKMAN, som pjäsen egentligen heter, var Ibsens näst sista pjäs, och skrevs när dramatikern var 68 år gammal, 1896. Den hade premiär 1897, i Helsingfors, samma år som Allmänna konst-och Industrihutställningen hålls på Djurgården, och Djurgårdsbron invigs, och detta är  första gången varm korv säljs i Sverige, Bram Stokers Dracula publiceras, Oscar Wilde släpps ur fängelset, och det är första gången som Nyårsklockorna läses på Skansen. Filmskådespelerskan Gloria Swanson, piloten Amelia Earhart, författaren Enid Blyton och kostymskaparen Edith Head föds. Ingen intressant person verkar ha dött.

Detta var ett genrep, så mycket kan ha hänt innan premiär. 

Under föreställningen sitter jag och funderar på vem som har regisserat. Förr brukade jag alltid kolla upp sånt, men ibland är det intressant att inte ha en aning och försöka gissa. Är det en man eller en kvinna? Är regissören ung eller gammal? Jag får för mej att det är en väldigt ung person, kanske nyutexaminerad, eller någon regielev från STDH som med den här uppsättningen gör sin praktik. Det känns väldigt omoget, pretentiöst, och oformligt. Ofokuserat, och utan en klar läsning. Personregin känns som om skådespelarna har fått mål, dit dom ska försöka ta sej, utan att egentligen har fått någon underbyggnad: ”Här får du ett utbrott, här blir du hysterisk, här får du ett raserianfall…” 
Detta gör att skådespeleriet känns ogrundat, forcerat, man spelar sina känslor, i en egen bubbla, och man verkar inte lyssna på de andra, och ta impulser från motspelaren. De talar inte till varandra, man säger det man ska säga, utan att jag förstår riktigt varför. Man är arg, glad ledsen, lite som om man dragit känslolappar i en improvisationsövning.
Nuet, sekunden, verkar vara utan vikt. Vändpunkterna slarvas över. Ingen har några hemligheter eller mål. Det är nästan som om karaktärerna vore lika främmande för dom på scenen som dom är för oss i publiken. 
Jag antar att regissören är en ung man, för jag tycker mej sakna en övertydlig feministisk läsning, en sån jag hade förväntat mej om en regissör som regisserat något sånt här var en kvinna.
Och det känns som jag har sett den här pjäsen förut. Den känns bekant, på något sätt, men jag inser efter en stund att den klingar av två andra ibensuppsättningar: ROSMERSHOLM, som jag såg på Dramaten 2014, och EN FOLKEFIENDE, som jag såg på Kulturhuset Stadsteatern 2015. Båda, eller alla tre, handlar liksom om en man som är övertygad om att han har rätt i sin övertygelse, och att alla andra har fel. Och vi får aldrig riktigt veta om han, dom, hade rätt eller fel. 

Scenografin föreställer två rum i ett hus på landet. I fonden finns ett stort fönster, som egentligen är en filmskärm, där man projicerar ett snöigt landaskap, och som mycket effektivt används när man ska visa övervåningen, och låter utsikten liksom följa med, i något som för oss i publiken känns lite som om vi flyger. 

Scengolvet är täckt av parkett, en flygel står nere till vänster, en fåtölj, ett litet, runt soffbord i naturfärgat trä, och en ikea-stol av genomskinlig plexi står till höger. Lite överallt står flyttkartonger. Som om man inte riktigt, trots att man bott där i åtta år, har flyttat in. 
Kostymerna är moderna, och jag hade föredragit att dom istället varit tidstypiska. Det blir - för mej - alltid lite konstigt när man försöker modernisera äldre pjäser, men inte går hela vägen. Ska det vara nutid: släng in mobiltelefoner, facebook, internet, moderna människor, som du och jag. Det blir konstigt med människor i nutida kläder, men föråldrade förutsättningar: När den skrevs var det inte konstigt att en fru bara levde på sin man, idag hör det till ovanligheterna. Då kunde man sympatisera med en kvinna som gift sej med en förmögen man och upptäcker att pengarna gått förlorade. Hon hade ingen utväg. 
Idag tänker man: skaffa dej ett jobb, ett liv.

Mitt stora problem är att jag inte förstår varför man sätter upp den här pjäsen. Om man hade gjort en museal uppsättning, för att liksom kunna påvisa att man visst sätter upp klassiker, det hade jag förstått, men när man nu styrker ner den och sätter den i moden tid, då begriper jag inte mycket.  
Eftersom det handlar om en bankdirektör som fällts för ett ekonomiskt brott så skulle jag kunna tänka mej att man vill säga något om de som handhar våra pengar, men jag blir inte klok på vad, eftersom jag tycker att det ändå finns ett inbyggt tvivel till vad Borkman har gjort: han förskingrade inte för sin egen skull, utan för något han trodde var till allas bästa. Eller?

När man har strukit en väldig massa text är det ibland förvånande vad man inte har strukit. 
Jag vet inte vad man kallar repliker som egentligen bara är till för att förklara, påminna, förtydliga. I en fyratimmarspjäs kanske man behövde påminnas om vem som var vem, och i vilken relation alla stod till varandra, men här, där bara ett slags skelett är kvar, känns vissa repliker mossiga och överflödiga:
”Jag talar om din son, Erhart?”
Hur många söner har hon?
”Min son, Erhart?”
Nej, din gamla klasskompis Erhart.
”Kom till mej, min älskade son Erhart!”
Till skillnad mot din avskydda son Erhart?
Jag menar: en gång är okej, men att älta det är som om man spelade teater på ett hem för patienter med lättare släng av alzheimer. 
Vem var Erhart nu igen? Och vem är han son till?

Sen har vi björnhuvudet, som ett skolexempel hämtat ur boken Teatral Symbolism inom Scenkonsten: paret Borkmans son har ihop det med en äldre kvinna - och i vilken värld Helena af Sandeberg gäller för äldre kvinna vet jag inte - som har en dotter som av någon anledning kommer till herr Borkman och spelar piano för honom. Och man verkar tycka att det vore intressant om hon kom in med ett björnhuvud på sitt eget huvud. För jag antar att det inte är Ibsen, utan ett grepp. 
Det fick mej att tänka på en uppsättning av LES MISERABLES som jag såg i Malmö för några år sen: en person med varghuvud dök upp i flera scener, vilket gjorde att många av oss i publiken försökte hitta varghuvudet i varje ny scen. Efterfrågningar visade att han skulle symbolisera ondskan, tydligen.

Jag har rätt, och fel, förresten, visar det sej, vad gäller regissören. Det är en man, men han är inte en ung student. Han har varit verksam i tiotalet år, och är nytillträdd biträdande scenkonstchef i huset.

Mer hittar du HÄR.


Tacksamt,

Joakim Clifton Bergman

Du vet väl -
- att jag har en facebook-grupp som du gärna får gå med i, https://www.facebook.com/minstengangiveckan
 - att jag på Instagram heter https://www.instagram.com/joakim_clifton_bergman
- på Twitter heter https://twitter.com/EnIVeckan.
- och på  Snapchat heter jag CliftonBergman
- och att du kan nå mej på joakimbergmam@gmail.com 


Dessutom vill jag tack Mrs. Parker of the Algonquin för korrekturläsning och feedback.

Om du gillade det här kanske du gillar: 


PETRA MEDE, DEN OFRIVILLIGA DIVAN, på Maxim: 

De senaste åren har jag inte tittat på melodifestivalen, speciellt inte den svenska tävligen. Det är nog över tio år sen jag satt ner i en soffa, oståbågar i näven, gin och tonic i glaset, och verkligen kollade in programmet. Jag tänker inte raljera om varför, men det hela känns lite väl som en formel, som något som kopierar något som en gång var unikt. Som en remake på en remake.


Det är därför jag har en lite oklar bild av vem och vad Petra Mede är. 


Jag har sett BOOK OF MORMON på Chinateatern: 

Trots det relativt lilla scenutrymmet lyckas man alltid - med stor hjälp av LED-skärmar - trolla fram en scenografi som håller Broadwaystandard. Jag vet inte hur dom gör det: ena stunden känns scenen översållad av hyddor, skjul och baracker, för att i nästa stund vara helt rensad, utan att jag tycker mej ha sett en enda människa vare sej bära eller putta på något. Det är lite Brynolf & Ljungvarning, ärligt talat. 


GLADA ÄNKAN på Kungliga Operan: 

"När det är som bäst påminner det om Broadway, om Hasse och Tage, om Galenskaparna och After Shave, om Bröderna Mozart och farsen Rampfeber, och när det är som sämst måste jag ha blinkat, för jag hittar ingenting att hacka på."



Viewing all 815 articles
Browse latest View live